Repaso gráfico al demoledor paso de Angelus Apatrida por la Sala Acapulco de Gijón.
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Con motivo del vigésimo aniversario de la publicación de «II«, el segundo disco de Darna recuperamos una entrevista realizada por nuestra añorada Belén Pardo para el webzine La Kripta allá por diciembre del 2002 a Ruth Suárez, voz la formación ovetense. Adornamos el documento con fotos del archivo personal de Belén de la actuación de la banda en la Sala Albéniz de Gijón en el año 2004.
Darna es un grupo asturiano que se abre camino en el mundo de la música a pasos de gigante. Hemos hablado de los orígenes y el futuro del grupo con Ruth, la voz carismática de Darna.
BELÉN: Aunque estaréis hartos de que os lo pregunten : ¿Cuáles son los orígenes de Darna?
RUTH: Darna surge en el año 98; tras romperse Presto, banda en la que estábamos por aquel entonces Dani Sevillano y yo y tras haber probado por varias formaciones, opté por la opción de iniciar un proyecto para una banda que en realidad aún no existía y que fueron las primeras ideas y la base de lo que ahora es Darna como historia. Dani se incorporó a unos Warcry que estaban en vías de desaparecer a partir del momento en el que Víctor García se incorporaba a las filas de Avalanch, así que el batería Yugue y el bajista Álvaro Jardón se animaron a formar parte de este nuevo proyecto que ya tenía nombre propio, Darna y que ya estaba cogiendo forma y en el que Dani ya se había involucrado. La última en incorporarse fue Silvia; casi de casualidad se juntó por un lado, el querer imprimir más fuerza al grupo con una segunda guitarra y el saber de Silvia como guitarrista y lo cierto es que en un par de días ya estábamos trabajando todos al 100%. Ahora contamos además, con Fonso, el nuevo bajista que forma parte de la banda desde antes del verano.
BELÉN: En alguna revista especializada os han clasificado como «heavy medieval» pero vuestro estilo se acerca más al power, ¿Qué estilo podría encuadrar a Darna?
RUTH: Incluirse uno mismo dentro de un estilo, es muy complicado. Por el momento a Darna le gustan bandas de corte más clásico y bandas en donde lo melódico tiene una parte muy importante, de todas formas, en este trabajo hemos dejado ver cuáles son las tendencias y gustos de cada uno de los componentes y de todo el conjunto.
BELÉN: ¿Darna ha encontrado su propio estilo?
RUTH: Creemos que sí; en este primer trabajo hemos intentado ofrecer un compendio de todo lo que nos gusta dentro de lo que es la música heavy con un punto común que es la historia de Darna y con un objetivo que es el hacer que en cada canción haya una relación entre lo que se dice y la música que se está tocando.
BELÉN: Habéis creado vuestro propio sello, La Bruja Producciones, con el que habéis editado vuestro primer trabajo. ¿Contáis con algún apoyo del exterior?
RUTH: Únicamente hemos delegado la labor de distribución en otra compañía pero el resto ha sido todo cosa de La Bruja Producciones en la que se encuentran algunos de los componentes de Darna.
BELÉN: ¿Qué grupos podrías poner en común si hubiera que hablar de las influencias de Darna?
RUTH: Sobre todo bandas clásicas como Rainbow, Deep Purple, Ynqwie Malmsteen y otras no tan clásicas que han sabido dar personalidad y mejoras técnicas y musicales al heavy metal actual.
BELÉN: Personalmente me niego a creer que en el género no existan mujeres capaces como lo sois vosotras, me pregunto si es difícil siendo mujer o es cuestión de autoconfianza.
RUTH: Tal vez sea un poco de todo. Hay seguramente muchas y muy buenas mujeres dentro del metal lo que pasa que sigue siendo un género algo machista, lo cual es curioso porque sobre todo en los últimos años se nos ha estado ofreciendo un gran número de cantantes con unos registros vocales propios de mujer. A una mujer (independientemente del instrumento que toque) se le exige mucho más, se la evalúa mucho más pero también es cierto que cuando gusta y sorprende, se nota.
BELÉN: Actualmente hay muchos grupos que optan por cohesionar los temas por medio de una historia secuencial, en vuestro caso ¿cuáles son los motivos, se podría considerar casi una afición literaria?
RUTH: La historia de Darna surgió como una manera de empezar a trabajar en un proyecto de forma continuada pero sí que es cierto, que el poder explicar situaciones o sentimientos de un modo elaborado, jugando con las palabras y con la imaginación tiene mucho que ver con lo que buenamente podría ser el desarrollo de una novela.
BELÉN: La calidad musical en Asturias siempre ha existido. Como parte integrante del panorama astur. ¿A qué crees que se debe la bonanza que vive la región en ese aspecto?
RUTH: Es curioso porque si precisamente hay una región en donde menos se apoye a cualquier estilo musical que no sea la música clásica, en donde no hay verdaderas academias de aprendizaje sobre técnicas y armonías modernas, en donde los músicos raramente pueden ofrecer conciertos para mostrar su trabajo, esa región es Asturias. Lo cierto es que no sé a qué se puede deber esa bonanza musical, pero me alegro de que a pesar de todo exista.
BELÉN: Cuando llegan a vuestras manos las críticas que os han ido haciendo, ¿os sentís satisfechos de haber transmitido la esencia de Darna?
RUTH: Nos sentimos satisfechos sobre todo de saber que poco a poco, todo el trabajo que nos ha llevado preparar este proyecto está viendo su recompensa. Se valora a Darna como una banda de futuro y eso nos complace porque seguimos trabajando para ofrecer más y mejor; eso nos demuestra que las puertas están abiertas.
BELEN: ¿Cuáles son los pilares de la historia de Darna?
RUTH: Los sentimientos y la imaginación. En cada una de las canciones o en cada uno de los componentes del CD hay algo de esto. Nosotros ponemos música a un montón de sentimientos, de situaciones pero en realidad es el oyente quien le da forma y vida a los personajes o al momento de la historia que en ese momento se está viviendo.
BELÉN: ¿En directo que temas tienen mejor respuesta?
RUTH: «Desleal» es nuestro tema estrella, a la gente le gusta corearlo y llega muy bien, también «Secuelas» es un tema que la gente conoce a fondo, pero hay temas que nos han sorprendido como «Sheela» que a pesar de que es una canción muy tranquila y que rompe con el resto del concierto ya que es donde Silvia y yo nos quedamos solas en el escenario y no hay más que guitarra y voz, a la gente le llega y parece que la conexión entre el público y la banda es mayor a partir de este momento.
BELÉN: Darna es un disco lleno de sorpresas como la colaboración de Víctor García o la genial introducción interpretada por al compañía «Al Margen«. ¿Son ideas preconcebidas a la grabación o surgieron durante ella? ¿Habéis pensado incluir a la compañía de teatro en algún directo?
RUTH: El poder contar con Víctor como personaje dentro de la historia es algo que estaba ya claro desde el comienzo del proyecto, con Víctor nos une una gran amistad y por su parte nunca hubo impedimento. El contar con la compañía de teatro es algo que surgió de manera más casual pero que sabíamos desde hacía tiempo que necesitábamos para aclarar partes y personajes que quedaban algo perdidas en la historia. Lo de incluir a la compañía en un directo es algo que realmente nos encantaría porque realmente estamos hablando de una compañía que cuenta con grandes actores además de que sería algo único pero es muy complicado hacer un montaje de esa envergadura.
BELÉN: Por representarlos de alguna manera en el disco hay temas de lo más heavy como «La Edad De La Ira«, una canción preciosa casi celta como puede ser «Sheela» o vuestro ya himno «Desleal«. Creo que se mezclan estilos en un disco que sigue un orden compositivo marcado por la historia. ¿Cómo se logra cohesionar todo ello en un disco?
RUTH: Nuestra intención ha sido la de poner a disposición de la historia todo aquello que nos gusta. Se trata de hacer que en todo momento tenga sentido lo que se está diciendo con lo que musicalmente estás escuchando.
BELÉN: ¿Qué nos podéis adelantar del siguiente disco? ¿Se basará también en una historia? ¿Habrá más colaboraciones?
RUTH: Sobre nuestro nuevo proyecto sólo te puedo adelantar que tendrá más caña que el anterior y que estamos trabajando muy duro para no defraudar a todos aquellos que confían en nosotros.
Redacción y fotografía: Belén Pardo
Los madrileños DOI están de vuelta. La banda, que ya pasara por estas páginas con aquél “Descenso Onírico” de 2020, nos presenta ahora un primer largo al que han dado en llamar “Desideratum” y que, tal como anticipaban aquellos primeros cinco temas, ahonda en su particular mixtura de metalcore, groove, nü…. Ellos son Gatsu (batería), Jon y Edu (guitarras), Pablo (bajo) y Dez (voces). El álbum consta de nueve cortes producidos por Alex Tena (Bonecarver).
Un Alex Tena que parece haber hecho un gran trabajo toda vez arranca un una “Déjame Entrar” de más que apropiado título. La receta es sencilla, con esos riffs de ida y vuelta, los preeminentes coros, la rica línea vocal y ese bajo crujiente y precipitado. Composición sencilla, que me agrada por la mayor pesadez que exhibe en su tronco central.
“Mercado De La Piel”, que plantea la situación hipotética de un lugar donde todo tiene un precio pero no existen prohibiciones ni reproches morales. En lo musical lleva a DOI varios pasos más adelante, con un mayor peso en cuanto a escritura, que se pierde por toda una maraña de tonos y capas que la elevan como una de las composiciones más centradas y a la vez refrescantes de todo el álbum. Incluso en el plano técnico, permitiéndose un par de acentos (guitarra primero, bajo después) para nada exuberantes pero desde luego sí llamativos.
“Más Fuerte”, que tuvo el honor de presentar al disco en sociedad, late con una cierta sensación de urgencia, a la par que deriva hacia un groove repentino que, particularmente durante estrofas, me recuerda a sus paisanos Skunk D.F.. Un corte que en su epílogo pasa de la más pura introspección a la rabia más descosida. Blast beats inclusive. Oferta diversa, bien planteada y mejor resuelta.
El disco entra de lleno en las relaciones de pareja con esta “Dame El Cielo”, a ratos desesperanzada, casi siempre desgarrada y con ciertos guiños que me recuerdan sobremanera a los tristemente desaparecidos Estirpe. Destaca aquí, quizás por puro contraste, el elegante solo que ocupa su tronco central. La paleta de colores de este “Desideratum” sigue creciendo pero lo mejor es la forma tan natural con la que la banda ha sabido implementar su amplio rango de influencias.
Sobre lo duro que resulta echar de menos a alguien versa una “Cenizas Sobre Cenizas” evidentemente desgarrada y apasionada. Que goza de un poso más melódico en sus primeras estrofas, también en sus estribillos, mientras que vuelve a reservar una mayor crudeza, la del puro desengaño, para su hosco epílogo. De las que más ha ido ganando con el correr de las escuchas.
“Olvidado”, en memoria de quienes perdieron la vida durante la borrasca Filomena, parte de un prólogo leve y melódico para después mutar en uno de los cortes más hirientes, coléricos y vibrantes de todo “Desideratum”. En comandita con sus compas de Incordian, DOI echan aquí el resto en lo que a mal café se refiere, con una batería que echa humo y un aspecto vocal debidamente frontal, colérico y desgarrado. Ciertos riffs me recuerdan a los Strapping Young Lad del “City”, lo cual no es mala cosa. En resumidas cuentas el corte resulta tan abrasador como ver a los responsables de aquél desastre todavía hoy sentados en sus sillones mientras dirigen nuestros destinos con mano de hierro. Vaya para ellos todo nuestro desprecio.
Muy juguetón el riff de esta “Dejando La Roca”, que en términos puramente empíricos puede que no me resulte tan interesante como otras ofertas dentro de este álbum pero, por otro lado, tiene un gancho de mil demonios. Clásico corte rompecuellos con todas las trazas de darles buenos réditos en directo, coronado con un estupendo solo durante el puente pero de final un tanto abrupto.
“Inhumanamente Humano”, que en su caso dispara contra los abusos de la patronal, se envuelve en el clásico juego estrofa desnuda y estribillo poderoso para un corte de construcción sencilla pero bien resuelto y eficaz. Cierto que algunas líneas de voz resultan un tanto atropelladas. Pero no será menos verdad que todo hijo de vecino se puede sentir identificado con esta lírica.
Curiosamente, puede que sea la homónima “DOI” la que más frío me deja de este nuevo trabajo. Aún así aprecio lo pegadizo del riff, ciertos acentos melódicos que tiene por ahí y la habitual diversidad en cuanto a voces. Pero enfrentada a otros cortes de este largo siempre termina quedando algo por debajo.
Cabe decir que no me ha sorprendido este nuevo trabajo. Tampoco decepcionado, ojo. La banda sigue donde lo dejara en su “Descenso Onírico” de 2020 y por ahí las premisas son claras. Metal de nuevo cuño, un abanico enorme de influencias, inteligencia a la hora de plasmarlas en sus composiciones y una producción a la altura de las circunstancias. Habrá quien eche en falta más solos, más pasajes tranquilos o incluso más tralla. De todo hay. Lo cierto es que con las varias escuchas que han caído hasta día de hoy, en conjunto me parece un disco equilibrado e incluso inteligente. Ya le estáis pegando un par de vueltas.
Texto: David Naves
Nueva entrevista por Edu Meier a rostros reconocibles de nuestra escena. En esta ocasión asalta a Víctor Vivar, guitarra y voz de los avilesinos Crudo y en los últimos tiempos también en los renacidos Madera Rock. Como siempre muchísimas gracias por tu aportación Edu y adelante con la interviú.
Hola Víctor!! Estoy haciendo una serie de entrevistas para Heavy Metal Brigade de gente de la música explicando cómo y por qué empezó en esto y, si quieres, dar un toque a los guajes para que sigan el ejemplo (lo siento pero es lo que tiene ser padre y ver que no hay nadie nuevo en mucho tiempo). Comencemos:
Edu: ¿Cuál es el futuro musical a corto plazo de Víctor Vivar?
Víctor: Pues terminar las canciones del quinto disco de Crudo, en lo cual ya hace tiempo que estamos inmersos, grabar, editar, girar, tocar, tocar, tocar….y volver a empezar!!!. Así a groso modo……. pero sin estrés!!!
Edu: ¿Por qué empezaste a tocar la guitarra cómo te dio por el hard rock?
Víctor: Pues me imagino que fue un cúmulo de cosas, pero imagino que por imitación a los ídolos sobre todo. Pronto me empezó a gustar la música, a los 12 años flipé con Dire Straits y como tocaba y le sonaba la guitarra a Mark Knopfler. Los primeros años sentía curiosidad por Bruce Springsteen, Deep Purple, Queen o Pink Floyd, y respecto al cambio de gustos y evolución, surgió a partir de entrar en el instituto, intercambias gustos, conocimientos, y descubrí un universo brutal en el hard rock y heavy metal de los 70´s y 80´s. Luego empiezas a ir a conciertos de las bandas del rock nacional, Barricada, Siniestro Total, Barón Rojo, Rosendo, Los Suaves, Extremoduro, Platero y Tu, etc. Empiezas un día a enredar con una guitarra, intentando imitar melodías, solos y cuando te das cuenta estas sacando tu primera canción, que esto sería con 16 años, así que empecé bastante tarde.
Edu: ¿Cuál fue la primera vez que pensaste: cojones, esto no se me da tan mal?
Víctor: La verdad es que nunca me planteé eso, siempre lo sentí como un medio de desahogo, y una manera, un canal para expresar cosas. Nunca me considere un buen guitarrista, simplemente saco provecho a las 4 cosas que aprendí a las 6 cuerdas y disfruto transmitiéndolas. Para mi es un medio, mas que un fin… , siempre me gusto más y preferí como sonaba el colectivo que individualmente.
Edu: ¿Cuáles fueron el mejor y el día ese que salió raro en tu carrera musical?
Víctor: Ufff..no se!!!! jajajajajajajajaja, necesitaría escribir un libro, solo de Madera Rock ya…!!!. Hay muchos buenos días y muy raros. De los mejores días con Crudo probablemente cuando tocamos con Los Suaves en La Ería de Oviedo, porque había muchos invitados y muy gordos o con El Drogas en la Sir Lauren’s, ah!!!! y un bolo en Ribadeo, eso si que fue raro……. Con Fe De Ratas también viví cosas divertidas y extrañas, pero sin duda en la época de Madera Rock hubo muchos momentos dignos de serie de Netflix, vivimos cosas muy muy grandes como tocar con Platero y Tu o Los Suaves y la gira con Ilegales, pero también otras dignas de relatar y mas de una con las fuerzas del orden de por medio.
Edu: ¿Cómo haces para llevar a cabo tu vida personal y musical?
Víctor: Bueno, pues con organización. Al fin y al cabo la vida es cuestión de prioridades y necesidades. Procuramos que el curro nos permita libertad para los bolos y tenemos un régimen de ensayos creo que flexible. Muy a nuestro pesar, tiene más de hobby que de actividad profesional pero ye lo que hay…..de momento!!!
Edu: ¿Algo más que añadir?
Víctor: Pues que tenemos una tierra que tuvo y tiene unas bandazas de la ostia de todos los géneros, que nunca lo tuvimos fácil ni para salir , ni para sobrevivir y es una pena que muchas se hayan quedado en el camino, gente que tenía mucho que decir. A quien pueda llegar este mensaje, decirte que tengas curiosidad por los grupos de tu alrededor, porque quizá te estés perdiendo un grupazo, o un temazo y pasan desapercibidos a tu lado. Estate atento, ten curiosidad y aliméntala…
Edu: Muchas gracias Víctor y un abrazo enorme señor Vivar 😜
Una auténtica hidra del thrash la que se vino a reunir el pasado sábado en el Bola 8 de Gijón bajo el epígrafe «Thrasher Night!» a los cántabros Opposer, los gallegos Strikeback y los locales Tyrant. La sola venida de lo más granado de la escena noroeste resultó excusa suficiente como para coger los bártulos una vez más y encaminarnos de nuevo a la llamada capital de la costa verde. Si en el proceso desbloqueábamos un escenario más, van quedando pocos por bautizar, pues tanto mejor.
Buen ambiente y mucho bullicio minutos antes de la apertura de puertas. El Bola 8 no es el Madison Square Garden pero lo cierto es que no fue poca la gente que se congregó para disfrutar de una institución del thrash cántabro como Opposer. Venían presentando aún aquél estupendo “R3cod3d” de 2022 (reseña aquí) y era palpable el interés que suscitó su visita a tierras asturianas.
Qué mejor que algo como “Wake Up” para sacar al respetable del letargo y ponerle en dirección a una descarga de auténtico thrash de marcados tintes death. Era la primera vez de los chicos en Gijón y a fe nuestra que los de la comunidad vecina supieron tirar de galones para sacar adelante un buen show de thrash técnico y firme. Ahí fue donde les funcionó el nervio de “Recoded Rebirth” pero también “Serpent Eyes” y ese riff para la antología.
Al bajo y también los coros estaba Jesús, que fuera anterior guitarra de la formación thrash del quince al veintiuno, y que defendió el puesto con toda la entrega y profesionalidad que se le presuponían, cumpliendo tanto con el cinco cuerdas como con los coros. Pisaba terreno conocido y se notó, claro.
“Holy Lies” recordó a su álbum de 2017 mientras el ambiente en el Bola 8 se caldeaba por momentos. Vimos un público de lo más variopinto. Todos disfrutando de una banda a la que le sobran las tablas. Su thrash puede no tener el nervio de Strikeback ni flirtear con el trazo tan a veces pesado de Tyrant, pero a lomos del que fue quizá el mejor sonido de la jornada, supieron ganarse más de un adepto para su causa.
Funcionó “House Of Pain”, corte apertura de su último disco, pero mentiríamos si dijéramos que no fue “Forbidden”, de aquél “Remember The Past” de hace justo ahora diez años, la que terminó por granjearles el favor del público. No faltaron los agradecimientos a la buena gente de Tyrant y un final de thrash desbocado en forma de “Straight To Hell” que propiciaría el primer circle pit de la jornada. Cierre con “Ashes To Ashes” tras cincuenta minutos de show donde quedó la sensación de que están lejos de arrojar la toalla.
Enfrascados en la presentación del reciente Ep “World In Decay”, del que prometo dar cumplida cuenta por aquí en tanto el tiempo me lo permita, los coruñeses Strikeback llegaban a Gijón con las pilas cargadas y la misión de convertir el pequeño Bola 8 en una auténtica fiesta.
El quinteto, que se amoldó como buenamente pudo al reducido escenario, tiene en la figura de Adrián Beltrán “Liber” a un frontman con carisma y buenas hechuras, que supo conectar con la gente, implicarla en su thrash nervioso y directo, y no desfallecer ni por un instante. Tal es así que ya desde los primeros temas se pudieron ver circle pits en particular y mucho movimiento en general. Su público, muy joven, tenía ganas de fiesta y temas de su más reciente Ep, interpretado en su totalidad, parecieron caer de pie en el pequeño local gijonés.
“Over Again”, fácilmente la mejor recibida de su nueva hornada de temas, puso al Bola 8 patas arriba. Y mientras que no negocian un esfuerzo ni a la hora de los agradecimientos, supimos de boca del propio Liber que Alex Mella, bajista de los coruñeses, había sido operado hacía escasas fechas. Y ni por esas quiso el también miembro de Thrashnos perderse la cita. Vaya desde aquí nuestro más sincero reconocimiento.
Mientras “B.H.S. (Boundless Human Stupidity)” inunda Gijón de puro thrash flamígero pero con gancho, “Secrets And Lies” deja a las claras que también saben moverse en el terreno del thrash técnico y pesado. Melancólico incluso. Con el tema que da título a su último Ep y la despiadada “Kill Or Be Killed” se despidieron dejando la sensación de haber crecido una barbaridad desde mi último encuentro con ellos, aquél bolo junto a Totengott y Angelus Apatrida en nuestra muy añorada sala Sir Laurens.
Tercera banda de la noche y tercera propuesta que, sin abandonar del todo la fuerte raíz thrash de la jornada, transgrede hacia su versión más rocosa y por momentos casi monolítica. Hacía poco de nuestro anterior encuentro con los gijoneses Tyrant, aquél en que telonearon a la Kiss Experience en la Sala Acapulco (crónica aquí) y donde vinieron a entregar un set plagado de versiones. De ahí que hubiera ganas de verles con un set más propio e identificable…
… que aún así albergó sorpresas. No de inicio, que la banda apoyó desde una pedregosa “Domination March” para convertir en pesadez el nervio de Strikeback o la oscuridad de Opposer. Con Pantera en el punto de mira, “(Millions Of Corpses…) In The Name Of No One” desarrolla un thrash apoyado en gran medida en los orgullosamente sucios riffs de Nico Suárez.
Y si bien puede que el sonido no alcanzase a ser tan redondo como el de sus compañeros de cartel, quizá en parte por cómo su propuesta se encamina hacia otros derroteros, cierto es que el mayor brío de “Prepare For Attack”, original de los denverianos Havok, volvió a funcionar al igual que lo hiciera en la anterior cita gijonesa.
Jugando en casa una vez más, qué menos que detenerse en “Mosh Pit” y publicitar de nuevo, y bien que hacen, su bar del mismo nombre del que se conmemoraba el tercer aniversario. Es un corte además que parece conectar con su parroquia y es que, diría un clásico, “el amor tiene razones que la razón no entiende”. Siguiendo con cortes propios, fue “From The Depths” la que daría con los huesos de Nico Suárez abajo del pequeño escenario si bien “T.A.” la que de verdad lograría implicar a un público, de todos modos, muy por la labor.
Regresando al terreno de las versiones y con un Heketor Lorenzo desatado al micro, deslizaron de nuevo “Madhouse” de Anthrax para algarabía de una audiencia que tampoco quiso dejarse nada en el tintero. Era mucha la fiesta y no poco el calor que transpiraban ya las paredes del Bola 8. Con el corte que les da nombre parecía que todo llegaba a su fin la banda aún alcanzaría interpretar un “Phobia” original de unos tal Kreator que ni siquiera aparecía en el setlist, dando ahora sí por finiquitado el show. O no, porque faltaba la particular oda del cuarteto al “néctar de dioses” que es “Beer’s Fan Song” para, ahora sí, echar el cierre a una más que calurosa, entretenida y diversa noche de thrash metal a las finas hierbas. Queda pendiente una visita al Mosh Pit. Palabra de Brigadiers.
El thrash bulle y ahí está Heavy Metal Brigade para contarlo. Tres formas muy distintas de entender el género y un público de lo más heterogéneo que se lo pasó en grande. Y si bien el Bola 8 puede ser un local con ciertas limitaciones, en particular en lo que a luces se refiere y dicho sea sin ánimo de leerle la cartilla a nadie, lo cierto es que el sonido del que pudimos gozar en la jornada del sábado jamás alcanzó a ser catastrófico. Ni mucho menos.
Vaya desde aquí y como siempre un abrazo a los buenos amigos con los que nos volvimos a cruzar. Puede que no seáis conscientes pero vosotros también hacéis Heavy Metal Brigade. Nos vemos en el siguiente.
Texto: David Naves
Fotos: José Ángel Muñiz
Por sorpresa, casi diría por asalto, pero ya tenemos aquí lo nuevo del combo progresivo de temática lovecraftiana Back To R’lyeh. O lo que es lo mismo: Alberto Martín Pérez (batería de sesión), Pablo Sánchez (bajo), Manuel Novoa, Adrián Hernández y Juan Manuel Fernández (guitarras), Jesús Lanzarote (voces y teclados) y Víctor Duro (voz). “The Break”, que así se llama el Ep de cuatro temas que hoy nos traen, fue grabado, mezclado y finalmente masterizado por Víctor Saiz de California Studios. Con diseño de @naran.arte, se puede encontrar en su bandcamp así como en las distintas plataformas de streaming desde el veinte de marzo.
El primer contacto con este nuevo Ep se produce a través del piano que habrá de introducir “The Dream”. Composición multiacapa, muy propia de la banda, y que en su aire casi teatral vendrá a recordarme a lo más nuevo de los castellonenses Dry River. Destaca sobremanera la buena labor de Víctor Saiz y la forma en que ha sabido amalgamar todas las capas presentes en una mezcla final digna del más fino de los orfebres. Teclas mediante, la banda no abandona esa pulsión casi escénica de su prog/avantgarde, inundándose de tonos que se mezclan sin agitarse hasta confluir en el iracundo epílogo. Que aún en su mayor gravedad y por pura asociación fácil me lleva a pensar en King Crimson pero también en Frank Zappa e incluso en el Captain Beefheart. Ni siquiera ahí la banda pierde el foco y me parece admirable.
“The Voices”, a la sazón encargada de presentar este Ep en sociedad, prosigue con las mismas líneas maestras del arranque, imbricadas ahora de unas líneas de voz que aquí y allá me vendrán a recordar a los siempre interesantes noruegos Major Parkinson. Sea como fuere, Back To R’lyeh no abandonan aquí esa senda más tocona, si bien emergen ahora imbuidos de un espíritu más oscuro y retorcido. Con detalles camino del puente que bien podrían retraer hasta los Opeth más postreros, al final las raíces de unos y otros tampoco son tan distantes, termina por conglomerar un corte llamativo, poderoso y eficaz.
Si apenas hay líneas de voz dentro de “The Break” que se atengan a grandes convencionalismos, puede que sean las del tema que titula al Ep las más atrevidas de todo el Ep. No ya por el llamativo juego armónico entre tonos sino también por las curiosísimas estrofas que la banda ha construido para este tercer corte. Su trabajo melódico, en cambio, resulta un tanto más convencional. Dentro de lo que cabe tratándose de una banda como ésta, claro está. Es precisamente en ese cuidado contraste donde emerge una de las grandes ofertas de este nuevo Ep, escenificado de la mejor forma posible en ese casi demente epílogo.
“The Ritual”, particularmente en lo que concierte a su prólogo, quizá no resulte tan avanzada. O el oído se ha ido acostumbrado a su particular demencia. En cualquier caso vuelve a llamar la atención el estupendo sonido que Saiz le ha sacado a estos temas. Que de nuevo percute con ese doble juego vocal, apoyado no obstante en toda una amalgama de teclas que no podrían resultar más clásicas. O vintage como dicen ahora. De igual forma me engancha el poso más melancólico que portan los estribillos, a la par que me pasman en cada escucha esos coros en crescendo invocando a Chtulhu o me sorprenden los riffs más terrenales del puente central. Un puente central del que emana un palpito tenso, acechante, que evoca como nadie a la criatura. Raise your voice for our God!
“The Break”, que la banda pretende sea el primero de una serie de próximos Ep’s, parece en constante diálogo consigo mismo, construyendo una curiosa tetralogía de cortes capaces de fundir el progresivo más clásico y seminal con unos trazos en constante movimiento y unas líneas de voz, también unas líricas, de ningún modo conformistas o descuidadas. Atiborrado de detalles, responde a aquél viejo tópico que asegura serán necesarias varias y concienzudas escuchas para ser capaz de desentrañar todos sus misterios. La primera piedra está puesta, ahora somos todo orejas con respecto a lo que esté por venir de parte de una banda tan peculiar y a la vez tan necesaria como lo es Back To R’lyeh.
Texto: David Naves
Al borde de su décimo aniversario como banda nos llega nuevo material de los asturianos SoundCrush. A saber: David Vega (Teksuo), Ales Sánchez (Brutalfly, Narwhale), Iván y Luis Sánchez (Ariadne, Arson, Ochobre … ). “Beyond Olympus Pt.1”, el Ep que hoy nos presentan, ha venido al mundo en los estudios de Diego Teksuo en Laviana y habrá de verse completado con una segunda entrega ya con vistas a 2024.
En sus propias palabras, el trabajo plantea “un recorrido profundo y filosófico sobre la idea del ser humano y su papel en el universo, teniendo como eje central la dualidad entre el pasado (visto desde la perspectiva de la mitología griega) y el estado actual de la sociedad”.
Ni introducciones pomposas ni zarandajas artificiales de ningún tipo. “Alpha” arremete desde un primer instante con un metal cortado a cuchillo, pesado aunque directo, ágil y a la vez rocoso, contemporáneo y a la vez con cierto pulso clásico. Un arranque que a chispazos parece celebrar a Pantera, con el doble bombo haciéndose fuerte mientras conduce hacia el mayor reposo que reproduce su estribillo. Sabiendo del lugar donde se grabó el Ep, no sorprende que sea precisamente a Teksuo a quien recuerda el citado coro. Hay buenos detalles melódicos aquí y allá. Y aunque no sea cien por cien el tipo de metal que suelo escuchar, la verdad siempre por delante, me agrada, por curiosa, la apaciguada sección solista que ocupa el puente central y la forma en que se contorsiona en su parte final. Un gran arranque.
“Beyond Olympus” arrastra un pulso más directo. Su línea vocal adquiere ahora una gravedad más pronunciada, también una mayor diversidad. Distintos tonos agrios y el obligado contraste con los registros más limpios juegan a entenderse sobre alguno de mis riffs favoritos de todo el Ep. Sean o no intencionados, hay ciertos giros en cuanto a la construcción de voces que me recuerdan al Devin Townsend más postrero. Y si bien echo en falta un solo que termine por redondear la composición a la manera de “Alpha”, bien está ese poderoso breakdown que precede al nervioso epílogo.
“Manifest” parece querer encapsular el legado de los Gojira más calmos y atmosféricos a través de un prólogo, cuanto menos, llamativo. Es el corte más estirado de los cuatro y por ahí SoundCrush parecen haberse tomado el debido tiempo a la hora de construir cada riff, trazar cada línea de voz, pensar cada golpe de caja, cara a construir su buque insignia. Son apenas cinco minutos, después de todo, pero aquí se cita mucho del ideario que la banda maneja a día de hoy. Cuidada línea de bajo en esas partes más densas y atmosféricas, firme doble bombo en las más trotonas y estupendos riffs enlazando ambas vertientes de este manifiesto.
“Primal Flame” es el corte más escueto de todo el Ep y por ahí uno entiende enseguida ese pulso más vibrante que arrastra. SoundCrush lo confrontan a un trazo ambivalente, especialmente en lo tocante a voces, trazadas con mimo y buen gusto. Arrastra buenos riffs y mejores melodías sobre ellos. También uno de esos solos que saben funcionar a favor de la composición a la que acompañan y no en beneficio del ego de cada cual. Más que correcta, se me queda algo coja por duración.
SoundCrush está de vuelta y en la primera parte de su “Beyond Olympus…” parecen tener bien claras sus intenciones. Metal de nuevo cuño que vive de picotear, sin plagiar, un amplio ideario que igual acoge una gran diversidad vocal o riffs más que notables sobre un trazo siempre llamativo por cuidado. Apenas diecisiete minutos de música pero un buen recordatorio de que la banda sigue viva y coleando. A la espera ya de la segunda parte que ratifique los aciertos de esta primera.
Texto: David Naves
La tercera edición del festival Rock Imperium que tendrá lugar en Cartagena los días 19, 20, 21 y 22 de junio de 2024 desvela una nueva batería de confirmaciones entre las que destaca Judas Priest como cabeza de cartel.
La leyenda británica encabeza una lista en la que destacan bandas internacionales como los norteamericanos Extreme, el virtuoso guitarrista Yngwie Malmsteen, la reina del metal Doro reviviendo la historia de Warlock, los veteranos Uriah Heep o la voz del rock Glenn Hughes reviviendo clásicos de su etapa en Deep Purple. No acaba aquí la espectacular batería batería de nombres, los sonidos progresivos siguen teniendo una cuota importante en el festival gracias al combo polaco Riverside o la reunión de la banda neerlandesa Textures. Metal sinfónico, hard rock, doom, stoner y thrash metal estarán presentes gracias a bandas de referencia como Xandria, The Darkness celebrando el 20º aniversario de «Permission To Land«, el omnipresente Ronnie Romero con su proyecto en solitario, Kadavar o Tankard sin olvidar agrupaciones de nuevo cuño destinadas a destacar como The Last Internationale, Phantom Excaliver flamantes vencedores de la Wacken Metal Battle, la banda femenina Lovebites, los black góticos italianos Shores Of Null, The Raven Age banda invitada en la última gira de Iron Maiden o los alternativos neerlandeses Blackbriar. La escena estatal continúa creciendo con la presencias de Tete Novoa presentando «Historias Que Cantar» su nuevo álbum como solista, los barceloneses Astray Valley, los thrashers de culto Holycide, la formación melódica local Hard Love, los paladines del metal más clásico Invicti y desde la propia Cartagena los góticos Archetype Of Disorder y los debutantes Lonely Fire. Un festival que va tomando una forma envidiable con varios conciertos exclusivos y que a falta de más cabezas de cartel promete volver a llenar Cartago Nova del mejor ambiente metalero. Entradas disponibles a través del siguiente enlace:
“Sorrow Turns To Dust” es el debut para Blood Fire Death de los melódicos vigueses Unchosen Ones. La banda, formada por Robert Martínez (bajo y arreglos), Christian Marco (teclados, sintetizadores), José Fernández (batería), Javier Calderón (voz) y Fran Romero (guitarra). Con Koldo Rivas encargándose de la grabación en los SMHQ Studios y José F. Tercero haciendo lo propio con la mezcla y el master, el álbum salió a la luz el pasado veintiuno de abril adornado por el arte de Abigail Fernández.
“Far Beyond The Thunderdome” evoca un páramo desolado que bien podría recordar al de la saga Mad Max. Y lo hace desde un metal melódico al que Unchosen Ones revisten con unas guitarras erigidas en émulo del Interceptor de Rockatansky. La línea de voz que traza Calderón aquí, con esa ligera melancolía impresa en estrofas, encaja como un guante. Y el solo, clásico por situación aunque algo justo por extensión, viene a redondear un inicio un tanto breve pero ideal a la hora de introducirnos en el tono de este “Sorrow Turns To Dust”.
Igualmente breve es una “The World Is Ours To Take” donde estallan los Unchosen Ones más decididamente melódicos. Queda claro con esa tenue desnudez de sus estrofas. Calderón está más vigoroso ahora y el estribillo, cuidadosamente armonizado con las guitarras de Romero, le funciona a los gallegos. La escasa duración del corte repercute en un solo un tanto timorato, lo que no quita para que el trabajo de Romero sea más que notable a lo largo y ancho de toda la composición. A buen seguro una fija en sus setlists.
“Infinite Gear” sorprende con un prólogo de corte marcial, al que acompañan unas afinaciones con un empaque más metálico, amén de un bajo con más presencia en la mezcla, y que vendrán a mostrar a la banda en su encarnación más endurecida. Muy ochenteros sin embargo los colchones de teclados que acompañan a Calderón, especialmente en estrofas, al tiempo que elegante y señorial el estribillo que la banda dibuja aquí. Destacan de igual forma la gama de arreglos que el quinteto introduce aquí, esos sintes de corte retrofuturista, tan en boga. Y finalmente el estupendo solo, ahora sí, de Romero. Estupenda.
Pese a su remansado prólogo al piano, en esa senda más poderosa una “Sorrow Turns To Dust”.En realidad el corte cabalga entre dos tierras: la más remansada de unas estrofas casi desnudas de guitarras y los estribillos más poderosos y recargados. Y entre medias, arreglos y orquestaciones con un poso más oscuro. Romero amenaza con un solo durante el puente, no obstante es Christian Marco tras el teclado quien acaba por tomar el mando de las operaciones. Breve, sencilla y muy funcional.
“The Accursed Moon”, intro de apenas minuto y medio y de corte tan épico como cinemático, nos conduce hasta una “Kill The Night” que pone en liza a los Unchosen Ones más pomposos y recargados. Fuerte carga arreglística la que adorna este sexto corte del álbum, con un riff de los que anidan en el subconsciente durante días. Tras un estribillo con todo el sabor del mejor metal melódico alemán, pienso especialmente en aquellos Edguy previos a que Tobias Sammet descubriera la gallina de los huevos de oro con Avantasia, todo opera a favor de obra para los vigueses. Y es que la banda parece echar el resto aquí. Cierto es que su andamiaje puede no ser para nada revolucionario pero las piezas dispuestas engranan a la perfección.
Sorprende “Too Late” con ese prólogo de pronto tan heavy, por momentos casi marcial, que trae al frente la cara más abiertamente metálica de los gallegos. En afinaciones, en el registro tan agudo de Calderón, en el doble bombo de Fernández en estribillos y con el broche que supone el reducido pero eficaz solo de Romero.
Así las cosas, “Shadow Dancer” habrá de retornar a terrenos más cercanos al hard. Sorprende, por tanto, la fuerte presencia de la que goza ahora el bajo de Robert Martínez. En cualquier caso, estos son los Unchosen Ones más amables. Armados con toda una serie de acomodos en cuanto a arreglos, riffs de sabor inequívocamente clásico y ese marcado aire a Dokken impregnando cada acorde.
Lejos de proseguir esa senda más melódica, “Ashen Wasteland” se acerca irremisiblemente al power a través de un fulgurante prólogo a puro riff cabalgante y doble bombo. Corte adrenalítico en el que no obstante los chicos parecen sentirse igualmente cómodos. De construcción más libre que el resto de entregas, que la hayas escuchado infinidad de veces antes no significa que no les funcione. En especial por la forma en que saca a relucir lo mejor de Unchosen Ones en lo que a ejecución se refiere.
En “The Call Of The Rain” sobreviven esas pulsiones más metálicas, entre medias de su acostumbrado hard/heavy clásico y melódico. Que a estas alturas del álbum quizá no me enganche como lo hacían los primeros cortes del álbum pero que con eso y con todo sigue contando con detalles de interés. En especial por parte de un Fran Romero que sabe extraer lo mejor de sus seis cuerdas. Tanto en solos como en las distintas melodías con las que acompaña la siempre armoniosa voz de Calderón.
La final “True Warrior” abraza una onda cercana a Axel Rudi Pell, navegando entre la balada y el medio tiempo, con un elegante crescendo en su parte central y que desemboca en un epílogo elegante, a ratos casi ceremonioso, que vendrá a ejercer de perfecto broche a este buen “Sorrow Turns To Dust”.
Unchosen Ones tienen motivos más que de sobra para estar contentos. Su primer álbum brilla desde un su indisimulado gusto por el metal de corte más melódico, para después elevarse y picotear de territorios más metálicos. No por nada bandas como Dream Evil o Beast In Black aparecen citadas entre sus influencias. Cierto que hay cortes a los que se les podría haber sacado algo más de jugo. Pienso especialmente en “Far Beyond The Thunderdome” pero en cualquier caso el disco sabe brillar cuando se lo propone. A la hora de escribir buenos temas, ahí están “Infinite Gear” o la estupenda dupla que componen “The Accursed Moon” y “Kill The Night” o el distinguido cierre con “True Warrior”. Tal y como reza cierto meme de internet: “bien trabayao”.
Texto: David Naves
HEAVY METAL BRIGADE 