Nuevo episodio de la serie de entrevistas por Edu Meier a rostros reconocibles de nuestra escena. En esta ocasión y continuando con la saga de fotógrafos asturianos el protagonista es Jorge López Novales, escritor, redactor para Diario De Un Metalhead y responsable del material gráfico en las últimas ediciones del concurso musical FestiAmas.
Edu: Así, para empezar. ¿Cómo empezaste a hacer fotografía de conciertos y qué te inspiró a especializarte en este género?
Jorge: Los heavys son muy dados a la militancia activa: fotógrafos, redactores, promotores… Hay algo que engancha y te va metiendo en el mundillo poco a poco. En mi caso, me gusta tanto retratar a alguien disfrutando en un escenario, como al público haciendo lo propio. Teniendo un carácter tímido (en serio), mi forma de relacionarme era hacer fotos. Aparte de que empecé a conocer gente normal con mis mismos gustos. No intentéis hablarme de futbol. A veces, se echa de menos ser un soldado raso en esto del metal. Disfrutar sin más de lo que suena, pero no creo que pudiera ya hacerlo.
No me considero fotógrafo. No me gusta considerarlo como un segundo trabajo; me daría una excesiva pereza. En su momento, no tuve más remedio que poner una marca de agua a mis fotos, y lo hice a regañadientes, cuando se empezaron a compartir fotos mías sin acreditar. También soy redactor, y en ocasiones combino las dos cosas. Al hacer fotos me resta cierta eficacia a la hora de escribir crónicas, al concentrarme sólo en lo que acontece en el escenario.
Pero vamos con la pregunta. A finales del año 2000 tenía cierto hábito de ir a conciertos. No de una manera muy regular, tampoco es que hubiera tantos conciertos en lo estrictamente heavy (o no era consciente de ello). En los años siguientes me decepcioné un poco con todo el asunto y dejé de moverme tanto. Digamos que he tenido algunos escarceos con la fotografía. Las primeras fotos que hice de un concierto, fueron en el concierto que hizo Avalanch en la Tizón en abril de 1999 (Gijón) en la presentación de su disco “Llanto De Un Héroe”. No fueron unas fotos al uso: apuntar y tirar de flash. Al revelarlas no quedaron tan mal. Supongo que esa cámara tuvo un mal final, porque no volví a utilizarla.
Mi primera cámara digital la compré en 2004 con mi primer sueldo. No era ninguna maravilla, pero algún concierto registré. Tendría que esperar a 2017, cuando fue la primera edición del Morgana Fest cuando compré una Canon 1300D de lo más básico animado por el bueno de Fredy Torres. Ahí empezó todo. Con perspectiva, lo podría llamar mi crisis de los cuarenta. Empecé a ir regularmente a conciertos. Tirando en automático era muy feliz, pero me procuraron unos años sin avances. De aquella, no tenía ni Facebook. Es más, la cuenta que utilizo ahora, es heredada de cuando mi mujer sacó su libro Olimpo del Metal. Origen, evolución y discografía del heavy metal en Asturias. 1980-2012, y que empezó a mover en 2014. Llegado el momento la renombre.
Empecé a trastear con las opciones manuales, consiguiendo alguna mejora. Trabajar con raw (con poca pérdida de calidad) era el paso lógico siguiente, y hacerlo con un mejor equipo también. Empecé a trastear con el brillo de las fotos, un poco con el color del propio visualizador de fotos. Y no sería hasta 2020 que empecé a trabajar seriamente con el Photoshop (todos tuvimos mucho tiempo). Nunca fui ordenado y soy incapaz de optimizar el uso de Lightroom. Es el momento en que empiezas a ver las costuras a la cámara y sabe qué puedes hacer con la luz que te ofrecen las salas. Recorrer salas a oscuras luego te ayuda a conseguir fotos más agradecidas en festivales y espacios más luminosos.
En 2019 empecé a trabajar en Diario de un Metalhead (Larry me hizo una oferta que no podía rechazar). Al principio quería salvar el metal, y las cosas me afectaban más. Era mucho más ingenuo que ahora. Ahora es evidente que no se puede salvar a todo el mundo; así que llega un momento en que uno debe escoger sus batallas; aparte de la agenda de cada uno. Ningún concierto es una pérdida de tiempo, es una excusa para avanzar. Y donde no llegue mi agenda estáis vosotros.
Ahora soy muy pesado con las redes sociales. Subo fotos sin parar, pero me obliga a trabajar editando fotos, la única manera de ver los defectos a gran tamaño. El feedback en las redes me ayuda a saber qué fotos tienen un poco más de repercusión. No ayuda mucho a mi “imagen” las famosas foto baños. Lo reconozco. Me divierte hacer ese tipo de fotos. Cuando deje de divertirme, en general, me quedaré en casa. Además, para mí forman parte del contexto, y tienen tanto valor como las que podría hacer de un escenario.
Edu: ¿Cuáles son los mayores desafíos que enfrentas al fotografiar conciertos, quitando los guardias de seguridad, y cómo los superas?
Jorge: Los fotógrafos buscan luz (el mayor desafío junto con el humo) y momentos únicos. ¿Otros desafíos? No llevarte a nadie por delante. Procuro ser educado en un foso, y mirar a los lados antes de moverme. Si todos se agrupan en el mismo extremo de un escenario, además de incómodo, es que están haciendo la misma foto. El público nunca es un desafío, por muy animado que esté un concierto. Nosotros somos el obstáculo que está en primera línea. ¿Guardias de seguridad? Si un concierto tiene alguna particularidad, se acuerda antes de un concierto. Son reglas sencillas.
Edu: ¿Hay algún concierto o artista en particular que haya dejado una marca en vuestro trabajo?
Jorge: Entre mis grandes influencias (suena demasiado pomposo) está Txen Yang y Maya C. Cañestro, unos todoterrenos de la fotografía. Saben exprimir la luz de cualquier sala sin perder un detalle. Ellos me dieron muy buenos consejos para avanzar. Incluso me han tenido que corregir sobre la marcha en algún concierto alguna barbaridad (agarrar un flash tapándolo mientras enfocaba o verme trastear con el visor de la cámara hasta quedarme con él en la mano). Luego está Iñigo Malvido, que sabe retratar como nadie las inclemencias de una sala o el devenir de un festival buscando el cuerpo a cuerpo con el público para conseguir la mejor foto. Y, por supuesto, Sergio Blanco, que apenas retoca sus fotos y sabe deificar cuando inmortaliza a los artistas. Puedes apreciar la grandeza en un gesto. También me gusta mirar perfiles de otros fotógrafos en redes sociales que han compartido noche conmigo en primera línea. Me gusta ver cómo afrontan lo mismos problemas que yo en salas oscuras o estudiar los planos por los que han optado. Si, hago espionaje industrial a José Ángel.
Edu: Finalmente. ¿Qué consejo daríais a aquellos que quisieran empezar a llevarse recuerdos en foto de los conciertos?
Jorge: No sé hasta qué punto son permisivas las salas, ahora, con las cámaras de gente no acreditada. Yo en su momento, nunca tuve un problema. No habría podido ni empezar. En cualquier marca un objetivo fijo de 50mm es lo más económico e interesante para empezar. Tirar siempre fotos en formato raw. Aunque no sepas trabajar correctamente con ellas, llegará un momento en que puedas hacerlo. Siempre es divertido editar fotos antiguas con un mínimo de calidad y que en aquel momento no había sabido ni por dónde empezar. Evitar flash en lo posible.
Edu: Gracias por compartir tu experiencia y conocimiento.
HMB: Mike Stamper, alter ego del multiinstrumentista asturiano Aitor G. editaba el 19 de enero “Emerge From Error” el tercer episodio de la saga del error que iniciara el año 2016 con “Ended By Error” y continuara al año siguiente con “Extended By Error”. Algo más de 5 años después ve la luz este nuevo episodio por lo que la pregunta parece obligada. ¿Es solamente un dato anecdótico o es el resultado de los plazos establecidos?
Mike: Lo primero: Hola a todos, y agradeceros a vosotros a título personal por hacerme este huequecito en vuestra siempre acogedora casa.
Os detallo sobre esto. Aquellos dos primeros discos se compusieron prácticamente en paralelo durante algunos años (empezando en 2012, más o menos), con lo que se cerraba un ciclo compositivo con ellos dos. Al cerrarse dicho ciclo, se me abría un nuevo horizonte partiendo desde cero, y es por ello que han pasado algunos años de más respecto a ese “Extended By Error” que se cerró en noviembre del 2017. Tiendo además a no forzar el proceso creativo en exceso, dejando que las ideas y las melodías fluyan cuando deben hacerlo y que la inspiración encuentre su hueco naturalmente. Aproveché asimismo este cambio de periodo para adaptar mi forma de enfocar el sonido e introducir nuevos medios y técnicas de grabación, lo que supuso un salto cualitativo en la producción desde esos dos discos hasta el actual.
Soy consciente de que habrían pasado menos años de no ser por la pandemia mundial, que supuso, aparte de lo evidente, un periodo de cierta inestabilidad en varios focos. Sin embargo, siempre estuvo claro el foco conceptual de este tercer trabajo, que venía por darle un cierre digno a esa «saga del Error» otorgándole redención al protagonista.
Es por ello que intento afrontar los plazos con total naturalidad, si bien tengo esa tendencia de componer en paralelo siempre, e intentar equilibrar los repartos de los temas entre los trabajos que paralelamente esté cocinando. Y cuando suelto el primero de esa pareja de trabajos, analizo qué ha funcionado mejor y qué no para rematar esos detalles en el siguiente. Pasó con los dos primeros, y sé que pasará con “el mellizo” de Emerge From Error, que tengo planificado para más adelante. En esta ocasión en particular, decidí otorgar a Emerge From Error una duración superior a la de anteriores trabajos con dos propósitos: compensar no haber podido sacar este trabajo antes y, a la vez, dejar más hueco para incluir en ese cuarto trabajo futuribles ideas que puedan surgir en este periodo que ahora se abre.
HMB: Siendo lo que se denomina una “one man band” es implícito el titánico trabajo que hay detrás de cada disco. Composición, grabación, diseño gráfico, edición de vídeo, quehaceres personales y laborales, tu banda actual Unexpectance o aportar las pistas de bajo al disco debut de Argion por poner un ejemplo. ¿Qué es lo más difícil a la hora de afrontar la creación de un nuevo disco?
Mike: Es un proceso gigantesco en el que te puedes llegar a sentir muy solo, y de hecho, en mi caso, lo estuve, 😊. Puede incluso desbordarte si no lo afrontas estructurándolo de forma escalonada y con las percepciones adecuadas. Y digo lo de las percepciones porque hay que vencer una serie de sesgos que suelen darse cuando afrontas estos procesos: bien un tremendo síndrome del impostor que puede autoinvalidarte totalmente y hacerte pensar que tus ideas no valen nada, o bien todo lo contrario, haciéndote creer que ese riff que tienes entre manos es el mejor riff del universo. Hay que intentar verse desde fuera, abrazar la objetividad y encontrar un equilibrio, reconociendo humildemente lo que te limita y bloquea cuanto antes, pues puede ser un muro en alguna fase del proceso. Y una vez desarrollas la costumbre de afrontar esta especie de duelo, es mucho más llevadero de lo que puede parecer.
Si bien, hay fases que son especialmente tediosas y poco atractivas, especialmente la de marketing y promoción, que, además, en estos tiempos, es terriblemente ingrata en cuanto al potencial alcance y visibilidad que puedes tener como artista underground y con un nicho musical tan específico. Tiene una parte muy buena, que es la gente a la que descubres o que te descubre gracias a ello.
La elaboración de materiales gráficos, sean imágenes o vídeos, me es realmente grata, y suelo ponerle mucho foco cuando ya tengo casi cerrada la parte estrictamente musical. Me parece muy importante este punto hoy día, y es parte del marketing anteriormente mencionado, porque actualmente define en gran parte la percepción que puede tenerse de un artista desde fuera. Si bien, debe siempre ir acorde y coherente con la música que hay detrás. Vemos a menudo desproporciones en este aspecto dejando la peor parte para la música, y eso es algo que en mi opinión no debería suceder jamás. Si en un proyecto musical se está más pendiente de selfies o de hacer constantes brindis al sol que de intentar hacer buena música, es que algo está yendo terriblemente mal. Todo debe estar al servicio de la música y nunca al revés.
La creación musical en sí es de largo lo mejor y lo más satisfactorio del proceso. Tanto composición como grabación. Muy costosa en cuanto a tiempo, que te requiere muchísimo, pero es un tiempo que agradeces dedicar y en el que te mueve la ilusión de alcanzar algún día el resultado final. Cuando llegas finalmente a ese punto experimentas una gran satisfacción de haber conseguido llevar las ideas al punto que querías. Además, desde que ves nacer una idea hasta que se ve plasmada en un tema, pueden llegar a pasar muchos años, y eso implica una evolución. Una idea puede ser una simple melodía que se te ocurrió en el momento menos oportuno, mientras hacías la compra, mientras trabajabas… y puede quedarse almacenada en un audio cantado en tu móvil hasta que un día lo desempolvas para desarrollarla. Hay ideas que recuerdas sin necesidad de almacenarlas, y te mueve el ansia de crear algo con ellas.
Por poneros un ejemplo de este tipo de ideas, hay un par de temas de Emerge From Error cuyas melodías llevaban rondándome la cabeza unos años. Surgieron en 2015/16, y supe en el instante que eran ideas que podrían destacar frente al resto. Hubo intentos de desarrollo que no terminaron de convencerme, y esa dificultad hizo que apuntasen más hacia el cuarto disco que hacia este tercero. Sin embargo, este año, en un momento bastante casual, conseguí resolver ambos puzles e incorporarlas a “Emerge From Error”. Son “Winterpark” y “Song Of Empowerment”. Así funcionan las cosas con la creatividad, y por ello digo de no forzarla en exceso. Me habría arrepentido de no haberlas metido en el disco, porque son quizá dos de los temas más importantes que compuse en mi vida.
HMB: Recordemos al lector que la trilogía de error son discos conceptuales instrumentales sobre los errores, las consecuencias, su confrontación y finalmente redención. Ante la ausencia de letras que nos sirvan de hilo conductor, ¿de qué recursos te sirves para tener al oyente enganchado al disco?
Mike: Aun siendo plenamente consciente de la dificultad de moldear una historia desde lo puramente musical ante esa ausencia de letras, hay una pretensión de que la música vaya íntimamente relacionada con la evolución conceptual del disco. En este último trabajo, “Emerge From Error”, la progresión de las emociones por las que pasa el protagonista tiene una traducción musical que se aprecia principalmente en que existe una dureza y cierta maldad en los primeros temas que va progresivamente deshaciéndose a medida que el disco avanza, en pro de abrazar cada vez más el lado melódico y esperanzador de su cierre. La música y los arreglos contribuyen importantemente a promover este entendimiento. Por su lado, los títulos de las canciones también tienen cierto juego sutil con aquello a lo que el tema pretende enfocar conceptualmente, manteniendo además ciertas analogías con terminología que proviene del mundo informático.
Sin embargo, todos sabemos que independientemente de la historia o mensaje que un álbum quiera transmitir, el oyente tiende a llevar los temas a su terreno y aplicarlos a sus circunstancias personales. Al menos, practiqué ese ejercicio toda mi vida con mis álbumes favoritos, porque, al final, las canciones nos evocan emociones y apelan a sensaciones muy específicas o recuerdos que alguna vez vivimos. Mis álbumes están enfocados también a eso, a que cada cual encuentre su interpretación personal más allá de la “línea argumental oficial”.
En respuesta también a esos recursos para mantener al oyente enganchado, podría decir que, en general, los temas pretenden mantener cierta variedad estructural desde lo musical para fomentar que la experiencia de escuchar el disco sea grata y nunca aburrida, y que al mismo tiempo se perciban como coherentes entre sí e hijos del mismo padre. Esa variedad surge de forma natural y no condiciona la composición por intentar buscarla, con lo que el orden en que se presentan los temas en el disco termina siendo el factor decisivo para garantizar esa escucha progresiva que puede engancharte. Le doy mucha vuelta al orden de las canciones con este fin, porque puede marcar muchísimo la diferencia entre un disco que te aburre o uno que te atrapa.
HMB: “Dominion Of Error” y “Winterpark” fueron los singles de adelanto. ¿Qué querías transmitir de cada uno como presentación del disco?
La intención fue la de mostrar dos de las diferentes caras que podía ofrecer este álbum. Fue una elección difícil, pues todos los temas tienen un significado detrás de interés, y a su vez, muchos podrían haber sido candidatos para single. Estos dos mantenían dos facetas interesantes, que a su vez van consecutivas en el álbum final, motivo por el que me resultó interesante elegirlos y presentarlos en dicho orden.
“Dominion Of Error” refleja un aura maléfica, la que conlleva bajar allá donde el Error se extiende y confrontar sus causas en su propio terreno, donde su poderoso influjo puede volver a volcar al protagonista con más fuerza. Pero nuestro protagonista está convencido de que debe someterle de una vez por todas, y nada le parará los pies.
“Winterpark” representa el recuerdo del hogar, entendiendo este como el lugar donde el protagonista tiene su corazón, donde puede volver a ser él mismo, y que le otorga esa fuerza que le mueve a seguir luchando. Todo héroe debe volver a casa cuando vence a su mal particular, con la satisfacción del éxito en su gesta y con el consecuente aprendizaje que ello conlleva. Que se titule así no es casualidad, pues hace referencia a uno de los lugares más significativos para mí, que es el Parque de Invierno de Oviedo.
HMB: Devin Townsend afirma que necesita vivir una experiencia para poder componer música sobre ella. ¿Existe alguna similitud con tu forma de crear música? ¿Has sufrido en tus propias carnes los errores en los que basas tu obra o de donde tomaste la inspiración para crearla?
Mike: Tengo que darle la razón al bueno de Devin, al que coincide que admiro profundamente como artista. El hilo conductor conceptual sobre el Error y que materializó estos discos tiene su base en una serie de sucesos que viví. Asimismo, esas historias sirvieron de inspiración para componer la gran mayoría de mi música desde que mi proyecto se volvió instrumental en estos tres álbumes. Tuve que aferrarme momentáneamente a viejas emociones para poder llevar adelante lo que pretendía expresar con algunos temas. Lo viví asimismo como un ejercicio de autoterapia con el que intentar comprenderlas mejor, y con ello lograr entenderme mejor a mí mismo y desarrollar cierta autocompasión, por lo que fue doblemente enriquecedor. Podría decirse que evolucioné junto con estos temas. ¿Por qué no hacer unos discos sobre el proceso completo de los errores mientras tú mismo te vas entendiendo y redimiendo?
HMB: Han pasado 14 años de la ópera prima como Mike Stamper, tiempo en el que además has formado parte de distintas bandas de diversos estilos musicales como Unexpectance, Gajes Del Oficio, Black Devil, Preventive Suicide, No Sense Within… Con el amplio espectro de sonidos que ofrece “Emerge From Error”. ¿Cuánto de esas bandas está presente en el disco?
Mike: Diría que muchísimo. Son bandas totalmente diferentes entre sí y, gracias a esa diversidad, cada cual me aportó un aprendizaje musical con un foco específico en diferentes formas de hacer y de ver la música. Todas ellas, entremezcladas, dieron lugar a este disco (y, de igual manera, a los anteriores). Lo aprendido con esas bandas trazó el camino que me trajo hasta este punto. Y en cierto modo, el trabajo aquí desarrollado también se reflejará en esas y otras bandas (ahora mismo, en Unexpectance y en otros proyectos venideros).
HMB: Has publicado este trabajo bajo tu propio sello discográfico Stampcore Records y grabado de nuevo en tu propio estudio. Una gran carta de presentación para editar material fuera de la marca Mike Stamper. ¿Has realizado ya o tenido alguna oferta para editar material de otros músicos o bandas?
Mike: Mi idea de retomar mi sello no solo es la de publicar mis propios trabajos de forma independiente de ahora en adelante, sino también la de otorgar apoyo a proyectos amigos en todos los aspectos en los que buenamente pueda hacerlo (promoción, diseños de cartelería, producción… etc). En el pasado, realicé trabajos de producción para varias bandas asturianas entre 2009 y 2014, como por ejemplo, la ya extinta Between The Lines, a quienes produje su primer EP, o Archaeopteryx Ultraavantgarda, a quienes también produje su primer LP y apoyé posteriormente para unas fechas en directo como bajista. Por aquel entonces, tuve que cesar esos servicios por falta de tiempo, pero mi idea es retomarlo a una escala más llevadera. Ya he iniciado algunas conversaciones para proporcionar apoyo a algunos artistas underground cercanos de proyectos bastante similares al mío.
HMB: ¿Te planteas realizar una presentación en directo de “Emerge From Error” o actualmente no lo ves viable?
Mike: No os voy a negar que me encantaría poder llevarlo a cabo algún día. Esta pregunta es recurrente con estos discos y siempre vengo a decir lo mismo. Me encantaría, pero no lo veo viable como tal porque sé que tendría una buena cantidad de dificultades logísticas que procedo a detallaros. Por un lado, utilizo guitarras en muy diferentes afinaciones para los temas, que bien es cierto que esto es simplificable a día de hoy llevando un único instrumento por músico y una pieza de hardware que transponga la afinación para cada tema (algo que, por ejemplo, hacemos Unexpectance en nuestros directos). Asimismo, habría que tirar de bastante apoyo de samples de refuerzo para no terminar montando una banda con cuatro guitarristas, al haber tantas melodías de guitarra simultáneas y complementarias (que esto también podría simplificarse). Si bien, tampoco tendría claro del todo con quién constituir la banda principal. Además, con las diferentes colaboraciones, habría que sincronizar muchas agendas, y eso si quieres ir muy por el libro.
En definitiva, un maravilloso lío. Pero sí, desde luego que fantaseo con poder llevarlo al directo alguna vez, e incluso tengo claro qué temas funcionarían mejor o serían más “llevables”. Ojalá fuera sencillo, de verdad. Sin embargo, realizar adaptaciones de mis temas para otros proyectos y con su particular punto de vista y contexto, es algo que, ya se hizo (si escucháis “Guerra Interior” de Unexpectance e “Innerwar (Out Of Bounds)” de mi álbum “Extended By Error” entenderéis a qué me refiero) y se seguirá haciendo, con lo que ese es mi consuelo.
HMB: ¿Y una edición física del álbum o la saga?
Mike: Existe edición física en CD de los dos discos anteriores. Se realizó una tirada muy limitada de la que quedan muy poquitos ejemplares. Con “Emerge From Error” será similar, y avisaré cuando estén disponibles. Siempre me gusta hacerla para aquella gente que quiera coleccionarlos o que aún usa el formato CD, que, aunque esté en decadencia por cómo funcionan las dinámicas digitales, considero que es muy importante que no desaparezca. Es la materialización tangible que demuestra que una obra musical existe.
HMB: Sería un lujazo ver esas colaboraciones en vivo. De nuevo has tirado de amigos y gente cercana como Cristian Iglesias, Dmitry Stalingrado, Nathan Cifuentes y Andrés García que repiten, lo que suponemos que hacen las cosas más fáciles. En Heavy Metal Brigade siempre nos gusta presumir del talento que alberga esta tierra nuestra y esta es una buena muestra. ¿Cómo definirías en una frase a cada uno en las colaboraciones?
Mike: Soy consciente también de que hay mucho talento en nuestra región con el que me encantaría poder contar, y con quienes me gustaría hablar para próximos trabajos. Suelo proponer colaboración a guitarristas que ya de antemano admiro, y poco a poco voy abriendo este abanico a nuevas colaboraciones.
Respecto a los colaboradores actuales, de Cristian diría que tiene un grandísimo gusto y finísima expresividad con todos los matices que tienen sus siempre melódicos solos. Estuvo muy cercano al proyecto estos años y fue conociendo y opinando sobre versiones primitivas de varios de los temas, y tuve siempre muchas ganas de que pudiera participar.
Nathan me parece ultra técnico, y con una soltura e influencias exquisitas. Se toma cada colaboración como un reto personal para probar sus maravillosas habilidades, y nunca decepciona, abordándolo con gran profesionalidad. Siempre se adapta increíblemente a los temas que le propongo y es muy gustoso trabajar con él.
Dmitry lleva varios años impresionándome por su gran velocidad y desenvoltura en diferentes contextos. Sus trabajos en Soldier y en Sound Of Silence ya me parecían increíbles y, como colofón, tuve placer de compartir escenario con él en Kirlo. Diría de él que es super veloz y frenético.
Andrés es ya un viejo amigo musical y siempre consideré que su trabajo era increíble. Al poco de conocernos intentamos formar una banda juntos con unos temas que él compuso para la que no llegamos a completar formación, y siempre lamenté no haberlo conseguido. Mi consuelo de querer trabajar junto a él se materializa en sus magníficas colaboraciones. Está presente en mis tres discos y me encantaría seguir poder contando con él en los siguientes. Diré de él que sabe darle a los temas el remate perfecto con sus épicas melodías así como con su impoluta ejecución.
HMB: Tal y como comenta David Naves en el análisis que ha realizado del disco, este alberga una variedad sonora de los más variopinta, recordando en varios pasajes a bandas como Cynic, TesseracT, Meshuggah, Vildhjarta, Leprous o los andorranos Persefone. ¿Qué escuchas actualmente y qué banda recomendarías a los que han disfrutado con “Emerge From Error”?
Mike: Últimamente, el tiempo que tuve para descubrir nueva música lo enfoqué en artistas generalmente instrumentales, tanto de rock como de metal, con influencias muy variadas. Artistas como Haunted Shores, Mendel, Shades Of Black, Polyphia, Ola Englund, Nick Johnston, Plini, Unprocessed, Andy James, Keith Merrow… por citar unos cuantos, pero hay muchos más. Fuera de ese ámbito, terrenos más progresivos con Meshuggah, TesseracT, Periphery, Devin TownsendProject, Ihsahn… Tambien tengo la cabeza también metida en bandas deathcore o groove como Jinjer, Whitechapel, Thy Art Is Murder, Shadow Of Intent o Lorna Shore, por poner más ejemplos. Ando escuchando música diversa de manera un tanto desordenada para intentar pillar influencias que me gusten desde varios frentes. De todo ese mejunje, algo de eso se queda bailando por el subconsciente al ponerme a componer. Muy recomendables todas ellas en su estilo.
HMB: Tenemos por costumbre que la despedida corra a cargo del protagonista de la entrevista. Por nuestra parte agradecerte enormemente la confianza puesta en Heavy Metal Brigade para la difusión de tu trabajo y esfuerzo, además de felicitarte por un fantástico disco. Las últimas palabras corren a tu cargo.
Mike: Me queda daros las gracias de nuevo por vuestro tiempo y por vuestro constante apoyo a proyectos como el mío, y, desde aquí, invitar a todos aquellos amantes de la música instrumental y del metal a que le den una oportunidad a “Emerge From Error”. Fue construido con mucho mimo y pensado para ofrecer épicos y muy intensos momentos musicales. Prometo que no os defraudará ni os aburrirá, 😊
Nueva entrega de las entrevistas de Edu Meier a reconocidos fotógrafos de nuestra escena. En esta ocasión barre para casa pues el protagonista es José Ángel Muñiz, actual responsable de este webzine y que el viernes 2 de febrero realizará su primera exposición de fotos en el Teatro El Llar de Corvera en una de las actividades complementarias del primer festival Monorock.
Edu: Estamos aquí de nuevo con los fotógrafos que están presentando la exposición que se realizará coincidiendo con el estreno del festival Monorock, así que para empezar. ¿Cómo empezaste a hacer fotografía de conciertos y qué te inspiró a especializarte en este género?
José: Lo primero muchísimas gracias por tu impagable trabajo para H.M.B. y segundo por calificar de fotógrafo a este simple aprendiz. Y contestando a tu pregunta, comencé hace relativamente poco tiempo en esto de la fotografía musical, apenas 2 años. Originalmente yo era el encargado de grabar en vídeo durante los conciertos para nuestras habituales vídeo crónicas y tras la falta de Belén, encargada de la fotografía, la cámara se había quedado aparcada. Así que animado por Carlos Torío, compañero de trabajo y gran fotógrafo deportivo, y principalmente para evitar el deterioro por no usar el material de Belén me decidí a empezar a disparar alguna foto y así ilustrar las crónicas de David Naves para la web. Ahí empezaron mis primeros pasos en este mundillo, no soy un especialista, para nada, pero cuando cubres más de 100 conciertos al año pues algo de soltura vas pillando jajajaja.
Edu: ¿Cuáles son los mayores desafíos que enfrentáis al fotografiar conciertos, quitando los guardias de seguridad, y cómo los superáis?
José: Pues como bien comentaba Felipe en la anterior entrevista, los guardias de seguridad suelen estar a lo suyo y no he tenido problemas con ellos. Bueno si acaso cuando he intentado colarme en algún foso sin la debida acreditación, pero nada trágico, siempre muy educadamente me han puesto en mi sitio jajajaja. Desafíos, pues intentar sacar algo decente en las condiciones que ofrece cada recinto. Por el tipo de eventos en los que se mueve H.M.B. en ocasiones puntuales las cosas son muy complicadas, entonces pido permiso para flashear a los protagonistas.
Edu: ¿Hay algún concierto o artista en particular que haya dejado una marca en tu trabajo?
José: Pues un concierto muy especial para mí fue el de Iron Maiden en el festival alemán WackenOpen Air del pasado año. Era uno de los objetivos que teníamos Belén y yo, ir al menos una vez y lamentablemente no pudo ser. Gracias a un verdadero crack de la fotografía como Sergio Blanco y la revista This Is Rock pude acudir el agosto pasado y durante la actuación de la doncella pues afloraron muchos sentimientos y algunas lágrimas. No pude resistirme a sacar una foto de ese momento.
Respecto a los artistas, el poder compartir foso con gente tan cercana y con tanto talento para la fotografía como Sergio Blanco, Nacho Asturias, Jorge Novales, Juan Sanz, José Antonio Fernández, Jaime García… es todo un lujo para un aprendiz como yo. Repasas su obra y te das cuenta la calidad que alberga Asturias.
Edu: Hablando de la exposición. ¿Cómo seleccionaste las fotos para exhibir y cuál es el mensaje que esperáis transmitir a través de ellas?
José: La verdad que fue muy difícil elegir 12 fotografías de artistas o bandas asturianas, no por la mejor calidad técnica de las mismas si no por que los conciertos para mí son mucho más que tirar las fotos y trabajo listo. Normalmente siempre me paro con DavidNaves a charlar con los protagonistas, con gente asidua a los bolos o simplemente con el que tengo al lado, que ocurre, que a veces te vuelves a casa con muchas más cosas en el zurrón que lo estrictamente musical o gráfico.
Edu: Finalmente, ¿Qué consejo darías a aquellos que quisieran empezar a llevarse recuerdos en foto de los conciertos?
José: Pues hoy día que con un móvil corriente ya te puedes llevar esos recuerdos a casa si se quieren adentrar en el mundo de la fotografía en serio simplemente les diría que tengan paciencia, la práctica ayuda un montón a mejorar. Lo digo por experiencia, disfruta, busca el momento, un gesto, una situación y no desesperes, la foto tiene que gustarte a ti. Solo compites contigo mismo, y verás como progresivamente vas venciendo tus límites.
Edu: Gracias por compartir tu experiencia y conocimientos. ¡Estoy deseando ver esa exposición!
José: Muchísimas gracias a ti Edu por tu trabajo. Espero verte en el Llar y tomarnos algo a nuestra salud y la de tod@s los amantes del rock y el metal en Asturias.
Nuevo episodio de la serie de entrevistas obra del infatigable Edu Meier a rostros reconocibles de nuestra escena. En esta ocasión el protagonista es Felipe Suárez Mera, máximo responsable del webzine Keep The Flame y poseedor de una de las trayectorias como fotógrafo musical más longevas en la región. El próximo 2 de febrero expondrá una selección de sus espectaculares disparos en el Teatro El Llar de Corvera como parte de las actividades complementarias del primer festival Monorock.
Edu: Estamos aquí estrenando está nueva sección de Heavy Metal Brigade con los fotógrafos de la, hoy la llamo así, revista que están presentando la exposición que se realizará coincidiendo con el estreno del festival Monorock, así que para empezar. ¿Cómo empezaste a hacer fotografía de conciertos y qué te inspiró a especializarte en este género?
Felipe: ¡Buenas Edu! Lo primero de todo quisiera felicitar a todo el equipo de Heavy Metal Brigade por su trabajo, es un lujo tener compañeros que aman tanto y tan bien la música en general y el metal en particular. Es un placer hablar contigo también, cambiando roles después de tantos años… jejeje
Sobre tu pregunta, yo empecé a hacer fotos de conciertos de manera natural. En mi casa siempre hubo cámaras de fotos, ya fuera analógicas o digitales. Cuando yo tenía unos 14-15 años tenía una pequeña cámara compacta Nikon y literalmente hacía fotos a todo lo que hacía, más o menos como cualquier adolescente hoy en día con su móvil. Así que como los conciertos empezaban a ser parte importante de mi vida, pues fue un paso lógico cuando animado por mis padres comencé a iniciarme en la fotografía.
También te digo que yo no me considero un especialista de fotografía de conciertos, ya que hago y he hecho fotografía de moda, eventos, deportes, viajes, retratos, naturaleza… Pero sí es verdad que unir dos pasiones como son la música y la fotografía, hace que sea el camino a seguir para mí.
Edu: ¿Cuáles son los mayores desafíos que enfrentáis al fotografiar conciertos, quitando los guardias de seguridad, y cómo los superáis?
Felipe: Es una pregunta curiosa esta. Lo cierto es que nunca he tenido ningún tipo de problema con l@s trabajador@s de seguridad, en el 99% de los casos las personas que trabajan en seguridad en festivales y conciertos suelen ser profesionales muy capacitados y curtidos, que te tratan con respeto y con quienes puedes entablar una charla muy interesante si el evento lo permite.
Realmente le mayor desafío para mi es tratar de molestar lo menos posible al público. En los grandes eventos no hay problemas porque hay un foso y 2-3 temas para poder hacer fotos y listo, pero en salas pequeñas te tienes que meter delante de todo el mundo, impedir su visión… si empatizas un poco es difícil no sentirse mal por ello, así que trato de hacer mi labor lo más rápido posible para que todos podamos disfrutar de la música en directo.
Edu: ¿Hay algún concierto o artista en particular que haya dejado una marca en vuestro trabajo?
Felipe: Si hablamos de fotógrafos, yo soy de referentes cercanos. A nivel de conciertos siempre diré que el camino a seguir es Sergio Blanco. Si os fijáis en sus fotos no hay trampa ni cartón, son todas pura actitud, puro rock & roll… tan natural que hace parecer sencilla la técnica fotográfica para alcanzar esos resultados.
En cuanto a fotografía promocional, ahí la maestra para mí es Nat Enemede. Me encantaría ser capaz de dominar la luz y la edición como ella hace, con un ojo increíble y un gusto exquisito para sus proyectos. Si tuviera un grupo de metal, sería mi fotógrafa de cabecera. Y a nivel musical, si hay un artista que ha marcado mi trabajo fotográfico es mi querido Pablo Valdés. Llevo más de quince años haciéndole fotos en directo y para sus discos y a la par que puedes disfrutar de su evolución musical a través de los años, puedes ver la mía fotográficamente hablando.
Edu: Hablando de la exposición. ¿Cómo seleccionaste las fotos para exhibir y cuál es el mensaje que esperáis transmitir a través de ellas?
Felipe: En este caso la verdad es que fue sencillo. Desde la Asociación Monorock me pidieron doce fotos del 2023 en Asturies. Así que lo que hice fue preparar un pequeño resumen de lo vivido durante el año pasado, con especial foco en el Rockvera Fest. Si algo me gustaría transmitir con mis fotografías, es que en Asturies se hacen muchas cosas a lo largo del año y muy buenas. Y hablo tanto de grupos, como de salas, como de festivales… No valoramos lo afortunad@s que somos.
Edu: Finalmente, ¿Qué consejo darías a aquellos que quisieran empezar a llevarse recuerdos en foto de los conciertos?
Felipe: Que se olvide de los “likes” y demás tonterías de las redes sociales, pues a veces nos sorben el cerebro y nos anulan la creatividad. Y sobretodo, que vaya a conciertos que le gusten, no hay nada peor que ver a fotógraf@s poniendo cara de horror porque se han acreditado a un concierto de metal extremo y realmente lo más duro que escuchan es a Carlos Tarque. Hay muchos estilos musicales y todos tienen su toque fotográfico.
Edu: Gracias por compartir tu experiencia y conocimientos. ¡Estoy deseando ver esa exposición!
Felipe: Gracias a todo Heavy Metal Brigade por vuestra tan necesaria labor. ¡Nos vemos en los conciertos!
Nota: Todas las fotos de esta entrevista son obra de Felipe.
Nuevo episodio de la serie de entrevistas que Edu Meier realiza a rostros reconocibles de nuestra escena. En esta ocasión el protagonista es Dani Sevillano, productor musical en Ovni Estudio, técnico de sonido en directo de Warcry y Mala Reputación entre otros, guitarrista y compositor en Darna, Lazarus y Kirlo al que agradecemos su paso por esta página y deseamos los mayores éxitos en este 2024 que comienza.
Edu: Hola Dani! Estoy haciendo una serie de entrevistas para Heavy Metal Brigade de gente de la música explicando cómo y por qué empezó en esto aunque de ti voy a abusar un poco más por lo que ha significado la gira latinoamericana de Warcry para la música española. Comencemos, ¿por qué empezaste a tocar la guitarra y por qué te dio por el metal?
Dani: Hola Edu, pues realmente empecé tocando la batería, me encantaba pero era complicado porque no tenia un sitio para poder practicar en condiciones , empecé a tontear con la guitarra cada vez más y al final me pasé totalmente.
Edu: ¿Cuando cerraste la etapa de Darna que te hizo pasar al lado obscuro de la mesa de mezclas?
Dani: Fue todo al mismo tiempo, cuando aparcamos Darna yo estaba arrancando con mi primer estudio, llevaba ya un par de años funcionando y para mi fue algo natural centrarme totalmente en la producción de manera profesional.
Edu: ¿Cuáles fueron el mejor y el día ese que salió raro en tu carrera musical?
Dani: Pues recuerdo un día muy muy malo con Darna, en un festival en la cubierta de Leganés. Era un desastre de organización, iba todo con mucho retraso y había un montón de grupos. Fue un caos, salimos a tocar como a las 6 de la mañana y salió todo al revés. Una locura. Y un dia que realmente recuerdo con mucha satisfacción fue la grabación de «Omega» con Warcry en el Palacio de Vistalegre en Madrid, con el pabellón lleno hasta arriba y la gente cantando todos los temas.
Edu: ¿Cómo haces para llevar a cabo tu vida personal y musical, sobre todo cuando esa «mala gente» de Warcry te separa de la familia jajajajaja?
Dani: No se lleva mal , con Warcry no son tandas muy largas, suelen ser 2 o 3 semanas cada vez y vuelta a casa. Entre viajes y conciertos el tiempo vuela y cuando te quieres dar cuenta estás de regreso. Para la familia es un poco mas duro porque el tiempo pasa mas lento… pero así es este trabajo.
Edu: Ahora ya serios…. ¿Cómo se ha vivido esa brutalidad de tener concierto, incluso, en dos países diferentes en menos de 24 horas de diferencia? Y… ¿Cómo lo vivisteis los de detrás de la barrera?
Dani: Pues para nosotros no es tan extraño, ya lo hemos hecho un montón de veces. Todo va muy apretado y con los vuelos internacionales que te obligan a estar en el aeropuerto con mucha antelación. A veces no estas ni 24 horas en una ciudad. Acabas el show y recoges corriendo para ir al aeropuerto porque al día siguiente estamos en otro país. Como te decía son tandas cortas pero muy apretadas de conciertos.
Edu: En general, me gustaría poder ser eco de toda la región y que coño, de todo el país y decir que lo que hicisteis ha sido la hostia. Muchas gracias señor Sevillano 😉
Nuevo episodio de la serie de entrevistas que Edu Meier realiza a rostros reconocibles de nuestra escena. En esta ocasión el protagonista es Chus Westhia, bajista en bandas como Asthma, Hysteria, Westhia, In-Sanity o Rock & Rockets. Siempre agradecidos por la aportación, Edu, Chus, adelante con el interrogatorio.
Edu: Hola Chus, fíjate que aprovecho una efeméride de la web para hacer muchas cosas, desde pedirte amistad, a hacerte una entrevista jajaja, además incluso cambiamos el contenido. Comencemos; ¿Cuál es la esencia de tu música y cómo crees que te han influido otras bandas del género?
Chus: Pues creo que la esencia de mi forma de tocar es transmitir emociones o sensaciones a través del rol rítmico de mi instrumento que es el bajo. Intento adaptarme a lo que cada canción me sugiere y darle «groove» al tema o contundencia según pida la canción, o tenga en mente el compositor del tema. Me gusta ese rol de actor secundario en la música, vestir y aportar a las canciones de los demás y sobre todo hacer equipo con el batería. Cuando consigues sonar engranado con el batería es orgásmico.
¡Las bandas del género? Pues obviamente me han influido en todo. Lógicamente Iron Maiden, Metallica, Helloween, Anthrax, Pantera, Black Sabbath etc. te influyen en como ves la música desde tu instrumento y según maduras vas incorporando cosas de otros estilos ajenos al metal. Intentar aprovechar esos recursos y traerlos a tu terreno forma parte de la evolución del músico y también es un reto para mi.
Edu: Cuéntanos sobre tu proceso creativo al componer canciones. ¿De dónde sacas inspiración para tus letras y melodías?
Chus: Como compositor compongo para mi en casa, sobre todo temas instrumentales hechos con capas de bajos fundamentalmente melodías, armonías, voces, etc. Ahí me influye mucho un estilo de música más cercano a “Two Steps From Hell” y cosas así que me molan un huevo. Algún día ordenare las cosas que tengo y las grabare un poco mas seriamente…. cuando sea mayor y tenga tiempo, imagino jajaja.
Como bajista en una banda sobre todo intento explotar mas el lado rítmico o «groove» de los temas. Me gusta el reto de intentar estar a la altura de los temas e intentar hacerlos crecer desde mi instrumento.
Edu: ¿Cómo te preparas para los conciertos en vivo? ¿Tienes alguna rutina o tradición antes de subir al escenario?
Chus: Pues la semana antes de un bolo suelo tocar todos los días una vuelta al repertorio y beberse unas cervezas con la banda antes de salir a tocar es una buena rutina siempre.
Edu: En tu opinión ¿Cuáles son los desafíos más grandes que enfrenta la comunidad del metal en la actualidad y cómo crees que se pueden superar?
Chus: Pufff para mi el punto flaco es que ya no hay la escuela underground que había en los ochenta y noventa. No había los equipos, medios, ni conocimientos que hay hoy pero si muchos bolos donde poder tocar, mucha colaboración entre bandas, muchos garitos que te permitían fogearte y que la gente te conociera. También habia muchos festivales autoproducidos con mucha colaboración entre bandas para sacarlos adelante con muy buen rollo, independientemente del género que tocara cada grupo. Y eso generaba mucha afición de gente por ir a los conciertos y de ahí a querer tocar en un grupo hay un paso. Había pocos medios, pocos conocimientos pero muchas ganas. Hoy no hay esa posibilidad de rodarse ante publico frecuentemente que tuvimos nosotros por la persecución vergonzosa que se ha hecho a la música en directo en Asturias en los últimos 20 años. Yo creo que eso también hace que no haya gente que se meta en el rollo de ir a conciertos y descubrir este mundo desde guajes y por tanto no haya relevo. Para superarlo tirar abajo esta censura a la música en directo me parece lo fundamental.
Edu: Como una persona que lleva ya una larga trayectoria en el género del metal. ¿Qué mensaje te gustaría transmitir a la gente que conoces del mundillo y a aquellos que aún no lo conocen?
Chus: Pues que esto es para toda la vida, te hace crecer como persona, conocer un huevo de gente y vivir un montón de experiencias inolvidables. Una vez que te pica este veneno es muy difícil dejarlo. A la gente del mundillo le diría que somos cuatro gatos y que a ver si remamos todos en la misma dirección y dejamos de lado mongoladas. Que a veces parecemos mas el Sálvame De Luxe que una comunidad underground.
Edu: ¿Qué papel crees que juega el metal en la sociedad actual? ¿Crees que hay estereotipos negativos asociados con este género musical? Si es así ¿Cómo crees que podemos enfrentarlos?
Chus: Para mi el metal es una catarsis , te desprendes de la violencia, la ira y la frustraciones de la vida diaria gritándola a los cuatro vientos. ¿Estereotipos? Todos los que te quieran poner pero… ¿A quien le importa?
Edu: ¿Cuáles son tus metas y ambiciones para el futuro? ¿Tienes algún proyecto especial en mente?
Chus: Seguir disfrutando, aprendiendo y viviendo todas las experiencias que pueda de este mundillo.
Edu: ¿Cómo describirías tu relación con la gente que asiste a un concierto vuestro?
Chus: Siempre positiva y ampliando la familia en cada concierto que vamos conociendo gente nueva.
Edu: Cuéntanos una experiencia memorable que hayas tenido en tu carrera y aquella que no fue tan bonita. ¿Cómo te han impactado esas experiencias?
Chus: Pues creo que la mejor experiencia a sido todo lo vivido con Westhia. Desde los barrigazos que dimos por el mundo peleando contra la adversidad, toda la gente que conocimos, que nos apoyo y nos siguió, la experiencia de grabar discos, de estar en festivales muy guapos y la aventura de ir por el mundo con los colegas todos a una y viendo como crecía la banda. La peor pues creo que fue la disolución del grupo cuando más lo estaba disfrutando y el aprendizaje que saque es que la vida es dura y disfruta el momento que nada es para siempre.
Edu: Finalmente ¿Qué consejo le darías a alguien que está empezando en el mundo de la música y del metal?
Chus: Paciencia, pásalo bien, disfruta del viaje, y no te mires mucho el ombligo que no trae nada bueno. Ah y nunca seas un peso muerto en un grupo. Respeta el esfuerzo de tus compañeros de banda, que el que no estorba ya ayuda bastante. Los mejores compañeros de banda no son los que mejor tocan si no los que menos dan por culo.
Muchísimas gracias Chus por dedicarnos estos minutos y Edu por tu grandísima aportación. Felices fiestas y que el próximo año sigamos disfrutando tod@s de la música que nos apasiona.
Con motivo del vigésimo aniversario de la publicación de «II«, el segundo disco de Darna recuperamos una entrevista realizada por nuestra añorada Belén Pardo para el webzine La Kripta allá por diciembre del 2002 a Ruth Suárez, voz la formación ovetense. Adornamos el documento con fotos del archivo personal de Belén de la actuación de la banda en la Sala Albéniz de Gijón en el año 2004.
Darna es un grupo asturiano que se abre camino en el mundo de la música a pasos de gigante. Hemos hablado de los orígenes y el futuro del grupo con Ruth, la voz carismática de Darna.
BELÉN: Aunque estaréis hartos de que os lo pregunten : ¿Cuáles son los orígenes de Darna?
RUTH: Darna surge en el año 98; tras romperse Presto, banda en la que estábamos por aquel entonces DaniSevillano y yo y tras haber probado por varias formaciones, opté por la opción de iniciar un proyecto para una banda que en realidad aún no existía y que fueron las primeras ideas y la base de lo que ahora es Darna como historia. Dani se incorporó a unos Warcry que estaban en vías de desaparecer a partir del momento en el que Víctor García se incorporaba a las filas de Avalanch, así que el batería Yugue y el bajista ÁlvaroJardón se animaron a formar parte de este nuevo proyecto que ya tenía nombre propio, Darna y que ya estaba cogiendo forma y en el que Dani ya se había involucrado. La última en incorporarse fue Silvia; casi de casualidad se juntó por un lado, el querer imprimir más fuerza al grupo con una segunda guitarra y el saber de Silvia como guitarrista y lo cierto es que en un par de días ya estábamos trabajando todos al 100%. Ahora contamos además, con Fonso, el nuevo bajista que forma parte de la banda desde antes del verano.
BELÉN: En alguna revista especializada os han clasificado como «heavy medieval» pero vuestro estilo se acerca más al power, ¿Qué estilo podría encuadrar a Darna?
RUTH: Incluirse uno mismo dentro de un estilo, es muy complicado. Por el momento a Darna le gustan bandas de corte más clásico y bandas en donde lo melódico tiene una parte muy importante, de todas formas, en este trabajo hemos dejado ver cuáles son las tendencias y gustos de cada uno de los componentes y de todo el conjunto.
BELÉN: ¿Darna ha encontrado su propio estilo?
RUTH: Creemos que sí; en este primer trabajo hemos intentado ofrecer un compendio de todo lo que nos gusta dentro de lo que es la música heavy con un punto común que es la historia de Darna y con un objetivo que es el hacer que en cada canción haya una relación entre lo que se dice y la música que se está tocando.
BELÉN: Habéis creado vuestro propio sello, La Bruja Producciones, con el que habéis editado vuestro primer trabajo. ¿Contáis con algún apoyo del exterior?
RUTH: Únicamente hemos delegado la labor de distribución en otra compañía pero el resto ha sido todo cosa de La Bruja Producciones en la que se encuentran algunos de los componentes de Darna.
BELÉN: ¿Qué grupos podrías poner en común si hubiera que hablar de las influencias de Darna?
RUTH: Sobre todo bandas clásicas como Rainbow, Deep Purple, Ynqwie Malmsteen y otras no tan clásicas que han sabido dar personalidad y mejoras técnicas y musicales al heavy metal actual.
BELÉN: Personalmente me niego a creer que en el género no existan mujeres capaces como lo sois vosotras, me pregunto si es difícil siendo mujer o es cuestión de autoconfianza.
RUTH: Tal vez sea un poco de todo. Hay seguramente muchas y muy buenas mujeres dentro del metal lo que pasa que sigue siendo un género algo machista, lo cual es curioso porque sobre todo en los últimos años se nos ha estado ofreciendo un gran número de cantantes con unos registros vocales propios de mujer. A una mujer (independientemente del instrumento que toque) se le exige mucho más, se la evalúa mucho más pero también es cierto que cuando gusta y sorprende, se nota.
BELÉN: Actualmente hay muchos grupos que optan por cohesionar los temas por medio de una historia secuencial, en vuestro caso ¿cuáles son los motivos, se podría considerar casi una afición literaria?
RUTH: La historia de Darna surgió como una manera de empezar a trabajar en un proyecto de forma continuada pero sí que es cierto, que el poder explicar situaciones o sentimientos de un modo elaborado, jugando con las palabras y con la imaginación tiene mucho que ver con lo que buenamente podría ser el desarrollo de una novela.
BELÉN: La calidad musical en Asturias siempre ha existido. Como parte integrante del panorama astur. ¿A qué crees que se debe la bonanza que vive la región en ese aspecto?
RUTH: Es curioso porque si precisamente hay una región en donde menos se apoye a cualquier estilo musical que no sea la música clásica, en donde no hay verdaderas academias de aprendizaje sobre técnicas y armonías modernas, en donde los músicos raramente pueden ofrecer conciertos para mostrar su trabajo, esa región es Asturias. Lo cierto es que no sé a qué se puede deber esa bonanza musical, pero me alegro de que a pesar de todo exista.
BELÉN: Cuando llegan a vuestras manos las críticas que os han ido haciendo, ¿os sentís satisfechos de haber transmitido la esencia de Darna?
RUTH: Nos sentimos satisfechos sobre todo de saber que poco a poco, todo el trabajo que nos ha llevado preparar este proyecto está viendo su recompensa. Se valora a Darna como una banda de futuro y eso nos complace porque seguimos trabajando para ofrecer más y mejor; eso nos demuestra que las puertas están abiertas.
BELEN: ¿Cuáles son los pilares de la historia de Darna?
RUTH: Los sentimientos y la imaginación. En cada una de las canciones o en cada uno de los componentes del CD hay algo de esto. Nosotros ponemos música a un montón de sentimientos, de situaciones pero en realidad es el oyente quien le da forma y vida a los personajes o al momento de la historia que en ese momento se está viviendo.
BELÉN: ¿En directo que temas tienen mejor respuesta?
RUTH: «Desleal» es nuestro tema estrella, a la gente le gusta corearlo y llega muy bien, también «Secuelas» es un tema que la gente conoce a fondo, pero hay temas que nos han sorprendido como «Sheela» que a pesar de que es una canción muy tranquila y que rompe con el resto del concierto ya que es donde Silvia y yo nos quedamos solas en el escenario y no hay más que guitarra y voz, a la gente le llega y parece que la conexión entre el público y la banda es mayor a partir de este momento.
BELÉN: Darna es un disco lleno de sorpresas como la colaboración de Víctor García o la genial introducción interpretada por al compañía «Al Margen«. ¿Son ideas preconcebidas a la grabación o surgieron durante ella? ¿Habéis pensado incluir a la compañía de teatro en algún directo?
RUTH: El poder contar con Víctor como personaje dentro de la historia es algo que estaba ya claro desde el comienzo del proyecto, con Víctor nos une una gran amistad y por su parte nunca hubo impedimento. El contar con la compañía de teatro es algo que surgió de manera más casual pero que sabíamos desde hacía tiempo que necesitábamos para aclarar partes y personajes que quedaban algo perdidas en la historia. Lo de incluir a la compañía en un directo es algo que realmente nos encantaría porque realmente estamos hablando de una compañía que cuenta con grandes actores además de que sería algo único pero es muy complicado hacer un montaje de esa envergadura.
BELÉN: Por representarlos de alguna manera en el disco hay temas de lo más heavy como «La Edad De La Ira«, una canción preciosa casi celta como puede ser «Sheela» o vuestro ya himno «Desleal«. Creo que se mezclan estilos en un disco que sigue un orden compositivo marcado por la historia. ¿Cómo se logra cohesionar todo ello en un disco?
RUTH: Nuestra intención ha sido la de poner a disposición de la historia todo aquello que nos gusta. Se trata de hacer que en todo momento tenga sentido lo que se está diciendo con lo que musicalmente estás escuchando.
BELÉN: ¿Qué nos podéis adelantar del siguiente disco? ¿Se basará también en una historia? ¿Habrá más colaboraciones?
RUTH: Sobre nuestro nuevo proyecto sólo te puedo adelantar que tendrá más caña que el anterior y que estamos trabajando muy duro para no defraudar a todos aquellos que confían en nosotros.
Nueva entrevista por Edu Meier a rostros reconocibles de nuestra escena. En esta ocasión asalta a Víctor Vivar, guitarra y voz de los avilesinos Crudo y en los últimos tiempos también en los renacidos Madera Rock. Como siempre muchísimas gracias por tu aportación Edu y adelante con la interviú.
Hola Víctor!! Estoy haciendo una serie de entrevistas para Heavy Metal Brigade de gente de la música explicando cómo y por qué empezó en esto y, si quieres, dar un toque a los guajes para que sigan el ejemplo (lo siento pero es lo que tiene ser padre y ver que no hay nadie nuevo en mucho tiempo). Comencemos:
Edu: ¿Cuál es el futuro musical a corto plazo de Víctor Vivar?
Víctor: Pues terminar las canciones del quinto disco de Crudo, en lo cual ya hace tiempo que estamos inmersos, grabar, editar, girar, tocar, tocar, tocar….y volver a empezar!!!. Así a groso modo……. pero sin estrés!!!
Edu: ¿Por qué empezaste a tocar la guitarra cómo te dio por el hard rock?
Víctor: Pues me imagino que fue un cúmulo de cosas, pero imagino que por imitación a los ídolos sobre todo. Pronto me empezó a gustar la música, a los 12 años flipé con Dire Straits y como tocaba y le sonaba la guitarra a Mark Knopfler. Los primeros años sentía curiosidad por Bruce Springsteen, Deep Purple, Queen o Pink Floyd, y respecto al cambio de gustos y evolución, surgió a partir de entrar en el instituto, intercambias gustos, conocimientos, y descubrí un universo brutal en el hard rock y heavy metal de los 70´s y 80´s. Luego empiezas a ir a conciertos de las bandas del rock nacional, Barricada, Siniestro Total, Barón Rojo, Rosendo, Los Suaves, Extremoduro, Platero y Tu, etc. Empiezas un día a enredar con una guitarra, intentando imitar melodías, solos y cuando te das cuenta estas sacando tu primera canción, que esto sería con 16 años, así que empecé bastante tarde.
Edu: ¿Cuál fue la primera vez que pensaste: cojones, esto no se me da tan mal?
Víctor: La verdad es que nunca me planteé eso, siempre lo sentí como un medio de desahogo, y una manera, un canal para expresar cosas. Nunca me considere un buen guitarrista, simplemente saco provecho a las 4 cosas que aprendí a las 6 cuerdas y disfruto transmitiéndolas. Para mi es un medio, mas que un fin… , siempre me gusto más y preferí como sonaba el colectivo que individualmente.
Edu: ¿Cuáles fueron el mejor y el día ese que salió raro en tu carrera musical?
Víctor: Ufff..no se!!!! jajajajajajajajaja, necesitaría escribir un libro, solo de Madera Rock ya…!!!. Hay muchos buenos días y muy raros. De los mejores días con Crudo probablemente cuando tocamos con Los Suaves en La Ería de Oviedo, porque había muchos invitados y muy gordos o con El Drogas en la Sir Lauren’s, ah!!!! y un bolo en Ribadeo, eso si que fue raro……. Con Fe De Ratas también viví cosas divertidas y extrañas, pero sin duda en la época de Madera Rock hubo muchos momentos dignos de serie de Netflix, vivimos cosas muy muy grandes como tocar con Platero y Tu o Los Suaves y la gira con Ilegales, pero también otras dignas de relatar y mas de una con las fuerzas del orden de por medio.
Edu: ¿Cómo haces para llevar a cabo tu vida personal y musical?
Víctor: Bueno, pues con organización. Al fin y al cabo la vida es cuestión de prioridades y necesidades. Procuramos que el curro nos permita libertad para los bolos y tenemos un régimen de ensayos creo que flexible. Muy a nuestro pesar, tiene más de hobby que de actividad profesional pero ye lo que hay…..de momento!!!
Edu: ¿Algo más que añadir?
Víctor: Pues que tenemos una tierra que tuvo y tiene unas bandazas de la ostia de todos los géneros, que nunca lo tuvimos fácil ni para salir , ni para sobrevivir y es una pena que muchas se hayan quedado en el camino, gente que tenía mucho que decir. A quien pueda llegar este mensaje, decirte que tengas curiosidad por los grupos de tu alrededor, porque quizá te estés perdiendo un grupazo, o un temazo y pasan desapercibidos a tu lado. Estate atento, ten curiosidad y aliméntala…
Edu: Muchas gracias Víctor y un abrazo enorme señor Vivar 😜
¡Hola Beka! Estoy haciendo una serie de entrevistas para Heavy Metal Brigade de gente de la música explicando cómo y por qué empezó en esto y, si quiere, dar un toque a los críos para que sigan el ejemplo (lo siento pero es lo que tiene ser padre y ver que no hay nadie nuevo en mucho tiempo). Comencemos:
Edu: ¿Cuál es el futuro musical a corto plazo de Beka Bioskes?
Beka: Mi futuro musical a corto plazo es acabar nuestro tercer álbum de estudio. En la actualidad Eternal Psycho nos encontramos en la composición del mismo.
Edu: ¿Por qué empezaste a dar voces y por qué te dio por el metal?
Beka: Comencé a tener bandas desde muy pequeña, empecé a formarme y dedicarme a la música de manera profesional. Cualquier persona que se dedique a la música creo que llega el momento en el que el cuerpo te pide hacer tu propio proyecto.
Edu: ¿Cuál fue la primera vez que pensaste: cojones, esto no se me da tan mal?
Beka: Cuando te ves en los videos que te manda la gente cuando tienes conciertos jajajaja
Edu: ¿Cuáles fueron el mejor y el día ese que salió raro en tu carrera musical?
Beka: El mejor son muchos, siempre que conectes con tu público, es de los mejores momentos y cuando te dan buenas noticias, cómo que estás dentro de un proyecto, por ejemplo. Y el raro pues también son muchos, a veces estás de gira, tienes malas noticias y estás lejos de casa.
Edu: ¿Cómo haces para llevar a cabo tu vida personal y musical?
Beka: Agenda sino es imposible
Edu: ¿Algo más que añadir?
Beka: Gracias por vuestra entrevista y gracias por vuestro apoyo, espero que nos veamos en futuros conciertos. ¡¡Abrazos!!
HEAVY METAL BRIGADE 