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Reseña: Tort «Dimonis De La Sauva Negra» (Discos Macarras 2026)

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Estamos ante el cuarto largo de la agrupación sludge barcelonesa Tort. La banda que integran Ricard García al bajo, Michel Serrano en baterías, Sergio Sancho y Jordi Boluda en guitarras y Xavier Álvarez en voces. “Dimonis De La Sauva Negra” fue grabado, mezclado y masterizado por Paco Delgado en los Sonic Riot Studios y cuenta con arte de Narcís Boter. Desde el 15 de junio en la calle en formatos digital, CD y vinilo gracias a la buena gente de Discos Macarras.

Todo da inicio con la pequeña narración al prólogo de “Necrophagus Paranoid”. Una vez ahí, Tort emergen en toda su crudeza y visceralidad. Voces que rugen, riffs que aplastan, sludge que recorre el fango de ese avanzar apesadumbrado, agónico, en una onda que podría remitir de inmediato a los madrileños Moho. Michel Serrano está muy fino a la hora de crear su línea de batería. Apoya y da lustre a ese sludge fangoso, arrastrado, acentuando la insalubridad del conjunto a cada golpe. Las voces de Xavier Álvarez sorprenden por la pura crudeza que alcanzan. La oscuridad que éste desata camino del epílogo, cercena cualquier intento por hallar algo de luz en este duro caminar por el cenagal. Ni siquiera tras esos escuálidos solos previos al cierre encuentra uno respiro. Esto es sludge en su encarnación más despiadada y cruel.

Desde ese arranque a la Eyehategod, uno ya presupone la que se viene encima con esta “Servants Of The Antichrist”. Otro corte de maceración lenta, y proceder angustioso, que añade algo más de brío tras su base rítmica, pero se apoya en la misma mala baba de siempre. Hábiles a la hora de alternar ritmos y tonalidades, todas entre negras o muy oscuras, para construir un corte hábil, con un (leve) toque melódico impreso en estrofas, y donde Michel Serrano vuelve a trazar otra estupenda línea de batería. Ese riff con el que se encaminan hacia el tramo central de la composición puede ser uno de mis favoritos de todo el largo, si bien la gama a elegir en este sentido es de todo menos pequeña. La faceta solista aquí, si bien más ambiciosa ahora, no deja de portar un aire malsano, enloquecido, muy acorde con todo cuanto la rodea.

El tema título “Dimonis De La Sauva Negra” prosigue en esa búsqueda del sludge doom más grueso y viscoso. Un ataque inmisericorde de una pesadez casi lacerante, con Xavier Álvarez dejando voces verdaderamente rotas y desesperadas. Entre lo agónico y lo irrespirable, la atmósfera que son capaces de crear paree querer borrar todo rastro de lucidez. Hay un riff muy clásico, y a la vez muy hábil, conforme la composición alcanza su tronco central. Ahí surgen voces más sucias (aún si cabe) y todo vira hacia el sludge más crudo. Una andanada pesada, que se verá continuada por otro solo de una extraña cualidad atmosférica y, a la vez, todo lo demente que exige un tema como este. Los Tort más alucinados surgen camino del cierre, con el interesante juego entre canales (mejor con auriculares) y ese epílogo pausado y acompasado. Deliciosamente atroz.

Escuchas el prólogo de “Sláine” y podrías pensar que la banda atacará aquí con un doom algo más clásico. Es una idea que se acentúa toda vez uno oye los primeros golpes de Michel Serrano a su kit de batería. Es un inicio tenso, que luego Jordi Boluda y Sergio Sancho quiebran con su gravedad habitual. Tort filtran su habitual sludge por ese deje más doom y, de resultas de ello, emerge otro de los cortes más significativos de este “Dimonis De La Sauva Negra”. Me funciona ese avanzar tan marcado, la simpleza (y a la vez la efectividad) de los riffs que conforman las estrofas. Todo mantiene ese ambiente malsano, angustioso y sin miramientos. La banda parece realmente cómoda en este ataque de pesadez angosta, pura, sin adornos, tan orgánica como desesperada, donde los pequeños cambios de ritmo no hacen sino acentuar el mal café del conjunto. En esas partes con mayor brío, el de Voul es un nombre que acude raudo a mi subconsciente. La pesadez del epílogo no busca hacer prisioneros, deslizando la cara más monolítica de los barceloneses. Tan salubre como calmar la sed con queroseno.

“Ningú Fugirà Del Coneixedor”, con Gustavo López (Cuerno, Arropiero) colaborando en voces, sorprende emitiendo algún que otro destello de luz en su prólogo. Es apenas un guiño entre la oscuridad que domina a esta penúltima y extensa entrega. Me gusta el juego entre voz y guitarras que construyen en estrofas. La agonía y el desgarro de Xavier, el rugir de Sergio y Jordi. Uno de esos cortes que incitan a menear las melenas (quienes las tengan) sin por ello abandonar esa oscuridad y esa pesadez de la que hacen gala en (casi) todo momento. De hecho, a través de su puente central, diría que encuentro a los Tort más equilibrados. Un juego hábil entre su sludge más monolítico y un cierto brío en las baterías de Michel que le confieren un tono especial a esta porción de la composición. Algo a lo que contribuyen, y no poco, los gritos lacerantes de Gustavo López. Todo el epílogo es pura esquizofrenia en clave sludge doom. Qué fantasía.

“Bonus Track”, que pasa por ser el corte más rácano del álbum, opta ahora por un avanzar más brioso, situándose a medio camino entre unos Motörhead muy encabronados y los momentos más speedicos de unos High On Fire. Todo confluye luego en un tronco central marca de la casa. Orgullosamente pesado. Fangoso y de nuevo sin grandes alardes. Un cierre un poco a la contra de todo el álbum, con Michel Serrano y Ricard García vibrando desde la base rítmica. Un soplo de aire fresco, en cierto modo, pero que no abandona los rasgos maestros que la banda traza a lo largo de todo el disco.,,

… y que resulta orgánica y concienzudamente abrasivo. Viscoso. Lacerante. Me atrevería a decir que Xavier Álvarez ha deslizado aquí uno de los desempeños vocales más descarnados de cuantos han pasado por las reseñas de esta web. La gama riffera acompaña a esas voces con un pulso monolítico, pesado, desgarrado incluso. Y los pocos solos que se dibujan, no dejan de tener un poso alucinado, cuando no casi demente, para un puñado de temas inmisericordes con el oyente más casual. Ni es sludge para todos los públicos ni mucho menos lo pretende. Soliviantará a los más profanos y enardecerá a los afines, quienes satisfechos se regodearán de cuanta oscuridad emana de este “Dimonis De La Sauva Negra” cenizo, despiadado y cruel.

Texto: David Naves

Reseña: Medussa «Mueran Las Ideas» (Coedición 2026)

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“Mueran Las Ideas”. Potente título para el que es el nuevo trabajo de los instrumentales cántabros Medussa: Juan Gutiérrez y Fernando Navarro en guitarras, Javi Arias en baterías y Pablo Vázquez al bajo. Juntos producen seis cortes que vinieron al mundo en el Ovni Estudio (Bonielles, Asturias). De la grabación se hizo cargo Sergio Firu mientras que mezcla y master corrieron a cargo de Pablo Senator. Con diseño de Mutta y fotos de Carlos Navarro Solís. Colaboran en la edición, ahí es nada, los sellos Conspiración De Iguales, Discos Macarras Records, Four Skulls, Muerte Matar Records, Primitive Noise Producciones, Producciones Tudancas, Quebranta Records y Vinilako. En la calle desde el pasado 18 de abril.

Casi más que arrancar, “Palabras” se tiende sobre el oyente. Un inicio reposado, santo y seña del género, desprovisto de pompa y grandilocuencia alguna. Superado ese arranque, se dan cita unas guitarras que bien podrían recordar a Tool. Pero cuando todo transige hacia un post-rock / metal más académico, ahí donde sale a relucir el buen sonido del Ovni, la banda emerge segura, confiada, concisa. Funciona la construcción de capas, también por el modo en que logran construir riffs con gancho. Con cierta pegada incluso. Buenas melodías y mejores crescendos en contraste con pasajes más limpios y desnudos, con Pablo Vázquez dando lustre desde las cuatro cuerdas. El corte toma luego un giro casi dramático. Por ahí surge (me resulta casi inevitable) un deje que me recuerda a los japoneses Mono. También la cara más amable de este cuarteto cántabro, en clara colisión con la mayor gravedad final. El juego entre canales de la producción (recomiendo al menos una atenta escucha con auriculares) opera de lujo en este tramo final. Un gran inicio de disco.

“Ideas” continúa y expande ese mayor nervio. Hablando de nombres ineludibles, Toundra puede ser uno de los que mejor encaje tenga en este segundo corte. Todo resulta atravesado por buenas melodías y riffs que crujen sin desentonar. De nuevo sobre esas buenas líneas de bajo de Pablo Vázquez, Medussa construyen sobre ideas ya conocidas pero sin perder el tiento. Hay, de nuevo, pequeñas islas de rock remansado, casi intimista, y un sonido tan cristalino que uno se pregunta por qué hay gente que se va a grabar sus discos a yoquesé dónde, cuando al lado de casa somos capaces de sacar adelante producciones de este nivel. En cualquier caso, ojo al gancho que destilan esos riffs del tramo final o la pegada de ese epílogo. Es un rock que puede carecer de aspecto lírico alguno pero no por ello pierde (ni mucho menos) su capacidad de generar sensaciones en el oyente a poco que éste muestre un mínimo de atención, de interés.

Reconozco que siempre me cuesta subirme al arranque de esta “Certeza”. Un sentimiento extraño al echar a andar ese prólogo (y continuación) mansos y tranquilos. Es cuando entran esas guitarras claras, limpias, casi prístinas, que mi piel se eriza e incluso siento (o veces) un ligero estremecimiento. Es un viaje, hasta aquí, por los Medussa más calmos, con sonoridades tranquilas, alternativas a destellos, que se ennegrecen rumbo al tronco central de la composición. Aquí me resulta interesante el modo en que el trazo juega con las expectativas. Cómo el corte busca una explosión que no encontrará hasta superado su ecuador. Ahí me agrada la manera en que Javi Arias marca el paso tras baterías, lo orgánica que resulta su manera de entender el rock instrumental (post-rock, post-metal, llamadlo como queráis) aún cuando la intensidad sube varios enteros y, finalmente, ese aire más alternativo del epílogo. Un corte que siempre recibo con el gesto torcido pero que, de algún modo, se las arregla para atraparme.

“Cadenas”, fue carta de presentación y pasa por ser además el corte más rácano (por duración) de los seis. Arrima más que nunca a la banda a las lindes del metal, insufla un cierto deje a los Pelican de Chicago y sirve, entre otras muchas cosas, para que Javi Arias despliegue una de sus líneas de batería más llamativas. Los poco más de cuatro minutos que marca en el reloj no quitan para que los cántabros hayan trazado un corte lleno de recovecos, buenos cambios de ritmo así como riffs firmes y concisos. Menos melódica (aunque tiene sus momentos) y más rocosa. Menos introspectiva, más pasional (si se quiere) y con una cierta sensación a que ha sido trazada con el directo como fin último. En ningún caso la desprecio pero sí que aquí dentro anidan cortes con los que conecto (incluso empatizo) en mayor medida.

Véase una “Insidia” que, de primeras, parece recoger y aumentar esa mayor gravedad que anidaba en el corte previo. Aquí de primeras me llama la atención esa cualidad tan rocosa del prólogo y los buenos detalles que Pablo Vázquez va dejando desde el bajo. Cómo sirve (casi) de contrapunto a las guitarras de Juan Gutiérrez y Fernando Navarro. Por momentos casi rozando el doom, uno podría pensar en unos primerizos El Altar del Holocausto, todo parece apostado sobre la cara más metálica del cuarteto cántabro. Lo que me agrada aquí es esa cualidad más atmosférica que desarrollan camino del puente. Ahí surgen voces graves, oscuras, que vendrán a ahondar aún más si cabe este dramático giro hacia el post más oscuro. El largo epilogo, no obstante, se consagra a unos Medussa que, sin perder una cierta gravedad, desde luego abrazan una mayor luminosidad en su música. Estupenda.

El corte final “Verdad”, amén de pasar por el más extenso de los seis, nos devuelve a parajes más tranquilos, a aguas más remansadas, para en un post-rock que bien podría recordar a mis paisanos de Azure, enseñar alguna de las melodías más orgullosamente memorables de este hábil “Mueran Las Ideas”. Reconozco lo sumamente placentero que me resulta transitar por todo este tramo inicial. Volver sobre esos tranquilos pasajes fijando atención en cada detalle. En cada línea presente en la mezcla. En la forma en que se conjugan las guitarras de Juan y Fernando. Lo bien que engranan esa redonda base rítmica. Luego la mayor gravedad que los encamina al tronco central me saca de ese ensimismamiento (si lo hubiere) con riffs directos, crujientes, de los que entran a la primera y anidan en tu subconsciente durante horas. Luego el corte emprende un diálogo consigo mismo, transitando por partes más juguetonas (esa que arranca sobre el 4:18 ¡me recuerda a The Edge!) otras casi bailables (pues anda que no tienen groove esas baterías de Arias) y finalmente abrazar una marcada melancolía camino del epílogo. Todo un viaje.

Qué bien han sabido conjugar todas sus influencias y plasmarlas en un álbum que, en ningún momento, corre el riesgo de resultar aburrido. Cabe mucho discurso en estas seis entregas y, mis sensaciones tras las distintas escuchas del largo, son las de estar ante un trabajo dotado de un dinamismo que debería hacerlo muy apetecible para todo fan del género. En la frontera entre el rock y el metal, construyendo cortes hábiles y orgánicos, donde todo opera en favor de las canciones y no de egos individuales. Nuestra escena instrumental sigue, pienso yo, en muy buena forma.

Texto: David Naves

Reseña: The Soulbreaker Company «Sin» (Discos Macarras Records 2026)

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Ocho años sin nuevo material de los rockeros clásicos vitorianos The Soulbreaker Company. Se dice pronto. Es esta, huelga decirlo, una vuelta de lo más esperada. Once los temas que componen este “Sins” y que vinieron al mundo en los célebres estudios Electrical Audio de la ciudad de Chicago (Estados Unidos), fundados por el tristemente desaparecido ingeniero Steve Albini. Recordemos que la banda está integrada por Illán Arribas (bajo), Ortiz Domingo (batería), Javier Arteaga (teclas, sintetizadores, pianos…), Daniel Triñanes y Asier Fernández (guitarras) y Jony Moreno (guitarra y voces). El álbum habría de ver la luz el próximo 28 de mayo en CD, vinilo y digital vía Discos Macarras Records.

“Ant Row” y la batería de Ortiz Domingo procuran un inicio de álbum entre tenso y elegante. De guitarras que juegan a conjugar ruido y melodía, crudeza teñida de una cierta melancolía. Sentimiento este que se ve acrecentado toda vez Jony Moreno coloca su peculiar registro sobre las primeras estrofas. Es un arranque tendido, breve (no alcanza los tres y medio sobre el reloj) y que más que mostrar las cartas sobre las que se mueve su sonido, hace por guardarse alguno que otro de los vértices sobre los que pivota la propuesta de los vitorianos. Más una toma de contacto que una llamada de atención, puedo echar en falta un mayor despliegue técnico pero toda su elegancia está presente aquí. Y de qué forma.

“In Rome”, desde luego, viene a aportar un poco más de colmillo. De vértigo incluso. Un rock directamente enraizado en los años setenta y que ofrece, ahora sí, algo más de músculo en lo que a técnica se refiere. Siempre de forma ordenada, sin gestos de cara a la galería, equilibrado y en favor más de la composición que no de egos individuales. Estira su registro Jony Moreno al tiempo que alterna con las cuidadas líneas que traza Javier Arteaga desde las teclas. Todo fluye hasta colisionar en un epílogo en el que no hubiera desdeñado un desarrollo un tanto más ambicioso. Con eso y con todo un corte que disfruto en gran medida.

Después llega “Abd Al-Rahman”, que fuera carta de presentación de este “Sins”, y surgen unos The Soulbreaker Company más ligeros, pero igualmente elegantes, distinguidos incluso. Me gusta esa línea de batería que va trazando Ortiz Domingo sobre las (delicadas) estrofas. El modo en que todo va fluyendo de modo tan natural. De nuevo sin prisas, sin estridencias, con un Jony Moreno fantástico al micro. Es el corte más extenso de los once, lo que no obra en favor de requiebros artificiales ni exageradas demostraciones ególatras. Al contrario. Esa construcción más extensa propicia un crecimiento ordenado, tendido, teñido de una cierta melancolía, y que las guitarras rompen (es un decir) en un solo rebosante de feeling. No sabría decir si es mi tema favorito del álbum pero ciertamente agradece uno esa sensación de que la banda ha echado el resto.

“Jump The Fault Line” sorprende con ese inicio alucinado, tendente a la psicodelia, que después nos devuelve a unos The Soulbreaker Company un tanto más vibrantes. Más juguetones. El nombre de unos viejos conocidos de esta casa como son Zålomon Grass es alguno de los que acuden a mi subconsciente aquí. Ciertamente no iguales pero desde luego pareciera como que unos y otros beben de fuentes similares. Es un corte construido sobre riffs eficaces, que busca una mayor grandilocuencia en su tramo final, habiendo dejado entre medias voces más delicadas que gritonas, transiciones muy cuidadas y de nuevo ese aroma retro tan reconocible y disfrutón.

“Beginning Of The End”, oferta menos extensa de todo “Sins”, busca un rock más ruidoso y hace valer una escucha, a poder ser atenta, con unos buenos auriculares pegados a las orejas. Interesante ese juego entre canales que propicia la producción aquí. Un corte de esos que parece dialogar consigo mismo, construido a base contrapuntos en su primer tercio, de una mayor intensidad en su tramo central y que desembocará en un epílogo más ordenado. Todo sobre las curiosas líneas que traza Javier Arteaga sobre las teclas. Me agrada aún con ese desarrollo tan exiguo.

En “Reaching The Dragon” también saben cómo alternar entre tonalidades. Cómo amalgamar esa calma del prólogo con (leves) desgarros que contribuyen a otra de esas construcciones a dos tiempos, casi colisionando su cara más leve con la más ruidosa, dejando para el puente un cierto aire a los King Crimson más leves y conduciéndose hasta el cierre sobre una nube de rock liviano, nada apresurado, de ese que ataca más el corazón que la cabeza. Fácilmente otra de mis favoritas.

Esa cierta calma viene a contrastar con la más ruidosa “On Jupiter”. A medio camino entre Cream o Led Zeppelin, la banda suena más rocosa aquí. Más nerviosa incluso, con Ortiz Domingo marcando el paso sobre otra estupenda línea de batería. Un corte lleno, trufado de contrastes, donde no falta (ni sobra) nada. Desde los tonos más altos de Jony Moreno, el gancho de esas guitarras de Daniel Triñanes y Asier Fernández, la bien engranada base rítmica de Illán Arribas y Ortiz Domingo o todas y cada una de las diabluras de Javier Arteaga sobre las teclas. Que levante la mano el primero que piense en otros viejos conocidos de H.M.B. como Green Desert Water al transitar por este séptimo corte del álbum. Estupenda. Si el destino es propicio y vuelven por la vieja Asturias, ojalá quepa en su setlist.

“The Right To Hush My Sins”, al tiempo que nos introduce en el tramo final del álbum, nos devuelve una cierta calma durante el prólogo. Apenas un suspiro. Un pequeño descanso. Y es que pronto la composición toma derroteros más ruidosos, cargados de una melancolía muy bien traída, (fenomenal Jony Moreno aquí) y en donde la banda vuelve a trazar un corte que me agrada tanto por composición como por las distintas ejecuciones que lo atraviesan. Las guitarras que juegan bajo las voces en el epílogo, por decir uno.

La sorpresa llega con “Ten Thousand Years”. Aquí la banda, y toda vez cruzamos el umbral de su curioso prólogo, está moviéndose en un terreno más cercano en el tiempo. Hay una cierta oscuridad rodeando a esta novena entrega, que en sus primeras estrofas parece bordear el post-punk más iniciático, para después colisionar con su faceta más ruidosa y, por ahí, construir un corte de lo más llamativo. En cualquier caso y pese a lo rupturista del tono, tampoco siento que la banda se traicione aquí. Al contrario. Máxime cuando estalla ese solo del puente. Diferente, que no peor.

Javier Arteaga está brindando un prólogo de lo más delicado en esta “Road And Bread”. The Soulbreaker Company se envuelven en esta balada / medio tiempo en donde cabe toda sensibilidad, todo buen gusto que son capaces de cosechar. Me agrada además por el modo en que el corte va creciendo en intensidad de cara al tronco central. Con Jony Moreno dejando buenos tonos altos y el mencionado teclista dejando píldoras de su buen hacer a las teclas. Habría sido una estupenda despedida a este “Sin”…

… honor que recae, no obstante, en una “Be On The Run”, donde de nuevo un inicio tranquilo vendrá a chocar con el mayor ruido que proponen después. En ese prólogo hay un tono algo desgastado que me agrada en la misma medida en que lo hace la mayor intensidad que sucede a continuación. Como ya lo hicieran otro cortes dentro del disco (“Beginning Of The End” sin ir más lejos) aquí vuelven sobre otra de esas construcciones alternas en las que tan bien se manejan. Sobre las que parecen tan cómodos. Las voces de Jony Moreno primero y la soltura de las guitarras después arman un epílogo estupendo. Un gran cierre, si me preguntan.

Todo tan orgánico como preveía antes de darle un primer repaso al disco. Todo, después, igual de satisfactorio. Si acaso, mi única pega podría ser que algunos cortes se me quedan algo rácanos en lo que a reloj se refiere. Pero todo su buen hacer, su elegancia, ese toque retro (vintage que se dice ahora) vuelve a manifestarse en poco más de cuarenta minutos de unos The Soulbreaker Company en plena forma. Yendo desde la delicadeza al ruido y todo cuanto habita entre medias. Tejiendo temas llenos de detalles, de los que van ganando peso con las escuchas, que anidan en tu subconsciente y nos recuerdan un tiempo quien sabe si mejor. Estupendo trabajo.

Texto: David Naves