Reseña: Mass Burial «May Darkness Come» (Dealer Records Gamonal/Ruido Noise Records 2025)

Nuevo trabajo y es el quinto ya para las huestes death metaleras burgalesas de Mass Burial, la banda de los Nasty Surgeons Raúl Weaver (guitarra y voz) y Fabíán Hernández (bajo) junto a Jorge Azofra (batería) y Adrián Ojer (guitarra). “May Darkness Come” se compone de un total de once cortes mezclados y masterizados por el propio Weaver en los Undead Studios. Con portada de Juanjo Castellano (Æolian, Unbounded Terror, Avulsed, Barbarian Swords…), el álbum fue lanzado por Dealer Records Gamonal en colaboración con Ruido Noise Records.

De inicio alberga pocas sorpresas. “May Darkness Come” es puro death metal a la manera clásica. Con la batería de Azofra refulgiendo junto a unos simples pero muy eficaces riffs de guitarra. Me enganchan más los que la banda sitúa bajo las primeras estrofas. Ese groove tan bien medido y el no menos elemental ‘tupa tupa’ d-beatero que introduce más adelante. Un primer aporte que, sin inventar nada, ni pretenderlo tampoco, funciona a las mil maravillas.

Más directa aún es una “Dead Mountain” que constriñe la estructura del tema previo para, en poco más de tres minutos, destapar la versión más descarnada de los burgaleses. Se alterna esta con un death metal que gana en pesadez conforme fluyen las estrofas. Hay cambios de ritmo que me agradan por cómo no comprometen el remate final con florituras de cara a la galería. Todo parece fluir de modo más o menos natural y por ahí me agrada esta segunda entrega y el modo en que la remata el buen solo final.

Pequeños arreglos durante el prólogo hacen por aumentar la oscuridad de una “Dreams Of Blood” que muestra ahora a unos Mass Burial más pesados y melódicos. Luego llegan las estrofas y todo vira hacia un death metal que bien podría recordar a los primeros Entombed. Siempre con el hosco registro de Weaver al frente y trazando un death metal clásico y de nuevo muy eficaz. Vuela Azofra tras los parches camino de un epílogo hábil a la hora de aportar un poso más melódico. Ahí y por pura colisión surge uno de los cortes más interesantes de todo el largo.

The Apostate” retorna entonces a lugares comunes en el ideario de los burgaleses. Esto es: death metal rápido sin caer en lo frenético, dotado de una oscuridad sin imposturas. De riffs sencillos pero pegadizos, con Azofra marcando un ritmo casi marcial. Al solo que ocupa su tronco central quizá le falte algo más de desarrollo. De presencia incluso. La producción del álbum es deliberadamente sucia, de nuevo al modo clásico, y por ahí puede que uno encuentre cierta división de opiniones. En cualquier caso la composición echa el freno en un tramo final pesado y rotundo.

The Shadowless” añade algo más de picante a la mezcla. Puede ser de los once el que más me recuerde a la otra banda de Weaver. Ritmos vivos y buenos detalles de un inquieto Azofra tras los parches no descuidan la inclusión de buenos riffs, así como de un solo en su puente central que, en cierto modo, no podría resultar más elegante. Aún cuando me agrada el mayor nervio que adquiere en su tramo final, no puedo evitar pensar que bien merecía una duración algo más ambiciosa.

La igualmente breve “The Slaughter” cuenta no obstante con otro de mis riffs favoritos de todo el largo. Luego de ese prólogo irrumpen unas estrofas que, línea de voz al margen, me retrotraen a los primeros discos de Avulsed. Death metal sin complicaciones, oscuro pero sin imposturas artificiales. Orgánico y dotado de pequeños cambios de ritmo que lustren la propia composición. Ni siquiera echo en falta un mayor brillo en lo técnico, pues la banda dispone un solo final perfectamente enraizado en el propio espíritu de la composición. Ni tan siquiera tres minutos y medio y, sin embargo, una de mis favoritas de todo el tracklist.

El tranquilo prólogo de “House Of Horrors” viene a romper con todo lo establecido hasta ahora dentro de “May Darkness Come”. Y de hecho sus primeras estrofas amagan con conducir a Mass Burial a sonidos más propios del metal gótico. Guiño que se difumina casi de inmediato con la banda transitando feroz hacia su habitual death metal sobrio y sin manierismos. Weaver prosigue con su registro oscuro, casi enfangado, mientras Azofra y Hernández firman una de las bases rítmicas más vivas de todo el largo. La composición conmuta estrofas nerviosas con otras que vuelven a rozar el d-beat y por ahí los de Burgos parecen dar su mejor versión. El reverberante solo final remata una de las entregas más infecciosas de este nuevo álbum. Ni que decir tiene que la que más ha calado en mi subconsciente hasta ahora.

Let The Dead Be Dead” da otro giro de timón para que la banda recupere su versión más galopante y descarnada. Weaver no varía un ápice su registro pero, por alguna razón, encuentro esta línea de voz algo por debajo de otras tantas del disco. Aún cuando alguno de los riffs en que se apoya van sobrados de gancho. La composición acomoda el solo en su tronco central y éste resulta tan vistoso como ágil. Algo descompensada pero igualmente disfrutona.

Otro corte de arranque reposado es este “Inquisition”. Y de hecho Mass Burial levantan el pie del acelerador aquí para que fluya una versión más melódica del cuarteto. Las primeras estrofas acogen una pesadez casi desconocida a lo largo del disco. Un grosor que irá virando, con toda naturalidad, hacia su habitual death de ritmos vivos y riffs nerviosos hasta llegar a los blast beats que anteceden al epilogo. Este se adorna de un apenas correcto solo de guitarra pero, en conjunto, siento que es otra del vagón de ganadoras.

Tras el sugerente título “Vengeance From The Grave” se esconde otro arranque de death metal taimado y rocoso. Apenas un pequeño inciso toda vez las estrofas acojan el trotar ya clásico del cuarteto. Azofra está más pasional que nunca aquí y la composición, aun cuando del todo clásica, arroja igualmente buenos detalles técnicos (esos breves pero furibundos solos de guitarra) y marcados descensos hacia una pesadez y una gravedad perfectamente integradas. Estupenda.

Siento que a la final “Bound To Obscurity” le pesa lo exiguo de su duración. Propone una serie de ideas (estupendo ese arranque lento) que su cierta falta de ambición lleva a no desarrollar del todo. Y es una pena porque le habrían otorgado otro signo diferente a este cierre. Un broche en el que Mass Burial vendrán a conducirse por alguna de las sendas que el disco ha transitado una y otra vez. Esa cierta repetición de patrones puede llevar a un cierto cansancio por reiteración. Ello no quita para que tanto el solo final como la base en que se apoya aguante la comparación con cualquiera del resto del trabajo sin mayor esfuerzo.

En cualquier caso un disco que, acogido a la cara más primigenia del género y dotándose de una cierta oscuridad, entrega once cortes donde encuentro más aciertos que errores. De hecho, me atrevería a decir que estos últimos obedecen más a manías de quien escribe que no a cualquier déficit que pudieran tener como banda. De ahí que a ratos eche en falta una mayor diversidad. No es menos cierto que entonces esto quizás dejaría de ser un disco de death metal propiamente dicho. En cualquier caso, “Vengeance From The Grave”, “The Slaughter” o “House Of Horrors” me parecen razones más que suficientes para detenerse en el nuevo trabajo de Mass Burial. Estáis tardando.

Texto: David Naves

Agenda: Burnt To Death + Depths Of Stygia + Dystopian Omen en Oviedo

Tras el estreno de varios anticipos Burnt To Death llega la presentación en vivo de su próximo trabajo de estudio «Black Dragon«. La cita con el renovado trio black/death tendrá lugar el próximo sábado 1 de noviembre en la ovetense Lata De Zinc, un día después del estreno en plataformas digitales del EP y contará con la participación del combo pucelano Depths Of Stygia y los salmantinos Dystopian Omen.

Grabado, mezclado y masterizado en Kollapse Stvdio la nueva obra consta de 5 temas y cuenta con las colaboraciones de Davish G. Álvarez, guitarra de Angelus Apatrida y Richard Shaw, de Cradle Of Filth.

01 Confined
02 The Devil’s Blood
03 Inhuman
04 Against you
05 Black Dragon

Entrada anticipada 10€ disponible en formato físico en la Libreria Paradiso de Gijón y en El Lúpulo Feroz de Oviedo

Reseña: Avlak «Blasphemous» (El Horno Producciones 2025)

Un par de años han transcurrido desde que los thrash death metaleros Avlak alcanzaran nuestras páginas con el debut “Portal” (reseña) y ya tenemos de vuelta a los madrileños con su segundo largo “Blasphemous”. Ellos son Caín Sánchez en baterías, Álvaro Idrogo al bajo, Jorge Fernández en guitarras y Aston Wirz a las voces. El trabajo consta de diez cortes grabados, mezclados y masterizados por Pablo Perezagua en El Horno Producciones. Adornado por el arte del ucraniano Daemorph (Avulsed, Vulvodynia, The Black Dahlia Murder, Abominable Putridity…) vio la luz el pasado uno de marzo.

From The Abyss” procura un arranque tendido hacia la vena más thrash del cuarteto, se construye a través de un paso casi marcial y agrada con buenos detalles técnicos. De hecho el riff que acompaña a las primeras estrofas tiene, pienso, gancho de sobra. Luego hay ecos en la línea vocal con los que conecto solo a ratos. Sea como fuere me agrada el juego entre registros que propone el breve puente. Avlak hacen por ocultar aquí su faceta más agresiva, conduciéndose a lo largo de la composición en unos ritmos más apaciguados. Un arranque a la contra del clásico trotar desbocado de tantos otros trabajos.

Waves Of Malevolence” sigue cosida a ese thrash pesado y machacón. Pierde el toque marcial del corte anterior al tiempo que constriñe su duración para entregar un corte ahora más diverso en ritmos e incluso diría que influencias. Buena línea de bajo la que perpetra Idrogo, quien en compañía de Sánchez trama una más que ágil base rítmica. Hay riffs, particularmente camino del epílogo, que fácilmente me pueden recordar a los Exodus más recientes. También un curioso juego entre canales y, en resumidas cuentas, un corte más retorcido de lo que uno puede llegar a intuir en una primera escucha. Más que digna carta de presentación de este segundo álbum.

Eradicate”, cuyas guitarras conducen ahora hacia territorios más melódicos, empastan al milímetro con la rugosa voz de Wirz en estrofas. Es otro corte con un gancho de mil demonios, que ataca directamente a las cervicales e, intuyo, invita a levantar el puño en los directos con su lacónico estribillo. Jorge Fernández parece haber echado el resto aquí. Tanto en la construcción de riffs como a la hora de aportar buenos detalles en lo melódico. Cabalga además sobre el firme doble bombo de Sánchez y, si algo echo en falta, es un solo algo más ambicioso. Ante el vicio de pedir, ya se sabe. Un corte que esos que se pegan sin remedio al subconsciente.

Adrenochrome” oscurece el conocido thrash death de los madrileños. Tras su ennegrecido prólogo acechan unas primeras estrofas que, sin embargo, conducen al cuarteto hacia sonidos algo más heavies. Siempre sin que la producción pierda pie en cuanto a agresividad ni Wirz contenga en absoluto su habitual forma de encarar las distintas líneas de voz. Pero ciertamente puede ser este el tema que más hace por separarse del resto. Cuando las revoluciones suben y la composición abraza un mayor nervio, Avlak parecen más que cómodos en ese trotar clásico pero efectivo. Bien es cierto que el solo de Jorge Fernández aquí me deja un tanto indiferente. En cualquier caso otra de las que apunta a fija en sus directos.

Trota “Hellbreaker” para recuperar a los Avlak más coléricos, que mezclan ahora un mayor músculo con una línea de voz que no esconde su amor por unos Sodom de principios de los noventa. Vuelve a brillar Jorge Fernández en la construcción de riffs. Y si bien el bajo de Álvaro Idrogo queda ahora algo hundido en la mezcla, desluciendo en parte la pegada de esta base rítmica, cuesta poco esfuerzo subirse a otro estribillo marca de la casa. El cierto groove con el que empastan alguna de las estrofas puede no ser del gusto de todos. No obstante la banda cierra abrazada a su encarnación más vibrante y trotona, con Fernández, ahora sí, dejando uno de los solos más vistosos de todo el álbum. Otra de las que ha ido ganando un cierto peso con el correr de las escuchas.

La pseudo instrumental “Terror Máximo” viene para alimentar la cara más técnica del cuarteto. Y me agrada por la forma en que lo hace. Sin excesos ni florituras de cara a la galería. Dejando que todo fluya con una cierta naturalidad a lo largo de sus (casi) tres minutos y medio de duración. Breve, concisa y rematada con un pintón solo de guitarra en su tercio final.

El tracklist contrapone esa brevedad a la mayor ambición de “Beyond The Damnation”. Composición que habrá de irse hasta los seis minutos y en la que la banda se arrima, sin tocar, sonidos y ambientes algo más progresivos. Como si unos Metallica de finales de los ochenta se tratase, el paso por las estrofas es más tendido ahora. Me agradan éstas por construcción. También unos estribillos en los que parecen haber puesto no poco cuidado. Hay buenos riffs por parte de Jorge Fernández además de una línea de voz que, sin perder un ápice de su habitual rugosidad, abraza un mayor rango ahora. La nota de color la deja el tranquilo y reposado puente, con la producción acertando a la hora de extraer a los Avlak más amables e introspectivos. Pablo Perezagua ya trabajó con ellos en el debut y desde luego da la sensación de banda y técnico que se conocen más que de sobra. Ese puente se rompe previo paso por un eficaz solo de guitarra y este séptimo corte echa el cierre convertido en uno de los grandes hallazgos de este segundo trabajo.

De todos cuantos aparecen a lo largo y ancho del álbum, el de “Hostile Resolution” puede ser fácilmente el riff más curioso de todos. Alimenta otro corte breve, poco más de tres y medio en el reloj, donde la banda funde a la perfección death & thrash para otro aporte directo y sin grandes complicaciones. Un trazo más directo y menos recóndito que los chicos excusan con otro estribillo pegadizo y con gancho.

Soul Ablation” es puro thrash machacón y a la vez enrabietado. Como si la banda hubiese encapsulado todo el mal café de la década de los noventa y nos lo sirviera orgullosa en forma de metal rocoso y a ratos casi monolítico. Ahí emergen los buenos detalles de Jorge Fernández en guitarras. Tanto en la construcción de riffs como a la hora de dibujar hábiles detalles melódicos. Wirz está rabioso y especialmente iracundo aquí, contribuyendo a este descenso al thrash más oscuro y maledicente. Me gusta la desnudez del solo, que éste no venga apoyado por una segunda guitarra, quizá porque me recuerda al bueno de Dimebag Darrell. Poderosa.

Mi subconsciente no puede pensar en otra cosa que no sea Slayer durante el prólogo de “Blasphemia”. Avlak se pierden en los efluvios del “Seasons In The Abyss” para dar comienzo desde la más pura oscuridad. Luego el corte, el más extenso de los diez, caminará por derroteros que poco o nada tienen que ver con la banda de Kerry King y compañía. Las estrofas, a estas alturas del álbum, pueden no resultar tan atractivas como otras que han ido poblando las distintas composiciones. Pero la diversa y rabiosa línea de voz, los buenos riffs que apoyan cada verso o el solo que irrumpe en el puente central muestran a una banda en la plenitud de sus facultades. Avlak despiden finalmente el álbum mostrando su cara más vitriólica y desgarrada para un cierre poco menos que incendiario.

Poca broma con el segundo de los madrileños. Con el thrash ganando terreno frente a sus influencias más extremas, “Blasphemous” construye buenos riffs en apoyo de una decena de temas de lo más diversos. Lo mejor es la forma en que la fusión entre sus muchas influencias, que van desde el thrash más trotón a páramos más oscuros e incluso a rozar una cierta agonía, véase el epílogo mismo del álbum, da la impresión de estar construida con total naturalidad. Poco o nada a lo largo de este segundo trabajo me resulta forzado o antinatural. Y esto es algo que, pienso, habla muy bien del cuidado con el que han tratado a estas nuevas diez canciones. En el viaje desde el vitriolo hasta la más pura calma casi todo me funciona. Es verdad que alguno de los solos podía ser algo más ambicioso o que la base rítmica no está siempre tan bien empastada como me gustaría. Con eso y con todo un más que digno segundo álbum camino de un tercero que termine por rematar las buenas sensaciones que ya dejaron en el debut y que ahora amplía este “Blasphemous”. Permaneceremos a la escucha.

Texto: David Naves

Reseña: Krypticy «The Non-Return» (Violence In The Veins 2024)

Es el segundo largo para los chicos de Krypticy tras debutar en 2014 con el Ep “Necronomicon” al que siguió un primer álbum de nombre “Hideous Being” en 2020. Thomas Schenk (bajo y coros), Pancho (batería), Sergio Álvarez (guitarra) y Álex Warrior (guitarra y voz) componen una formación que entrega ahora un “The Non-Return” grabado y masterizado por José María Tornay (Metalize, Rebel Souls) en los Wave Nation Studios. Adornado por el arte de Cardaver Art (Ancestral, Intolerance, Slaughtercult, Dismortus…) vio la luz el 22 de julio del pasado 2024 vía Violence In The Veins.

Ni introducciones ni pompas de ningún tipo. “Infected Pharaoh” demuestra pronto las buenas hechuras que posee el disco en cuanto a producción, destilando un sonido claro y equilibrado, con fuerte presencia de un bajo que crepita solidario a las punzantes guitarras de Álex y Sergio. Me gusta el riff que acompaña a las estrofas. También la tensa y cuidada línea de batería de Pancho, velocísima tras los primeros versos, y que marca el ritmo de unas partes rápidas que me recuerdan, a ratos, a mis paisanos de Legacy Of Brutality. Death metal descosido pero no exento de técnica, que conjuga velocidad y pesadez y al que remata un llamativo solo de guitarra en su tramo central para un más que interesante arranque.

Hypatia’s Heresy” no se desliga en gran medida de las mismas directrices pero vendrá a apoyar su arranque en uno de los riffs más redondos, también más memorables, de todo el largo. Contribuye crear un corte que, aún dentro de lo aguerrido de la propuesta, muestra un gancho innegable. En esa encarnación a medio gas pueden surgir ciertos patrones que me recuerdan a los polacos Vader. Por ahí me gusta el doble juego vocal que proponen aquí los malagueños. Y aunque el solo que irrumpe en su parte central no llame excesivamente mi atención, sí que lo hará esa vertiente más rota y pesada que irrumpe tras él.

Ha querido la casualidad que hace apenas unas semanas saldaba por fin mi cuenta pendiente con uno de los slashers más celebrados, no otro que “Texas Chainsaw Massacre”, que sirve de telón de fondo para que Krypticy entreguen su cara más frenética, adoptando aquí y allá un vértigo casi más propio del death grind al que adornan ciertos audios extraídos directamente del film de Tobe Hooper. Hay otro buen solo camino de un epílogo donde el cuarteto conjuga su metal más veloz con ritmos más marciales. Un corte que acierta a la hora de conjugar sus distintas influencias sin perder el nexo común que la une al resto de “The Non-Return”.

The Void” puede llevar al engaño con una gama riffera a la que encuentro algo por debajo del resto del álbum. Por contra, ofrece una serie de cambios de ritmo, también de detalles técnicos, que demuestran el buen nivel que poseen los chicos en cuanto a ejecución. Pancho está tremendamente ágil (y hábil) a la hora de amalgamar las muchas capas de las que consta esta cuarta entrega. El contrapunto que precede al solo, que bordea (sin rozar) el slam deja paso a otro buen detalle solista. Al final otro corte con personalidad dentro del disco.

Como personalidad tiene ese arranque al bajo de “The Water Street Butcher”. Schenk se escabulle después bajo la mezcla y junto con Pancho vuelve a trazar otra más que interesante base rítmica. Hay riffs que, en las partes más veloces, me recuerdan a Suffocation, y que la banda conjuga con alguno de los momentos más atmosféricos de todo el disco. Pienso que las partes más pesadas, que irrumpen a cuentagotas en la composición, y que bien me podrían recordar a unos Cannibal Corpse, merecían algo más de espacio. Sorprende finalmente el pequeño solo de bajo que Schenk dibuja durante el epílogo. Un corte que, sin desagradarme, si que tengo la sensación de que merecía una duración algo mayor.

Todo mientras que “UGH!” pasa por ser la entrega más escueta del disco. Tres minutos y medio con la banda mostrando virulencia y agilidad a partes iguales. Vuela Pancho en baterías sobre una gama riffera que me ahora me agrada en gran medida. Y aunque sea un corte descosido, feroz incluso, tampoco se puede decir que la banda lo construya de un modo lineal. Ni mucho menos. De hecho su prólogo podría ser fácilmente uno de los más llamativos de todo el largo. Álex Warrior declama con suma fuerza estas estofas. Sin embargo no resulta en exceso complicado seguir los distintos versos que componen la letra. Tan fugaz como entretenida.

En “Krypticy” la banda resulta todo lo leal al género que corresponde a un tema homónimo. Pero hay algo en la forma de afrontar las distintas estrofas por parte de Álex que acerca esta penúltima entrega a las fronteras del brutal death. Curioso por otra parte, pues no deja esto de ser una propuesta más afín al death más clásico. Salta a la vista en esas partes más atemperadas y oscuras, que tanto me recuerdan a unos Morbid Angel del “Covenant”. Estupendo el solo que colocan a continuación, con la producción de Tornay entendiendo al dedillo el tono buscado por la banda. Estupenda.

El cierre “Virgins Recently Fucked Sacrifice” es puro Krypticy. Parte además de uno de los prólogos más descosidos y violentos de todo el largo para desde ahí transigir hacia un death metal feroz y efervescente, con Pancho dejándose la piel en una línea de batería que apenas dará descanso. Me gustan esas melodías que acompañan a la voz de Álex. También cómo el bajo de Schenk acentúa esos contornos más melódicos. Tan delicada como calmar un fuego con gasolina. Honesto y brutal cierre.

Pocas sorpresas en el segundo largo de los malagueños. También y como dije por ahí atrás, muy pocas dobleces. Los chicos tienen claros sus propósitos y este “The Non-Return” bien debería hacerles subir algún que otro escalón dentro de nuestra cada vez más fértil escena extrema. Un álbum bien producido y que cuando brilla, pienso en cortes como el que da nombre a la banda u otros como “The Void” o la final “Virgins Recently Fucked Sacrifice”, lo hace a muy alto nivel. Mi más sincera enhorabuena.

Texto: David Naves

Agenda: Misery Index + Konvent en Oviedo

Vía ITP Promotions el combo deathgrind Misery Index recalará el próximo miércoles 16 de julio en el ovetense Gong Galaxy Club. Llegaran acompañados por las danesas Konvent inmersos en una extensa gira estatal con paradas en Madrid, Badalona, Vitoria-Gasteiz, Valladolid y Ponteareas.

Los de Baltimore presentarán su último trabajo discográfico hasta la fecha «Complete Control» editado a través de Century Media Records en el 2022.

Por su parte la formación death doom danesa hará su debut en Asturias para defender en vivo su última obra de estudio «Call Down The Sun» publicada también en el 2022 vía Napalm Records.

Entrada anticipada online 20€ + gastos a través del siguiente enlace:
https://tickets.itp-promotions.com/web/

Reseña: Vidres A La Sang «Virtut Del Desencís» (2024)

Virtut Del Desencís” constituye el sexto disco para los catalanes de Vidres A La Sang. La banda radicada en Tarrasa, que ya pasara por estas líneas con aquél “Fragments De L’Esdevenir” de 2022 y que forman Cristian V.B. (bajo), Jordi Farré (batería) más los integrantes originales Albert (guitarra) y Eloi Boucherie (guitarra y voz), vuelve ahora con un álbum grabado, mezclado y masterizado por el propio Boucherie en su Farm Of Sounds al que adorna el arte del Suspiral Álex Tedín (Balmog, Teitanblood, The Spirit, Imperium Dekadenz…) y que ha visto la luz a través de los sellos Abstract Emotions, Nafra Records, Negra Nit, Discos Macarras y Eternal Juggernaut Records.

Tímido y muy atmosférico el arranque que proponen a través de “Màrtirs”, un prólogo que fácilmente podrían haber firmado An Autumn For Crippled Children (actuales An Autumn). Vidres quiebran con brusquedad hacia su versión más intensa y feroz, con un Farré muy firme en ese blast beat inicial. Las primeras estrofas descubren, sin embargo, la versión más atemperada del proyecto. O, si acaso, la más lindante con el progresivo más casual. Siempre con su inequívoco registro roto, Boucherie declama estas primeras líneas de voz con su hosquedad habitual. El trazado de estas mismas estrofas es laberíntico, plagado de cambios de ritmo. De ciertas disonancias incluso. La producción enfrenta (más que equilibra) las distintas líneas y para cuando llega el estribillo a pura voz limpia, no me puedo sacar de la cabeza el nombre de Borknagar. Y mientras que el largo solo del puente central descubre la cara más técnica de los egarenses, el retorcido tramo final encapsula por sí solo cuan de grande ha sido la evolución desde aquél trabajo homónimo de 2004. Tremendo arranque.

Podría esperarse un mayor nervio de “Sempre És Incert” tras el avanzar tan retorcido de “Màrtirs”. Pero tanto el prólogo como las primeras y enigmáticas estrofas sirven para que Boucherie muestre su registro más susurrante, confrontado por la voz prístina de un fantástico Arnau Tordera i Prat. Vidres A La Sang en su registro más tranquilo durante un primer tercio que exasperará a quienes busquen aquí el puro nervio del magnífico “Endins” de 2006. Me agrada la forma en que Farré impulsa ese crescendo de la segunda mitad, también el modo en que la mezcla del propio Boucherie acomoda este mayor impulso con el mejor de los equilibrios. Es cierto que el cuerpo me pedía un solo algo más ambicioso aquí, pero con eso y con todo uno de los cortes con mayor personalidad de este sexto trabajo.

Subyace un cierto atrevimiento en el hecho de que “L’Elegia Dels Innocents” fuera elegida como una de las cartas de presentación del disco. Nada resulta obvio aquí. Ni el curioso y tranquilo prólogo ni tampoco la cierta tosquedad de las primeras estrofas. La estupenda línea de batería de Farré amalgama las distintas capas con precisión quirúrgica. En las líneas de guitarra surgen (inesperados) ecos de los Gojira más atmosféricos, mientras que en lo tocante a riffs este puede ser el corte más atrayente de los seis. El trazo, siempre intrincado y nunca previsible, alcanza a un tronco central que bordea, sin tocar, el black depresivo de bandas como Forgotten Tomb, Nyktalgia, Austere para una de las pocas salidas del tiesto del tracklist. Un tema ágil en lo gramático y a ratos brillante en lo técnico que amplía en buena medida el ya de por sí amplio rango de influencias que la banda maneja en esta sexta obra. Estupenda.

Capricis De L’Atzar” redirige ahora hacia una calma por momentos casi espacial, que la banda rompe de manera brusca para, desde ahí, construir otro de esos cortes laberínticos y nada previsibles en los que ahora tanto se prodigan y tan bien se manejan. Hay una cierta tensión en esas primeras estrofas, con Eloi en un registro realmente agrio y rotundo. Hábil el contraste que esas voces tan oscas procuran con lo tendido de la instrumentación. Un primer tercio cosido a base de contrapuntos, con Cristian dibujando ágiles líneas desde el bajo. Camino del cierre llega un brusco cambio de ritmo pero el corte nunca llega a lindar con la gravedad que sí tienen otros temas del álbum, circulando siempre cerca de esa vena ya digo casi espacial y disruptiva. Es el corte menos extenso del álbum y sí creo que ese epílogo bien merecía algo más de desarrollo.

De las seis puede ser “Records A L’Oblit” la que más recuerde a los Vidres A La Sang más iniciáticos. Con matices, cabe decir. Furibundos y extremos en el prólogo, con Farré volando como en pocos momentos del álbum, las guitarras no obstante juegan en una liga completamente distinta a la que inundara sus primeros trabajos, optando ahora por una serie de pequeñas disonancias de mejor rima con el disco que las contiene. Me agradan esos estribillos a voz limpia, que a su manera me recuerdan a aquella estupenda “Els Vents Bufen A Favor” que abría su “Set De Sang” de 2018. Brilla el solo de guitarra aquí y la forma en que abre paso a los Vidres más descosidos del epílogo, que salvando las inmensas distancias, me recuerda a los Enslaved más recientes. Menos laberíntica y más directa, equilibrada amalgama de la banda que en su día fueron y la que son dos décadas después.

Sin abandonar su propia personalidad como banda, hay tímidos ecos floydianos en la final “Llàgrimes De Sang”. Principalmente en ese arranque tenue, casi tímido que proponen. Aquí vuelve ese entonar más desesperado y angustioso de Boucherie y nuevamente nombres como Nyktalgia o Forgotten Tomb retornan a mi subconsciente con cada escucha. Para cuando han transcurrido más de cuatro minutos e irrumpen las guitarras más graves, la banda deriva hacia su vena más progresiva en detrimento de la más violenta. Surgen riffs interesantes ahí. También buenos dibujos de Cristian a las cuatro cuerdas. El estribillo, una vez más intercalado de voces limpias, destila una épica cargada de melancolía que supone, en opinión del abajo firmante, otro de los momentos álgidos de este sexto trabajo. El amplio solo de guitarra que surge a continuación me resulta el broche perfecto a esta última entrega de los catalanes, si acaso empañado por ese fade out final.

Una banda siempre en el filo, que no se conforma con seguir el camino marcado y que parece disfrutar con el reto que supone cada nuevo álbum. Del nervio descosido de sus primeros trabajos poco queda. Vidres A La Sang transcurren por estos años veinte con la seguridad que da el saberse dueños de su negro destino. “Virtut Del Desencís” supone una marcada deriva hacia su vena más progresiva, revestida aquí y allá de influencias que lo mismo guiñan al black que al death, componiendo un álbum de innegable personalidad. Al alimón con otras bandas estatales dadas a procurarse su propia senda, pienso en gente como Balmog, Moonloop o Foscor (la otra banda de Albert Martí), consolidan la que, pienso, es una de las propuestas más llamativas e interesantes del pasado 2024. Que no es poco.

Texto: David Naves

Sound Of Silence: Primer Anticipo De Su Próximo Disco

El combo black/death Sound Of Silence nos presenta «A New Level Of Suffering» como primer adelanto de su próxima obra de estudio.

Grabada, mezclada y masterizada por Nefta Vázquez en Breakdown Studios la canción anticipa su próximo disco «A New Level Of Suffering» Chapter II» que verá la luz a finales de 2025 como continuación directa de su anterior EP «Primvs Capite«. Con esta composición la formación asturiana da un giro a su propuesta musical al abrazar por primera vez el inglés para el apartado letrístico.

Entrevista: Andrés Álvarez (Blast Open)

Nuevo episodio de la serie de entrevistas por el infatigable Edu Meier a rostros reconocibles de nuestra escena. En esta ocasión el protagonista es Andrés Álvarez, fundador y guitarra de Blast Open.

Hoy volvemos a la carga con una persona que no sabes si es más grande físicamente o como persona. Andrés Álvarez, guitarra y alma de Blast Open. Comenzamos…

Edu: Hola Andrés, no sabes lo que echo menos coincidir contigo en un concierto. ¿Cómo ves la “escena” asturiana desde el COVID para aquí (que a lo bobo ya son 5 años…)?

Andrés: Hola Eduardo, la escena asturiana, como siempre, inquieta y con un montón de grupos, músicos y todo lo que la rodea en constante avance. Salen nuevas bandas con miembros muy jóvenes, continúan los eventos que dan oportunidades a los grupos emergentes a publicitarse, los estudios tienen un nivel muy alto en sus técnicos y eso se nota en las grabaciones que son publicadas. Y las bandas “establecidas” continúan publicando álbumes, videos y haciendo conciertos; peleando sin parar, y se refleja en las giras y los festivales donde es habitual ver una banda asturiana.

Por otro lado, la cantidad de bandas que nos visitan y enseñan su propuesta es alto, antes no ocurría, había meses sin conciertos y en estos últimos años, como mínimo, hay eventos viernes y sábados en diferentes localidades, lo que indica que hay público y las salas asturianas programan y funcionan. También hay que destacar el circuito de salas, que dan cobertura a una infinidad de eventos, desde el metal más extremo al rock o pop.

Edu: ¿Cómo ha sido el trabajo de Blast Open en estos años?

Andrés: Pues un paso a paso, desde la composición, grabación y arreglos, a la presentación en directo. Todo va al ritmo que los componentes nos marcamos y según qué objetivos queremos alcanzar en la temporada. Normalmente es a varios meses vista.

Edu: He visto que la formación se ha rehecho completamente… ¿Qué ocurrió (contesta solo si no se puede hacer un episodio de salsa rosa con ello 🤣🤣🤣🤣?

Andrés: Una banda exige dedicarle tiempo y trabajo, y como no se daban estos factores, los componentes anteriores se fueron sustituyendo progresivamente.

Edu: ¿Cómo llegaste a incorporar a la formación tantas caras nuevas de una manera tan exitosa?

Andrés: De manera natural, al ocurrir lo comentado anteriormente, la opción era dejar la música en una carpeta del ordenador o trabajar en ella, así se hizo “Spitting Blood”. Habíamos contactado con Nefta (Sound Of Silence, Escuela de Odio…) para hacer la grabación en sus Breakdown Studios, y le comentamos si quería poner su voz a las canciones y aceptó; para las baterías hablamos con Jorge Rodríguez (Escuela de Odio, Aneuma, Sound Of Silence…) y lo del bajo ya es otra historia con Mr. Kiri Lenanson. El caso fue que las nueve canciones quedaron muy bien producidas y trabajadas, le dimos título al álbum y la portada del diseñador Blasi. El trabajo fue editado por Suspiria Records.

Este álbum nos trajo nuestra primera gira peninsular en colaboración con ITP Promotions, acompañando a los daneses Baest (crónica) y, junto con Nefta, consolidamos la actual formación, Ton Jerez al bajo (Gun Machine) y Marco Álvarez a la batería (MalaTesta, La Destilería, Avalanch…) y nos lanzamos a la carretera.

Edu: Por las redes veo que os habéis embarcado en una pequeña gira nacional junto a una leyenda del thrash como Vio-Lence. ¿Cómo han sido los conciertos fuera de la tierrina?

Andrés: Se han desarrollado muy bien, han sido siete conciertos* en ocho días y ha sido muy intenso, con buena entrada en salas y público entregado desde el principio. Nos ha permitido visitar nuevas ciudades y volver a salas donde ya habíamos tocado en la anterior gira.
*Crónica Valladolid

Edu: Teniendo en cuenta que (desde músico lo digo) todas las fechas son importantes porque el objetivo es siempre dar el 100% ¿Alguna fecha que veas con especial cariño o ganas de tocar?

Andrés: Si, todas son importantes, pues en cuanto ves los fans en los alrededores y pisas la sala, ya estás motivado y con ganas de presentarles el show. Fecha con ganas de tocar quizás, en esta ocasión, haya sido Barcelona porque era la primera vez que podíamos presentar “Spitting Blood” y los nuevos temas y con cariño… volver a casa y tocar para la gente que tanto nos arropa y apoya en Asturias el próximo 20 de junio en Mieres (info).

Edu: En esta sí que estoy un poco perdido así que explícame lo que quieras, ¿Cómo ves el desarrollo de vuestro último álbum?

Andrés: En la actualidad el mercado y la difusión de la música ha cambiado 100×100 y las bandas pequeñas tenemos que adaptarnos al ritmo impuesto para poder mantener un flujo de información y las canciones son lo más importante que una banda tiene que ofrecer.

Edu: El estilo de música. ¿Se mantiene dentro del thrash / heavy de otros discos?

Andrés: Sí, en la composición se mantienen las raíces de Blast Open en su totalidad, pero se añaden nuevas ideas que da nuevas sonoridades musicales, de ahí que el resultado sea un avance en cómo se perciben las canciones, más agresivas, y también nos gusta jugar con el tempo para darle más groove dependiendo de la intención de cada canción.

Edu: ¿Qué tema o temas los que crearon más “circle pits”?

Andrés: Ha funcionado muy bien nuestro último single “Invisible Lines” y otra que monta revuelo es “A Light Behind The Darkness”.

Edu: Muchísimas gracias por tu tiempo Andrés, así por lo general encantado de mandarte estas líneas y espero nos veamos pronto.

Andrés: Un abrazón.

Crónica: Ravenblood + Brutalfly + Tatami (Oviedo 24/5/2025)

Nueva parada en nuestros escenarios para la buena gente de Ravenblood. La banda de Cornellà de Llobregat acudía a la capital del Principado inmersa en la gira presentación de “Absence”, cuarto trabajo de su trayectoria, y del que ya diéramos cumplida cuenta por aquí. Y quiso la casualidad que, por segunda vez, lo hicieran acompañados por los locales Tatami, a quienes se sumó esta vez el trío Brutalfly. Una oferta pues de lo más variopinta para una apacible tarde noche de contrastes en la ovetense Sala Estilo.

Tatami serían pues los encargados de romper el hielo con su tranquilo y acostumbrado rock and roll. Y ya fuera por lo diferente de la propuesta con respecto al resto del cartel, lo tempranero del horario (19:00 cuando arrancan) o incluso por el buen día que hacía fuera (vete tú a saber) lo cierto es que no fue mucha la gente que traspasó las puertas de Estilo para atender a sus evoluciones.

Nosotros podemos decir que nos gustaron más que en nuestro anterior encuentro con ellos. De primeras vuelve a llamar la atención esa formación a dos guitarras y batería. Gus Bocanegra a los mandos de la nave, extrajo la mejor versión de la banda. Hay estrofas, diría que incluso algún estribillo que otro, en los que el nombre de Ilegales ronda mi subconsciente. Y aunque ya digo que en esta ocasión nos resultaron más enteros, lo cierto es que a ratos eché en falta una pizca más de distorsión. Al final la cabra siempre tira al monte. Es inevitable. Rock tranquilo, que a ratos adquiere una pizca más de nervio, y donde incluso cabe un pequeño guiño a las leyendas australianas AC/DC. No nos disgustó su particular resistencia.

Brutalfly traerían entonces su enrevesado thrash metal y ya desde el primer momento queda claro que tratar de encorsetar su propuesta bajo una etiqueta concreta es como tratar de tapar el sol con el meñique. Siempre imprevisibles, aparecieron por Estilo con un set plagado de temas que aún no han visto la luz, y que integrarán, si todo va como se espera, su esperado segundo álbum de estudio.

Escenario adornado con los dos murales laterales más el telón de fondo. Su arranque hace honor al apellido de los hermanos Veloz. Descosidos y nerviosos desde un primer momento, pronto disienten hacia su habitual maraña de cambios de ritmo. También de afinaciones, con Didi haciendo uso y abuso de los muchos pedales que tenía a sus pies. Convenientemente bañados en luz roja, puede que “Train To Hell” ofreciera algún resquicio más asequible. El público, que llegaba con cuentagotas a la sala, se animó aquí. Ellos sin embargo no olvidan tampoco aquí esa naturaleza tan híbrida de sus composiciones.

Y ante un sonido tan redondo como el que estaban teniendo, quedó claro la pura organicidad de su propuesta. Más allá de los mil y un efectos que Didi emplea a lo largo del set, tanto él como la base rítmica de Lagarto y Mochy, su metal resulta tan laberíntico como real. “Moretty”, precedida de una pequeña dedicatoria de Didi, puede ser el perfecto ejemplo de esto que comento. Como siempre, vimos muy compenetrada a la banda. Su propuesta así lo exige. Pero esta es una de esas formaciones que realmente da la impresión de disfrutar con lo que hace. Brilló Didi aquí en su faceta como vocalista, sacando provecho de sus distintos registros. El propio vocalista pidió un aplauso para “el Rey Lagarto” antes de “Shaman”, recuperada de aquél Ep debut que en septiembre de este mismo año cumple ya diez años. Ahí el trío bordea su cara más oscura, amplificando aún más si cabe su amplia paleta sonora.

Me sorprendió “Pigmalion” por cómo introdujo alguno de los estribillos con más gancho que les recuerdo. En consecuencia, el calor en la sala fue en aumento. También mis ansias de escuchar su segundo largo de una vez. En esas estaba cuando el trío vuelve a aquél iniciático Ep y resucita una “Mechanic Soul” donde Mochy introduce ritmos cercanos al d beat. Era un tema para bailar, había asegurado Didi. Y era verdad. Encarando ya la recta final “High Bird” puede ser un tema que sorprenda aún sin salirse de su retorcimiento habitual, tremendo Mochy a los parches aquí, al tiempo que “Zerdatillium”, ya casi ineludible en sus directos, deja uno de los solos más locos de Didi. Que ya es decir. Quedaba una. No venía ni en el setlist pero no podía faltar. Didi le preguntó a la audiencia, y quien más quien menos respondió, emulando al mismísimo Roy Batty, que era el tiempo de morir. “What Time is It? It’s Time to Die” daría por finiquitado el set. Muy inesperado en cuanto a selección de temas pero donde vino a quedar claro que esta es una banda que planta cara al futuro con total seguridad. Ya muy atentos a lo que esté por venir.

Acudían Ravenblood prestos a presentar “Absence”. También al que es su nuevo batería desde el pasado mes de diciembre: Darío García. Así pues, y clavando el arranque de ese último trabajo, la banda vino a sonar tan redonda como acostumbra. Cambio en baterías mediante, son muchos los años que llevan ya a sus espaldas y se notó. Sus anteriores visitas nos habían dejado ya muy buen sabor de boca. La del sábado vino a confirmar que se encuentran entre lo mejor que el género tiene para ofrecer dentro de nuestras fronteras.

Es un death melódico al modo clásico. Lleno de buenas melodías y donde la labor de Arnau y Jose en guitarras resulta encomiable. El primero ya deja un gran solo en la propia “Absence”, avisando en cierto modo de la que se nos venía encima. A Ravenblood se les puede achacar una cierta quietud arriba de las tablas. Una parsimonia que contrasta con la hiperactividad de Dani, al micro, quien camiseta de Aneuma mediante, no dejaría de moverse a lo largo y ancho del escenario, al tiempo que buscaba la siempre necesaria conexión con el público. A término comentaría que Asturias era su “segunda casa”. Y no mentía. Estaba el frontman con los habituales agradecimientos cuando la banda, Darío mediante, arranca pedal a tabla con “Purge”. Parecía que no había tiempo que perder. La base rítmica que completa Raúl al bajo trotaba de lo lindo aquí. Y la banda ofreció su primera alternancia solista de la noche. Arnau y Jose jugaron con sus respectivas guitarras, si bien es cierto que al segundo costaba oírle con total claridad.

Percance que se fue subsanando conforme fueron deslizando un corte tras otro. Dani, ahora sí, tuvo tiempo de sobra para ofrecer unos agradecimientos como dictan los cánones. Me gustó “In Our Veins” por cómo conjugaron la elegancia inicial con un trote más enérgico después. Siempre dentro de las fronteras del estilo y con un Dani de lo más risueño tras el micro. El propio vocalista se iría al de rodillas al suelo. Ovación final y el público de Estilo que parecía estar pasándolo en grande. “Out In The Universe” llega no sin que antes Darío tuviese un pequeño percance con uno de los pedales. Alguna que otra pista pregrabada puede que ofrezca a unos Ravenblood menos orgánicos. Y da igual porque la violencia que desatan aquí destierra cualquier duda. Y al tiempo que “Resurgent” puede ser una de sus composiciones más redondas, compendio de todo cuanto una banda como esta tiene para ofrecer, “Reborn In Darkness” se haría de rogar por culpa del portátil que disparaba las pregrabaciones. Había que reiniciar. Las culpas, a Windows, Apple o quien corresponda. Toda vez aquello se recondujo, lo cierto es que fue un corte que procuró cierto resuello al quinteto.

Que es justo lo que ellos necesitaban para después atacar con “Fracture”. Brilló Arnau aquí. En lo que a composición se refiere puede que sean estos los Ravenblood que más disfruto. Diversos a la par que sólidos. La banda acertó a conjugar esa mezcla de pegada y melodía, marca de la casa, para el que me resultó otro de los puntos álgidos del set. No desfallecía Darío tras baterías aún a pesar de los percances. Dice mucho del buen momento de forma en que llegaron a Oviedo lo firmes que sonaban aún en esta parte final. Aquí volverían la vista al pasado, rescatarían aquella “Pathfinder” de su primer álbum y, junto con la propia “Ravenblood” de su último disco, abrocharían pasado, presente y futuro en un gran final. Antes Dani había agradecido el apoyo que la gente les dispensó. Aguantó el tipo durante todo el set, se deshizo en recurrentes bromas capilares (¡Mari Carmen!) durante el tiempo que estuvo sobre las tablas y, al alimón con los suyos, ya digo confirmó el buen momento que atraviesan. Su segunda casa, desde luego.

Diversión y contrastes. Una jornada bien agradable, buena compañía y tres propuestas bien diferentes. Lo pasamos bien antes, durante y después. Por eso no quisiera terminar esta crónica sin agradecer a FnR Promotora y a los músicos por todas las facilidades, mandar un saludo a los habituales de siempre, también a la buena gente de Aneuma y ya saben: nos vemos en el siguiente.

Texto: David Naves
Fotos: José Ángel Muñiz