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Crónica: Mosh Fest (Gijón 21/3/2025)

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Nace un nuevo festival y con él las ganas de abandonar el sillón y echarnos a la carretera. Auspiciado por la gente de Mosh Crew Producciones y con la Sala Acapulco como epicentro, en su jornada del viernes y tras la caída de Incordian vino a reunir a las bandas Down To Suffer, Sydius y Legacy Of Brutality. Amalgama de géneros para una primera cita con buena venta de tickets y muchas ganas de metal y diversión.

Llegaba uno un poco a la expectativa con Down To Suffer y lo cierto es que el quinteto supo sobreponerse a la siempre engorrosa tarea de abrir fuego. Originarios de Castro Urdiales, trajeron a la Acapulco su colisión de hardcore y metal al gusto de la parroquia más joven. Que la había, para enfado de agoreros y negacionistas, y de hecho recibió al quinteto de muy buena gana.

Porque su propuesta puede gustar más o menos pero, introducciones pregrabadas al margen, lo cierto es que acertaron a sonar de lo más orgánicos. Técnicos incluso, si bien en primeras filas costaba discernir alguno de los solos. Desde que arrancan con “Burn The Heretic” el frontman Josu no ceja en buscar la conexión con la gente. Inquieto y muy activo en relación a sus compañeros, risueño incluso, se erigió en el principal punto focal de los cántabros.

Aludiendo a ese -core a ratos orgánico, en cortes como “Hollow” incluso me dio la impresión de que sonaron más atmosféricos. Siempre dentro de las lindes del género pero acertando a extraer una serie de influencias que sumaron atractivo al set. Josu no se quiso olvidar de agradecer a la organización el haber contado con ellos. En “The Way It Ends” incluso bajó a mezclarse entre la gente. La sala, que ahora dispone vallas entre público y escenario, ha perdido nuestra querida tarima y, por ahí visto alterada una parte de su encanto.

Pero volviendo a los de Castro Urdiales y si tuviera que quedarme con un corte de todo el set, ese podría ser “Losing Light” por cómo acertó a destapar su cara más técnica sin traicionar las señas de identidad del género. Lo hicieron todo por agradar. Josu incluso e inalámbrico mediante se perdió entre el público en un momento dado. Alguna introducción se me hizo algo pesada y aquél speech de J. Robert Oppenheimer (“I am become death, the destroyer of worlds”) ya me resultaba manido antes de la película de Christopher Nolan. Dicho lo cual, en líneas generales y si me atengo al tipo de metal que hacen y el público al que se dirigen, siento que cumplieron con su papel.

Desde 2023 y si no me falla la memoria en el mismo escenario junto a Burnt To Death y Angelus Apatrida (crónica) que no pasábamos revista a la buena gente de Sydius. La formación metalcore asturiana vino a poner de relieve en esta primera jornada que se encuentra en un momento más que dulce. Porque ya fuera por el tipo de metal que practican o por el hecho, obviamente favorable, de jugar en casa, la recepción que tuvieron no pudo ser mejor. Sin más detalles en cuanto a puesta en escena que el pequeño telón de fondo y la caja de la batería adornada con el logo de la banda, dejaron claro que son uno de los secretos mejor guardados de nuestra escena.

Una banda con su nicho particular, ese metalcore en nuestro idioma frente al inglés que abrazan una gran mayoría de formaciones dentro del género. Y en la figura de Edgar a un frontman que no quiso ser menos que su homólogo en Down To Suffer. Muy en forma y sonando francamente redondos ya desde los primeros compases de “Acta Est Fabula”, que representó la cara más árida de los asturianos. Imprescindibles esos coros de Jandro aquí. En “Autodestrucción” casi bordean el melodeath. Son una banda algo hierática sobre las tablas. Ahí emerge como contrapunto un Jandro que se las vio y deseó con el cable del micro, emperrado en enredarse en uno de los monitores.

Hubo un llamamiento a la unidad por parte del vocalista. También un agradecimiento a la organización. Y después una “Aporía” de pulso casi marcial y dueña al final de un breakdown pesado cual transatlántico. No quiso Edgar olvidarse de Incordian, quienes faltaron a la cita debido a un percance de Sergio, batería de los manchegos, que impidió su presencia en la cita del viernes. Después llegaba el turno de “Yo Reniego”, donde quien no renegó fue una audiencia que no dudó en sumarse al wall of death propuesto por el frontman. Engancha ese riff final, con unos Sydius ya digo sonando muy redondos y compactos. Y la gente se lo pasó en grande. Mosheando, corriendo en animados circle pits (siempre en sentido antihorario, ¿os habéis fijado?) y en general disfrutando de lo lindo. Con “Directo Al Subsuelo” llegaron los Sydius más rotos y descarnados. Máxima conexión con la gente aquí y “Némesis” cerrando un set, poco más de media hora, que nos supo a bien poco.

Máxima expectación para ver la nueva venida de Legacy Of Brutality a la sala Acapulco. Fue allí donde presentaron su último largo, “Travellers To Nowhere” con Heavy Metal Brigade presentes, y volvieron el viernes a reclamar aquello que por derecho les pertenece. Quiso no obstante el micrófono de la pantalla de Borja Suárez retrasar el inicio previsto por el quinteto. Cable y micrófono nuevos mediante y cuando pasan veinticinco de las doce, la banda arremete al fin con “Travellers To Nowhere” y la Acapulco vibra con los de Puerto De Vega.

Más allá del tema capilar, no hubo bromas esta vez como en aquella noche de 2023, por Simón parece no correr el tiempo. Tan imparable en lo gestual como en lo vocal, descerrajando su inconfundible registro sobre los muchos detalles melódicos de Borja. Sorprende este nivel de confianza en una banda que ha rodado mucho menos de lo que nos gustaría, algo que viene a denotar lo mucho y bien que se conocen. Solo faltaba. La banda acorta los veinte minutos de “Travellers To Nowhere” para reconducir hacia “Path Of Forgotten Souls” sin solución de continuidad y con un Javy Pity desatado tras su enorme kit de batería.

Puede que Yoye y Lalo, guitarra y bajista respectivamente, tengan un comportamiento más discreto que sus compañeros. Pero más allá de su cierto hieratismo, pocas dudas caben al respecto de sus evoluciones sobre las tablas. De hecho cuando se desencadena “Beyond The Walls Of The Colosseum” Legacy Of Brutality parecen en mejor forma que nunca. Mucha jarana entre la audiencia y un set que acertó a repasar su ya extensa discografía. Simón, soportado por los impecables blast beats de Pity, ametralló al público de la Acapulco. Tendría tiempo el frontman de dispensar los obligados agradecimientos. También de recordarnos la fiesta posterior al show. Y, por supuesto, de seguir descerrajando death metal sin que su voz pareciese resentirse lo más mínimo.

“Vamos a tocar una lenta”, anunció entonces el de Puerto De Vega, que resultó ser no otra que “The Druid”, donde entre ritmos más pesados y machacones la banda pareció tomarse un pequeño y merecido descanso. Mucho groove aquí y Borja dibujando el que a la postre sería uno de los solos más vistosos de la noche. Y como la vida son contrastes, Simón preguntaría a la audiencia, hasta tres veces, si tocaban una rápida, que devino en “Realm Of The Banished Gods” y su ineludible coro final. “Gods forbidden, forsaken, forgotten…” bramó la Acapulco hasta dejarse la garganta.

No quiso Simón olvidarse de cómo en su anterior visita no tuvieron tiempo a descargar el set completo que tenían preparado. No así esta vez, aprovechando para volver a un corte de hace diecinueve años. Puede que más de un asistente ni siquiera hubiese nacido por aquél entonces. Era el turno de “Land Of Empty Graves”, todo un regalo para los fans más leales al combo de Puerto De Vega. Como regalo es ese cierre volviendo “Travellers To Nowhere” dejando claro que su leyenda sigue intacta. Incólume. La ley de conservación de la energía establece que ésta ni se crea ni se destruye, solo se transforma, y desde luego que Legacy Of Brutality convirtieron la suya en nuestro regocijo. Imparables.

Texto: David Naves
Fotos: José Ángel Muñiz

Reseña: Patxi Luque «Love & Hate» (Autoproducción 2025)

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Debut en el largo para el guitarrista guipuzcoano Patxi Luque, quien condensa todo su ideario musical en estas diez composiciones con el heavy metal como punto de partida. En comandita con Pedro J. Monje (guitarras rítmicas, baterías, bajos, sintes y arreglos), Alejandro Espinosa (teclados en “Welcome To The Real World”) y Eneko Sagastume, Iban Herzog, Iñaki Munita, Óscar Rodríguez y Mikel Feijoo (coros), este “Love & Hate” que el propio guitarrista se encargó de producir, ha contado con grabación, mezcla y masterización del propio Monge junto a Aitor Ruiz en los Chromacity Studios. Con diseño gráfico de Jan Yrlund (Dark Grove Design), está siendo distribuido a nivel nacional e internacional por SteelOnSteel Distro, distribuidora de Pako Mate.

Atruena la tormenta a modo de bienvenida. “Welcome To The Real World” propone una tranquila intro sintética que la guitarra de Luque se encarga de quebrar en pedazos. Su habilidad con las seis cuerdas inunda un cuidado prólogo y, por ahí, el disco no podría irrumpir con mayor elegancia. Tras esa calma inicial surge todo el espectro metálico de Luque, envuelto en un medio tiempo que, no pocas veces, me recuerda a mis paisanos de Bestia Negra. Larga instrumental para dar la bienvenida un poco a la contra de lo usual en este tipo de álbumes. El bajo crepita bajo una cuidada selección de riffs y Luque rompe camino del final con un llamativo duelo solista para después finiquitar allí donde empezó. Una más que curiosa primera entrega.

Otro riff con gancho, y esta será una tónica durante todo el álbum, es el de “Dejadme Respirar”. Surge aquí el Luque más heavy. Por la velocidad de las baterías primero y la irrupción de su registro después. El músico guipuzcoano aporta una voz aquí que, a ratos, me recuerda al Mille Petrozza de la última etapa de Kreator. Y pienso que ese registro casa muy bien con el tipo de metal vibrante que propone aquí. Algo rácana en lo que al reloj se refiere, tres minutos y medio, se guarda el solo para un epílogo donde éste se funde con los coros. Un tramo final que, siento, bien merecía algo más de desarrollo…

… pero para ello ya están cortes como este “Rollercoaster” que habrá de irse más allá de los seis minutos. Construida desde otro buen riff en su prólogo y adornada por buenos guitarrazos de Luque en el camino hacia las estrofas, puede pasar por una de las composiciones más redondas de todo “Love & Hate”. Patxi pasa aquí al inglés y, particularmente en estrofas, resulta difícil no recordar a los Vhäldemar del propio Monge. Me gustan esas melodías que sitúa bajo el estribillo, también el buen solo que introduce en el corazón mismo de la canción. Se gusta el músico vasco, y hace bien, en una sección final que irrumpe calma para después adquirir un mayor peso. Mucha clase de Luque aquí.

“Siempre Estaré Aquí”, encargada de presentar el disco en sociedad, parte de un metal ahora un tanto más amable y melódico. Un riff sin mayores complicaciones para un corte que parece buscar en todo momento la conexión con el oyente. Luque varía su registro ahora hacia tesituras más limpias, procurando una línea de voz más tendida. Hay algo en estas estrofas que me recuerda a (los siempre infravalorados) Leize. Esta versión ahora mas melódica no quita para que Luque introduzca otro cuidado y eficaz solo de guitarra. Si bien hay alguna estrofa cuya propia construcción me chirría a ratos, un corte más que digno a la hora de amplificar el rango tonal del álbum.

De nuevo instrumental, esta “Love & Hate” que da nombre al debut sirve ahora a un Luque más ampuloso y adornado. Buenos detalles de la producción de Monge aquí, quien de todos modos procura no opacar al guipuzcoano con ese gran andamiaje arreglístico. Patxi Luque por su parte se desquita con algunos solos bien pensados y mejor ejecutados. Nunca demasiado complacientes o fuera de su propio discurso. Entendiendo perfectamente el corte que tiene entre manos y sabiendo operar en favor de éste y no al revés. Será en su tronco central cuando las baterías se aceleren y Luque obre en consecuencia. Pero incluso ahí pienso que el músico vasco ha sabido medir muy bien sus esfuerzos. Estupenda.

Ya de primeras “Hey Crew” parece resultar algo más aventurada y atrevida. Sobre un heavy metal muy 80’s ensambla curiosos coros y un solear que, en este tramo inicial, no me podría recordar más al bueno de Joe Satriani. La sombra de discos como “Surfing With The Alien” o “Flying In A Blue Dream” parece alargada en el músico y compositor vasco. Es camino del puente central que Luque enfrenta alguno de los solos más flamígeros de todo “Love & Hate”, destapando el tarro de las esencias, que diría un clásico, so riesgo de aburrir a los oyentes menos habituados a este tipo de demostraciones (un tanto) ególatras. No conecto del todo, y casi parece un oxímoron, con el aliento que Luque introduce mediado el corte. Estas llamadas a alzar los puños y similares, cuando se producen en grabaciones de estudio, siempre me resultan algo mecánicas y artificiales. Con eso y con todo otro corte que viene a hablar y no precisamente mal de las habilidades solistas de Luque.

“Mi Veneno”, composición más extensa del álbum, inicia desde la más pura calma y vira de nuevo hacia territorios más amables. Luque, claro, exhibe ahora un mayor músculo melódico para un corte que podría aparecer sin tampoco desentonar en un próximo Lion Rock Fest. No me resulta el riff más redondo de todos cuantos se dan cita aquí. Apenas una excusa para que el guipuzcoano seduzca con la candidez inicial de sus solos y sorprenda con el mayor fulgor que esta adquiere conforme discurre por su largo tercio final. El solo final, obra ahora de Monge, se adhiere a ese mismo discurso sin desentonar ni tampoco apabullar. Entendiendo perfectamente el guión y dejando que sus dedos fluyan por el mástil sin mayores excesos. Diría que es la canción que más peso ha ido ganado con el correr de las escuchas.

Con “My Way (Reimagined)” parece regresar el Luque más heavy y vibrante. Que en cierto modo sí, por mucho que un buen número de los solos que el músico plantea en esta enésima instrumental vuelvan a recordar al insigne guitarrista de Westbury. Y aunque siento que hay buenas ideas aquí dentro, plasmadas por Luque con todo rigor y eficacia, tras varias pasadas al tracklist no logro deshacerme de la idea de que es la más discreta de las cinco instrumentales.

Regresa la voz de Luque para la tranquila y sosegada “Mi Sangre (Reimagined)”, de la que destacaría la tendida voz del guitarrista y esos buenos detalles melódicos con los que adorna las primeras estrofas. Escrita al gusto clásico, esto es, con una mayor carga alimentando la primera llegada del estribillo, y subida después a ese mayor peso, Patxi Luque trama en este doble juego otro de los cortes que más ha llamado mi atención. Incluso me atrevería a decir que en ninguna otra canción del disco canta tan bien como aquí. Otra de mis favoritas.

El cierre es para la igualmente tranquila “No Estoy Ahí”. Balada en gran medida acústica con Luque en un formato casi de cantautor, que no dudo exaspere a más de uno. En cualquier caso un pequeño escorzo a modo de reposado y elegante cierre.

El cara a cara entre ambos seres que puede verse en el propio artwork del álbum casi parece representar la lucha entre las instrumentales del disco contra las canciones con voz de este “Love & Hate”. En las primeras Luque demuestra un gran nivel ejecutivo. Hay solos realmente eficaces aquí, brillantes incluso, y una serie de riffs (casi) nunca faltos de gancho. En los temas cantados hay pulsos muy heavies. Sale por ahí el nombre de Vhäldemar, que con Monge a bordo supongo que era algo inevitable. Pero también hay momentos que me recuerdan a nombres ineludibles como Iron Maiden o Judas Priest. También y de manera recurrente Joe Satriani, músico por el que Luque parece profesar indisimulada admiración. Y quién no. En cualquier caso no podemos olvidar que se trata de un debut y, por ahí, uno puede detectar y hasta perdonar ciertos errores de bulto. Estrofas algo forzadas aquí. Alguna canción que se vuelve algo redundante allá. Pero francamente pienso que son los menos, algo que viene a hablar bien del cariño y el cuidado que el guipuzcoano ha puesto en estas diez composiciones. Háganse el favor de escucharlas.

Texto: David Naves

Reseña: Frakture «Subyugamentes» (Demons Records 2024)

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Desde que el frío y el cansancio se adueñaran de nosotros tras dos maratonianas jornadas en el último Karma Fest que teníamos una deuda con la gente de Frakture. Combo thrash con influencias hardcore radicado en Bilbao y que forman Ieltxu al bajo, Imanol en baterías, Serru y Rubén en guitarras e Iván en voces. Este “Subyugamentes”, su primer larga duración, fue grabado por Haritz Harreguy (Idi Bihotz, Soziedad Alkoholika, Latzen…) en los Harreguy Studios, co-mezclado por la propia banda y posteriormente masterizado por Víctor García (Aathma, Wormed, Toundra, Bloodhunter…) en el barcelonés Estudio Ultramarinos. Con arte de Cosmic Tentacles y colaboraciones del Escuela de Odio Pirri y el S.A. Juan Aceña, el álbum vio la luz en agosto del pasado año en formato vinilo a través de los sellos Demons Records, Romantic Songs Recordings y Four Skulls.

Frakture colocan al principio la pequeña “Narxisista” y esta procura una más que cuidada introducción al álbum. Tras ella, los vascos arremeten con su bien conocida amalgama de thrash trotón y voces cercanas al hardcore en las que Iván parece desenvolverse como gato panza arriba. Es uno de los temas más breves del debut. También uno de los más vibrantes, con una base rítmica bien empastada y que apenas da descanso. Puro nervio.

Un tanto más melódica pero igualmente furibunda, “Antinazis” profundiza en ese recuerdo a los primerísimos Soziedad Alkoholika. Y lo hace con unas voces llenas de cólera, pero también con una más que interesante selección de riffs. Los cambios de ritmo proceden a destapar el lado más técnico de Rubén y Serru, si bien es la rabia quien termina imponiéndose a través de una composición orgullosamente clásica. Hardcore metal rabioso y protestón.

“Eleberri Berria” sin embargo les acerca a las lindes del crossover. Una encrucijada entre el nervio de las dos entregas previas, un pulso ahora más pesado y un trazo algo más enrevesado y laberíntico. Incluso partes que coquetean con el groove más casual. Oxigena al disco pero qué duda cabe que Frakture parecen sentirse mucho más cómodos en las partes más veloces y descosidas. Con eso y con todo uno de los cortes con mayor personalidad de todo “Subyugamentes”.

“Criminalizados” puede no sorprender tanto en cuanto a construcción. Por contra, se cimenta sobre uno de los riffs con más gancho de todo el tracklist. Tiene un poso casi marcial, sobre el cual la banda va poco a poco acercándose al hardcore. Muy firme Imanol con el doble bombo para un corte que tampoco obvia algún que otro hábil detalle técnico. Lo justo para que la composición respire y sin traicionar el espíritu del disco en ningún caso.

Otro buen riff es el que entregan en “Subyugamentes”, cuyo prólogo deja detalles que me hacen pensar en unos Sepultura del ineludible “Arise” de 1991. Después y toda vez irrumpen las primeras estrofas, todo toma un cariz mucho más cercano al hardcore y ahí, por pura colisión, Frakture construyen otro de los temas más equilibrados y reconocibles de todo el debut. Llamativo también por trazo y adornado por pequeños injertos a lo Andreas Kisser, una de mis favoritas conforme se han ido sucediendo las distintas escuchas del disco.

“Zu Zeu”, que fuera una de las cartas de presentación del álbum y en el que la banda retorna al euskera, profundiza en ese thrash sepulturero al que tiñen de un poso más hardcore que bien podría recordar a mis paisanos de Escuela de Odio. En un puente de paso más tranquilo irrumpirá uno de los solos más interesantes del tracklist, pero en líneas generales, Frakture dan poco respiro aquí.

Sorprende el casi elegante prólogo de “Gelchales”. También la forma en que la banda lo conjuga con ese metal de paso casi marcial, desarrollado sobre otro riff ganchero y pegadizo como pocos. Thrash machacón enfrentado a los Frakture más atmosféricos para otra entrega repleta de personalidad, donde la banda juega a expandir el abanico de sus influencias. Lo que no cambia es la agresividad de Iván tras el micro. Otro de esos cortes que elevan la nota final.

“Stop Ablación”, con Pirri a bordo, desde luego hace por recuperar la cara más abiertamente hardcore del quinteto. Pocas sorpresas en su trazo, si bien los bizkainos vuelven a apoyarse aquí en una más que interesante gama de riffs. Me agrada también el contraste que se produce aquí entre los blast beats de Imanol primero y ese puente central más pesado y rocoso después. Buenos solos de cara al final, con la banda trazando uno de los epílogos más cuidados de todo “Subyugamentes”. Estupenda.

Antsietatea” es el corte más extenso de los doce. Una poderosa andanada de un thrash que roza (sin tocar) el d-beat, dejando entre medias un trazo hábil y bien equilibrado. El de Su Ta Gar es un nombre que sobrevuela a ratos, sentimiento quizá influido por la letra en euskera que la banda adopta aquí. Eficaz esa calma que desarrollan durante el puente. Uno de los pequeños oasis de tranquilidad dentro de este encolerizado debut, al que remata un buen solo de guitarra en su tramo final. Otra de mis favoritas.

De estribillos en inglés pero estrofas en castellano, “Fucking Bastards” recupera esa onda más Sepultura para otra agresión de thrash incendiario y rutilante, que no obvia ni la voz visceral de Iván ni tampoco los buenos solos de guitarra, con especial atención al que emerge justo antes del epílogo.

“Ez Dugu Ahaztuko”, con colaboración de Juan Aceña, representa el corte más fugaz del álbum. Pequeño escorzo thrash core que, huelga decirlo, recuerda y de qué manera a los primeros trabajos del invitado. Por ahí me agrada que la banda no obvie pequeños detalles en el plano técnico pero es verdad que, al menos en mi caso, su pequeña duración no ha jugado precisamente a favor.

Cierra el tema que viene a dar nombre a la banda, un “Frakture” cuya onda bien podría recordar a los brasileños Ratos De Porao, conjugado después con esa vena más técnica que ha ido yendo y viniendo a través de los distintos cortes. Un buen ejercicio de equilibrio con la banda brillando, quizá más que nunca, en ese apartado. Pero un cierre desesperanzado, casi agónico, en lo que a lírica se refiere. Casi una llamada de auxilio y, por ahí, una adición más que interesante para un llamativo final.

El disco vibra casi siempre a buen nivel. Como persona no habitual de este tipo de propuestas, siento que me faltan referentes a la hora de desentrañar las distintas influencias de la banda. Pero la de Sepultura, citada de manera explícita en la nota de prensa, se deja notar y de qué forma a lo largo del tracklist. El de Soziedad Alkoholika es otro nombre fuerte en muchos momentos, por lo que no puedo alcanzar a imaginar lo que habrá supuesto para ellos contar con todo un Juan Aceña para este debut. Aunque sea en la brevísima “Ez Dugu Ahaztuko”. Un interesante debut y una escucha más que obligada para todo fan del thrash core más comprometido y vehemente.

Texto: David Naves

Crónica: Cobra Speel + Nurcry + Haunted Gods (Oviedo 8/3/2025)

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Teníamos ganas en Heavy Metal Brigade de hacerle el checking de rigor a esta nueva iteración de Cobra Spell. Acompañadas esta vez de Haunted Gods y Nurcry, con nuestra querida Gong Galaxy Club como epicentro, la del sábado se planteaba como una de esas citas que no podíamos dejar pasar.

Haunted Gods serían los encargados de romper el hielo. Los power metaleros de Artés (Barcelona) venían presentado un debut homónimo que pasó con nota por nuestras reseñas allá por el año 2023. Y se podría decir que cumplieron con el siempre difícil papel de abrir la velada. De entrada llama la atención su puesta en escena, las llamativas vestimentas que portan. Aunque no más que la propia premura del set. La banda parecía no tener un segundo que perder.

Pero mostraron un buen nivel en cuanto a técnica se refiere mientras dispensaban pildorazos de power indómito y juguetón. “Ritual” es un buen comienzo, con la frontwoman Txell desviviéndose por animar a la (aún) escasa concurrencia. El sonido, algo difuso al comienzo, se iría aclarando conforme transcurriera el set. A puro doble bombo en “Threshold”, tremenda pegada los chicos aquí, se permitirían incluso el lujo de enlazar con “Zirael” y, ya digo, acertar a dar una más que aceptable versión. La sala iría mejorando su aspecto paulatinamente. Por su parte Haunted Gods acertaban a macerar su conocido power metal y bordear incluso el hard más melódico. Apenas un parpadeo dentro de ese metal indómito y trotón. Para cuando se despiden y desde la mesa disparan “Stayin’ Alive” de los inmortales Bee Gees, apenas han estado treinta minutos arriba del escenario. Puede que incluso menos. En cualquier caso Txell se encargó de despedir con su grito más desgarrado de la noche. Ojalá que en nuestro próximo encuentro podamos disfrutar de un show completo por su parte.

Con Nurcry teníamos clavada una espina desde su desigual paso por la primera edición del Luarca Metal Days (crónica). Circunstancias propias del directo que empañaron su anterior visita. La banda lo sabía y parecieron dar un nivel más que aceptable ya desde los primeros envites. En lo que parece la semana de los tres guitarras en esta casa (tras lo de Geoff Tate el pasado jueves en tierras leonesas), el sexteto deja pocas dudas en su buen arranque. Es cierto que a Kike le costó algo más dar con la tecla. Nada que no arreglase con el correr de los temas.

Unos temas que dieron buena medida de la calidad técnica que atesoran. Porque el Lethargus Juanjo Alcaraz brilla con las seis cuerdas en “Contra Viento y Sol” al tiempo que Fuentes parece ir encontrando su mejor versión. Sería el propio frontman quien nos agradecería nuestra presencia allí previo paso a introducir “Salto Al Vacío” y ese riff que, en su traslación al directo, tiene un gancho de mil demonios. Rematada por un eficaz solo doblado, la amplia formación madrileña parecía más que a gusto. De lo más activos incluso durante la más reivindicativa “Megalomanía”, con el mejor Kike Fuentes de la noche. El propio vocalista ejecuta de rodillas el coro inicial de “Indómito” para un corte que dejaría otra de las secciones solistas más fulgurantes del set.

“Este puede que sea el tema más pop del disco” bromeó Fuentes en relación a “Galileo”, composición que ya presentaran en aquél primer Luarca Metal Days. La enorme pegada de su batería aquí, no obstante, pareció quitar razones a su vocalista. Más heavies o más poperos, el caso es que, al final, todo es “Cuestión De Rock & Roll”. De este corte final llama la atención su tranquilo prólogo, distinto a todos cuantos plantearon. Un buen final en el que su frontman no se quiso olvidar, y es un detalle que le honra, del técnico de sonido de la sala. Se fueron pienso que habiendo mejorado con respecto a su anterior paso por Asturias, que era lo que les pedíamos. A continuar por esa línea.

Pasan veinte de las diez cuando las remozadas Cobra Spell irrumpen en el escenario de la Gong Galaxy Club y ya de primeras uno siente el buen ambiente que, según parece, se respira en el seno de la joven formación. El telón de fondo y la siempre llamativa Jackson roja de una risueña y muy activa Sonia Anubis. Kris Vega derrochando carisma y buena voz ya desde las primeras estrofas de “The Devil Inside Of Me”, con el Astray Valley Adri Funérailles demostrando desde su guitarra estar plenamente integrado en la disciplina del quinteto. Un inicio de lo más heavy que vendría a contrastar con los aires más hard rockeros y chulescos de “Satan Is A Woman”. Hale Naphtha, amén de propulsar a la banda desde los parches, no ceja tampoco en hacer coros o buscar la implicación del público. Tan dinámica como fiable, Cobra Spell tienen en ella un activo que harían bien en atesorar. A su lado suyo y en un rol mucho más discreto, la nueva bajista Bel Mena se mostró más reservada que sus compañeras. Pero supo sacar adelante el set sin mayores problemas y su bajo se dejaba sentir con fuerza en las primeras filas. En resumidas cuentas y para el escaso tiempo que lleva enrolada en la formación, ni tan mal.

En “Bad Girl Crew” Vega traslada a nuestro idioma la intro del original. Es aquí donde la idea de que esta es una banda que mejora con creces a su encarnación de estudio vuelve a sobrevolar. Una banda preocupada en todo momento de buscar la conexión con su gente, sin que ello vaya en detrimento del buen nivel técnico que poseen. Es verdad que, al menos en primeras filas y durante este parte inicial del show, costaba oír con claridad alguno de los solos de Sonia Anubis. Como cierto es que la de Haarlem no paró ni un momento. Muy activa, cambiándose de lado con Adri y tan risueña como implicada. Sería precisamente la guitarrista de origen neerlandés la que nos recordaría su anterior paso por esta misma sala (crónica) como introducción a una “S.E.X.” que viene a destapar la cara más hedonista, aún si cabe, del combo radicado en Barcelona. Otra buena tourné solista entre Sonia y Adri, amén del grito final de Kris, dieron un poco la medida del buen momento que atraviesan.

“Love Crime”, sin embargo, entrega ahora un mayor vértigo. En lo personal conecto en mayor medida con esta versión más metálica. Estupenda de nuevo Hale aquí tras los parches y unas Cobra Spell que, ya digo, saben manejarse en ambos registros sin mayores problemas. Kris nos dijo entonces que era el turno del que fuera primer single de la banda, no otro que “Poison Bite”, que daba a conocer a la banda allá por agosto de 2020. Torrencial aquí la propia frontwoman barcelonesa. En “You’re A Cheater” vuelven al hard rock más vacilón. Kris de nuevo tradujo la pequeña narración que alienta a Sonia antes del solo. Y de nuevo refulgió la inconfundible Jackson roja en manos de la espigada guitarrista. “La próxima es una canción que en esta tierra gusta mucho”, aseguró entonces Kris Vega, para proceder a introducir “Love = Love”. Un canto a la tolerancia que a buen seguro les gustaría tatuar en la cara a más de uno. Supone además un cierto cambio de registro con sus tonos más amables e incluso el saxo (pregrabado, dónde está Chema Menéndez cuando se le necesita) que hace las veces de solo.

Kris Vega anuncia entonces que llega el último tema de la noche, que resultó ser “Warrior From Hell”, invirtiendo tiempo en presentar a la banda, mandar al suelo al público (que pareció por la labor) y recordar, en alusión al 8M, que era el día de las “guerreras del infierno”. La sección solista, iniciada por Adri aquí y cerrada después por Sonia, pienso fue una de las más redondas de todo el set. Para el final quedaron “Accelerate”, con la banda derrochando una mayor intensidad aquí y la propia Sonia teniendo un pequeño percance con su inseparable Jackson. Con deciros que tardé más en apuntarlo en mis notas que ella en cambiar de instrumento os podéis hacer una idea de cómo de rápido solventó el percance. “Addicted To The Night”, que puede ser uno de los cortes que mejor resume la propia idiosincrasia de la banda, cerró finalmente el set de unas Cobra Spell que parecen pintar mejor a cada visita que realizan por estas tierras.

A quien se quedara con ganas de más o directamente se lo perdiera, le recordamos que Cobra Spell volverán a pisar tierras asturianas en la segunda edición del Luarca Metal Days (info). Por nuestra parte nada más que agradecimientos a la buena gente del festival por todas las facilidades dispuestas de cara a la confección de esta crónica, un saludo grande a la buena gente con quien departimos a lo largo de la jornada y ya saben: nos vemos en el siguiente.

Texto: David Naves
Fotos: Miguel Rubio

Crónica: Ciclonautas + Malaputa + Rienda Suelta (Gijón 1/3/2025)

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Triple presentación en la gijonesa Sala Acapulco la que nos ofrecía El Dromedario Records y que cortesía de la gestora de la sala pudimos disfrutar la noche del primero de marzo. Tres bandas (Ciclonautas, Malaputa y Rienda Suelta) sobre las que planea la alargada sombra de los navarros Marea y nada más lejos de la realidad, dejaron de facto la impronta de surcar su propio destino con un sonido y personalidad claramente distanciada del quinteto de Berriozar.

Arrancaban la velada el trio sevillano Rienda Suelta, curiosamente el formato de todos los grupos protagonistas de la noche. Enfrascados en la presentación de su primer disco «¿Dónde Está El Hombre Malo?» editado a mediados del pasado mes de febrero, Rucho Linares (voz y bajo), Charlie «Txarpa» Palacios (guitarra) y «La Bestia« Villagrán (batería) no escatimaron esfuerzos por agradar a la parroquia a base de líricas subversivas, irónicas y satíricas unidas a un apartado sonoro de querencia al mejor Rosendo, Reincidentes o los mismísimos Barricada.

Mediado su set nos agasajaron con un soneto dedicado a Xixón que el público recibió de buen grado, navegando entre las aguas de la sorpresa y la emoción. Temas como «Extranjero«, denuncia contra el racismo clasista, la fiestera «Turulo» o “Potra De Rabia y Miel” dan la medida de su buen hacer. Se ganaron un gran puñado de adeptos a la causa y las ganas de verles de nuevo por estos lares a tiempo completo.

Bones nueches, mareantes
de la Santa Catalina.
Me autoproclamo un amante
de la brisilla marina
que, de manera ambulante,
se acollerá en las esquinas
con cualquier acompañante
que la faiga pelegrina.
Munches gracies, asturianos;
vástagos de Don Pelayo,
de Riego y de Jovellanos.
Aquí muere mi caballo.
Va por ustedes, hermanos;
por gijoneses y playos.

Malaputa llegaban a la capital de la costa verde en la que era la tercera etapa de la extensa gira estatal «La Suerte Está Echada» en la que presentan su segunda obra de estudio «De Raíz«, publicada en diciembre del pasado 2024. El maestro Kolibrí Díaz a la guitarra, Euken Ubasos a la batería y Eduardo «El Piñas» Beaumont al bajo y voz volvían a la carretera 8 años después. Dato este más que suficiente para que la cita en la Acapulco fuera poco menos que inexcusable.

Rock orgánico, sin edulcorar, crudo y directo a la mandíbula son las señas de identidad de Malaputa. Es inevitable la comparación con la banda madre del 66% del combo, pero desde las primeras estrofas queda claro que su ADN es completamente distinto. «La Raíz» para arrancar y «Gasolina y Fuego» en la terna inicial marcan la dirección hacia la que se encamina el show. Apenas pausas, agradecimientos de rigor y homenaje a Barricada con una enérgica y malencarada versión de «A Toda Velocidad» señalan la triunfal marcha militar que el trio desgrana en la Acapulco.

Una puesta en escena en la que sobra parafernalia, salvo ese pie de micro coronado por la cabeza de un cuervo. Solamente el fluir de la música. Un repertorio de 18 temas que pasaron en un suspiro para dar un completo repaso a sus dos trabajos de estudio. Dejaron patente ser una banda con identidad propia y no el proyecto en solitario de un componente de Marea. Un trío con todas las papeletas para ofrecer noches irrepetibles de sudoroso rock & roll.

Apenas 6 meses habían pasado desde nuestra última cita con Ciclonautas, la parada en el ciclo de conciertos del Patioh de La Laboral junto a El Drogas (crónica) pero los alicientes para repetir eran poderosos. La salida al mercado de su nuevo disco de estudio «Ecdisis» era inminente y había muchas ganas de catar in situ alguna de las nuevas composiciones del trio navarro-argentino. No hubo que esperar mucho, tras una breve intro arrancaban su tiempo con «En Mi Espacio Sideral«, uno de los adelantos de la nueva obra.

Fieles a su curiosa forma de entender el rock, hay quien los etiqueta como stoner, continúan navegando por esos característicos desarrollos cuidados con mimo a lomos de un sonido nítido, una constante toda la noche. De aquí nuestra felicitación a los responsables de dicha faceta. Mai Medina exporta carisma aferrado a su telecaster mientas la base ritmica que componen Alén Ayerdi tras los parches y Javier «Txo» Pintor aseguran pegada y unas líneas de bajo de lo más elegantes.

Canciones de nuevo cuño como «Chinche Verde» y «Banderas Negras» se cuelan en el set entre temas ya imprescindibles como «Bombo Sicario» o «Agua Va«, todo ello sin que la conexión con la audiencia decaiga. Incluso un pequeño grupo entre el público ya reconoce los temas. Acabarían en el escenario acompañando a la banda, identificados como fieles seguidores del trio en lo que suponemos no era la primera cita con la formación en esta gira.

Para nuestra sorpresa El Piñas también compartiría tablas con Madina y cia poniendo su voz en «Dele Al Play«, ya en la parte final de su set. Aunque el titulo de la nueva obra haga referencia a la muda de piel necesaria para seguir creciendo, renovarse por fuera para lograr una inevitable expansión, Ciclonautas supieron conjugar pasado y presente para colmar las expectativas más exigentes de la audiencia de manera más que sobrada.

Una gran noche de rock, con 3 bandas que complementaron magníficamente sus particulares maneras de entender la música. Impecables en el escenario, cercanos y amables cuando se bajaron del mismo. Si puedes no te los pierdas, por estos lares ya hay ganas de repetir.

Texto y Fotos: José Ángel Muñiz

Reseña: In-Sanity «Searching» (El Subko Producciones 2025)

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Largo tiempo ha transcurrido desde que los thrashers asturianos In-Sanity debutaran en esto con la demo “Searching” allá por 1994. Compuesta por cuatro temas que la banda recupera y actualiza ahora con una formación en la que encontramos a Salvador “El Poyo” García (batería), Chus (bajo), Diego (guitarra y voz) y Víctor Casado (guitarra). Este álbum debut que hoy nos traen, y que lleva el mismo título que aquella demo de mediados de los noventa, ha sido grabado por la propia banda en su estudio, Diego a los mandos, para ser posteriormente mezclado y masterizado por Dani Sevillano (Unexpectance, Azure, Malverde…). El artwork corresponde a Tony Nekrosia y las fotos vienen firmadas por Eva Bustamante.

Toda vez supera esa introducción de tintes operísticos, “Wounded” va directamente al grano con un thrash metal de tintes heavies de lo más funcional. Directo, sin grandes florituras, con Diego moviéndose cómodo por tonos altos, que no imposibles. Me gustan esos engarces entre estrofas y los riffs que la banda dispone en ellos. Equilibrada una mezcla donde, si acaso, echo en falta un bajo con algo más de presencia que termine de apuntalar esa buena base rítmica. En cualquier caso In-Sanity dibujan aquí una vistosa y bien trazada sección solista. Un arranque directo y sin grandes complicaciones.

El tranquilo prólogo de “End of Wait” anticipa un metal más pesado y rugoso, con Diego moviéndose ahora en tonos ahora más amables. Medio tiempo donde el bajo de Chus gana ahora el peso y la presencia que eché en falta en el tema inicial. El cuarteto reivindica aquí su vena más heavy, acertando a sonar más americanos, con riffs que me recuerdan a según qué momentos de Metal Church en las partes más vibrantes. Me agrada la sección solista por el trazo tan diverso en que se apoya. También por ese deje tan maidenesco que dejan las guitarras dobladas camino del epílogo y la firme pegada de Salvador. Ágil por diversa.

“Suffocated”, que ya se encontraba en aquella vieja demo de 1994 y parece querer recobrar ese pulso más thrash de “Wounded”, acierta a fundir ese nervio con las influencias más heavies del cuarteto. De resultas de ello surge uno de los cortes con más gancho de todo el largo. Parte de la culpa reside en la fina elección de riffs. También en unos cambios de ritmo ágiles por donde asoman trazos no muy distantes del power metal más iniciático. Fácilmente el tema que más brilla de los nueve en lo que a producción y mezcla se refiere, rematado por una sección solista de las que ya no se estilan.

De la más breve “Insanity” podría esperarse unas revoluciones más altas. La banda aprovecha para dibujar un prólogo que siempre me recuerda a la primera etapa de los alemanes Rage. Apenas un guiño pues los asturianos optan aquí por una instrumental donde funden su amor por el thrash más incipiente al tiempo que lo inundan de solos que, a ratos, me traen de nuevo a la memoria a la banda de Steve Harris. Un corte en el que la banda parece disfrutar pero con el que conecto solo a ratos.

“Gloomy” se desliga del resto de temas del tracklist al ofrecer ahora un metal más pesado y en cierto modo oscuro por donde parecen colarse las influencias más alternativas de la banda, esos adornos que acompañan a Diego en las estrofas, construyendo otro de los cortes con más personalidad de “Searching”. Casi a modo de contrapunto, la sección solista se apoya sobre ritmos más vivos, enseñando finalmente un trazo de lo más clásico. Aún con lo diferente del tono. Estupendo Chus aquí, dibujando finas líneas de bajo tanto en esas partes más pesadas como en las más veloces del puente central. Quizá la que más ha llamado mi atención de las nueve.

“Before” resulta mucho más predecible, lo que no tiene por qué ser necesariamente algo malo. In-Sanity retornan al thrash / heavy más al uso, mostrando sin embargo alguna de las guitarras más rotundas y potentes de todo “Searching”. Acompaña Poyo con el doble bombo. Pero por si algo me gusta este sexto corte es por ese puente tranquilo, en la más pura tradición de los mejores Metallica. La forma en que implementan un mayor nervio ahí, el pequeño solo de bajo primero y el más ambicioso de guitarras después consolidan otro de los grandes hallazgos de este debut.

“Searching & Victimized” sorprende ahora con un nervio casi punk. Curiosamente, la forma en que Diego construye estas primeras estrofas y el riff en que se apoyan suele recordarme al clásico de la Reina “Stone Cold Crazy”. Más allá de peculiaridades, es un corte de trazo sencillo, casi elemental, que hace todo y más por derivar hacia la vertiente más despreocupada y thrash de los asturianos. Si bien pienso que el solo final merecía algo más de desarrollo, un corte que ya venía en aquella demo de 1994 y con toda la pinta de funcionar en directo.

“The Balance”, que por prólogo y primeras estrofas parece escapada de una sesión de grabación del mismísimo Ronnie James Dio, nos inunda ahora de un hard / heavy por el que se colará lo más granado de la escuela ochentera. Me agrada la línea de batería que trama Poyo aquí. Las guitarras no dudan en entregar dejes que me recuerdan a Europe, Dokken, primeros Def Leppard y compañía. Noto a Diego más exigido aquí, en especial durante el tranquilo puente. Por contra, me agrada la forma en que construyen todo el tramo final. Junto con “Gloomy” lo más diferente de todo el tracklist.

De ahí tal vez que hayan querido cerrar con la mucho más nerviosa y thrash “Living In Fever”, también de aquella iniciática demo de 1994. Un corte que no sorprenderá en cuanto a construcción pero que sirve a In-Sanity para sacar todo el pecho posible en cuanto a técnica. La última sección solista del álbum resulta tan extensa que el corte casi parece una excusa para su propio esparcimiento. Divertido broche final.

Qué son treinta años. La banda asturiana, resucitada en 2020 tras dos décadas en dique seco, entrega un debut que ejerce de pinza entre aquella primera demo y un puñado de nuevas composiciones donde se dan cita no pocas influencias. “Searching” abraza primeramente el thrash más clásico y formal para después picotear entre el heavy y el hard sin olvidarse de la cierta oscuridad de “Gloomy” o el nervio casi cercano al punk de “Searching & Victimized”. Imperfecto pero funcional debut.

Texto: David Naves

Reseña: Ravenblood «Absence» (Autoproducción 2025)

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Tras un lacónico “Absence” se esconde el nuevo trabajo de los catalanes Ravenblood, primero desde la entrada de Darío García en baterías. A su alrededor completan la formación Arnau Vallvé Gispert y Jose Luis Gil Hidalgo en guitarras, Raúl Romero al bajo y Daniel Pérez en voces. La banda no ha tenido a bien facilitarnos quién se encuentra detrás de las distintas labores de grabación, mezcla y masterización, así como del artwork. Sí que el álbum salió, en rigurosa edición limitada, allá por el quince de enero.

La pequeña “Intro” que abre la puerta a lo nuevo de los catalanes tiene un nosequé que me recuerda a alguna de las muchas bandas sonoras que ha compuesto el bueno de Danny Elfman, conjugado con tonos más épicos (y esperables) de una banda como esta. El caso es que da pie al tema título, un “Abscence” donde Ravenblood pronto se adhieren a esa corriente del melodeath más épico y fulgurante. Despachada con velocidad, también con buen gusto, hay estrofas realmente trabajadas aquí. Las baterías tienen un papel, quizá, a ratos algo predominante sobre la mezcla, que viene a oscurecer alguna de las buenas melodías que trazan Jose y Arnau. En cualquier caso, muy eficaz ese tono más melancólico de los estribillos y el doble bombo que los soporta. Agradable construcción del tronco central, que desemboca en ese cuidado solo final. Una interesante dupla inicial.

“Fracture” no se aleja de esa misma senda pero parece confluir hacia contornos que me recuerdan, particularmente en el prólogo, a los primeros trabajos de gente como Children Of Bodom, Norther, Kalmah… Ravenblood añaden algo más de groove y picante a la composición, atenúa las comparaciones y camina así por una senda más reconocible. La mezcla equilibra bien entre arreglos sinfónicos y los elementos puramente metálicos y la banda emerge con personalidad y fuerza. Hay buenos dibujos de Raúl al bajo en la partes más tranquilas. Un buen solo de guitarra antecede al epílogo. Y aunque echo en falta una línea de batería más rica en detalles, huelga decir que ésta no ahorra ni en blast beats ni tampoco en el uso del doble bombo, mostrándose más servicial que efectista. Otro buen añadido al tracklist.

“In Our Veins” resulta en un artilugio que trae al frente el lado más técnico de los catalanes. Colisiona un power alemán con su habitual death melódico y el resultado es, pienso yo, uno de los más lúcidos del álbum en lo que a amalgama de ritmos se refiere. Y es que la banda acierta al hilvanar ese trote más directo con entornos más crudos y desolados, con Dani exhibiendo tonos realmente oscuros. Tanto el trazo sobre el que se apoya el solo, como el solo en sí mismo, son estupendos. Uno de esos cortes diversos y bifocales pero que gana peso con cada escucha.

“Marked By Madness” se adhiere en mayor medida al libro de estilo del género. Por ahí puede haber quien eche en falta algo más de riesgo. De picante. Composición puede que algo previsible, salvada si acaso por el buen nivel técnico de la banda. También por el cuidado uso de arreglos. Un poco a la contra del corte anterior y aquél trazo más intrincado, “Marked By Madness” representa una adhesión casi total a los primeros días del género, destapándose finalmente como una apuesta tan disfrutable como predecible.

Notable el cambio de sonido que entrega la caja de batería en esta “Ravenblood” que viene a dar nombre a la banda. Otra andanada de death melódico en la más pura tradición del género, con la producción otorgando gran peso ahora a la voz de Dani. Buenos cambios de ritmo, con la base rítmica empastando al centímetro. Un trazo, a modo de montaña rusa, de lo más certero y eficaz. Tanto la construcción del puente, como el fuerte peso que adquieren los arreglos aquí, potencian la cara más sinfónica de la banda, que acierta a trazar un tramo final con un gancho de mil demonios. Fácilmente uno de mis momentos favoritos de todo el largo. Estupenda.

“Devourer Of Tales”, que “Intro” al margen pasa por ser el corte más rácano de todo el álbum, mantiene altas las pulsaciones a lo largo de un prólogo vibrante y descosido, rematado por unas más que vistosas líneas de guitarra. Composición que de nuevo vuelve a echar mano de un death melódico veloz y directo con la (fuerte) carga sinfónica como gran contrapunto. Hay momentos casi marciales junto con baterías realmente ágiles y veloces. El epílogo, con ese doble juego entre voz y guitarras, es estupendo. Por ponerle algún pero, bien merecía un final no tan abrupto. Un corte que disfruto en cualquier caso.

Arreglos mediante, “Throne Of Fire” ofrece el prólogo más épico del álbum. Sorprende sin embargo que la banda lo abandone después en favor de un metal más cercano a los distintos vértices sobre los que pivota este “Abscence”. Hay tonos realmente oscuros de Dani durante estribillos. Son estos de un cariz que sorprende por rocoso y pesado. También por el hábil contrapunto que suponen las distintas melodías que los acompañan. Llamativo uso de coros durante el puente pero, en resumidas cuentas, otro de los cortes que se queda a la cola del vagón de cabeza.

“Trapped In Silence” arranca desde un prólogo que rezuma elegancia entre el fuerte poso sinfónico que dejan los arreglos. Es precisamente esa carga sinfónica la que acompaña a Dani durante estrofas para luego dejar paso a los buenos engarces que realizan Arnau y Jose. Es un corte por donde se traslucen algunos momentos de calma. Nunca una calma tensa, sino más bien un anticipo de esos momentos más vibrantes y enfebrecidos. Me gusta el equilibrio que consigue la banda aquí. También como la mezcla acierta a equilibrar la voz de Dani con respecto al resto de líneas. Todo parece estar donde debe y la nota final se beneficia de ese esmero en las distintas labores de grabación y mezcla. Otra de mis favoritas de entre las once.

De lo más juguetón y pegadizo ese arranque de “Reborn In Darkness”, quizá uno de los momentos más amables de todo el largo. Que me agrada por la forma tan elegante en que la banda va circulando hacia unas estrofas con poca (diría que ninguna) rima con todas cuantas pueblan estas once nuevas composiciones. Representan el momento más cercano al goth que les recuerdo, oxigenando una cara B del álbum que corría cierto riesgo de reiteración. No dudo será uno de los cortes que más diversidad de opinión genere entre sus habituales. Algo a lo que quizá contribuya la fuerza sinfónica del puente central. El clímax final, enfangado por la suma de todas las líneas, supone uno de los pocos debes en cuanto a producción de este nuevo trabajo. Con eso y con todo un corte a buen seguro diferente a casi todo cuanto hayan hecho y fácilmente el que mayor personalidad posee de esta nueva cosecha.

La final “Leaving In Sanity”, con la caja volviendo a aquél sonido más plano de la propia “Ravenblood”, ofrece de primeras a los Ravenblood más amables, también los más atmosféricos, para lo que termina siendo un interesante juego entre los Ravenblood más furibundos y los más elegantes y casi podría decir pomposos. Un cierre bien equilibrado, que si bien no resume al disco, sí que ofrece pinceladas de algunas de las ideas que lo preñan. La buena ración solista que entregan en su parte final, el buen trato de los arreglos durante esa demostración técnica y el calmado fade out final suponen el toque final a otro interesante trabajo de los barceloneses.

No he comentado nada al respecto durante toda la reseña pero es cierto que el apartado lírico del álbum puede pecar de una cierta acumulación de lugares comunes. Orgulloso disco de género al fin y al cabo. En cuanto a composición se refiere, sus fans de siempre tienen razones más que sobradas para estar contentos. La banda vuelve a contener y resumir lo más granado de la escena nórdica, alcanzando incluso una cierta brillantez en cortes como la inicial “Abscence”, “In Our Veins” o la propia “Ravenblood”, sin olvidar el cierto atrevimiento de “Reborn In Darkness” o la distinción final que procura “Leaving In Sanity”. Sin que me conquiste en su totalidad, una más que interesante y cuidada adición a su cada vez más interesante catálogo.

Texto: David Naves

Reseña: State Of Crime & Science «S.O.C.S.» (Tunguska Media Factory 2025)

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Nueva entrega en formato Ep para la buena gente de State Of Crime & Science. Bautizado como la propia banda, lo componen cinco temas mezclados y masterizados por Diego Teksuo y que ven la luz vía Tunguska Media Factory. Asiduos de este medio se sabrán la formación de carrerilla. Refresco la memoria al resto: Osana K. en voces, Víctor Pérez Torres y Marc Segond en guitarras, José R. Ibáñez al bajo e Iván Fernández en baterías.

“SOCS” ahorra en introducciones banales y va directamente al grano. De entrada me agrada el riff que Torres y Segond traman aquí. También la curiosa línea de batería de Iván Fernández. Esa rotundidad inicial desaparece toda vez irrumpen las estrofas. Calmas, en la más pura tradición de la banda. Si es que se puede usar el término en una formación de (aún) tan corta trayectoria. El formal pero efectivo build-up hacia estribillos procura la irrupción de la mejor Osana, que brilla aquí con una de las mejores líneas de voz que le recuerdo. Encuentro detalles reseñables en ambas guitarras camino del solo. Y de éste me agrada que, cuando llega, lo haga sin florituras de cara a la galería. No negaré que he estado dándole vueltas desde que estrenaran el videoclip allá por el mes de octubre y que, a día de hoy, me parece uno de sus temas más redondos.

“Cursed Gift”, corte más extenso de los cinco, redirige ahora hacia tonos de una marcada melancolía. En la desnudez de sus primeras estrofas brilla la base rítmica de Ibáñez y Fernández, si bien el bajo del primero resulta algo enterrado en las partes más nervudas. Por cosas de la mezcla o quizá del (tantas veces odioso) Spotify. Hay algo en el estribillo que entrega Osana K. aquí que me trae efluvios del mejor post-grunge. La vocalista de S.O.C.S. brilla camino del epílogo, manejándose con gracia tanto en los tonos altos del tronco central como en los más sosegados del final. Tal vez eche en falta un solo de guitarra algo más ambicioso. En cualquier caso uno de los cortes con mayor personalidad del Ep.

Difícil no subirse a una “Vortex” con el gancho que poseen esos riffs del prólogo. La banda abandona el idioma de Shakespeare aquí para hibridar su habitual rock alternativo con un groove (apenas) desconocido para ellos. La producción filtra aquí y allá la voz de Osana y siento que acierta al hacerlo. Cuidadas guitarras limpias bajo las estrofas más tranquilas y un corte de esos que se agarra al subconsciente sin remedio. Tan híbrido como en ellos es habitual pero, ya digo, armado con una carga riffera pegadiza como pocas, de los cinco puede ser el que más brillo obtiene de la meticulosa mezcla de Diego Teksuo.

“Self-Delusion”, que disfrutamos en primicia en nuestro desplazamiento hasta Ribadeo (crónica), vuelve a abrazar un cierto groove, algo de la melancolía de la anterior “Cursed Gift” y por ahí construye otro de los cortes con mayor cuerpo del Ep. Rugen las guitarras aquí. De hecho diría que estas son las más broncas que les recuerdo. Al menos en lo que al estudio se refiere. Emerge de nuevo un cierto aire post-grunge en las estrofas más tranquilas. Redondea Osana con un estribillo hábil y con clase. Me agradan los detalles que entregan las guitarras camino del epílogo. También los buenos coros que irrumpen aquí. Eficaz.

“Last Days”, cierre y a la vez entrega más escueta del Ep, puede ser el corte que más recuerda al rock alternativo de los noventa. Lastrado en parte por lo escueto de su desarrollo, que no alcanza los tres minutos y medio, agrupa en cierto modo muchos de los vértices sobre los que acostumbran a pivotar sus composiciones: estrofas limpias, más intensidad en estribillos y brillo desde las guitarras en esas partes más nerviosas. También una base rítmica que no falla a la hora de bailar entre ambos registros. Una quinta entrega no fallida pero sí que tal vez algo discreta.

La edición física aún no ha visto la luz en el momento en que redacto esta reseña. Lo de dentro, esto es, la música, vuelve a pintar bastante bien. La banda sigue cómodamente instalada en ese cada vez más particular rock alternativo. Acertando en los juegos tonales y demostrando que saben moverse tanto en los registros amables como en los más iracundos. Siempre con clase y nunca con excesos, moderados pero firmes, distinguidos del resto de bandas de la vieja Asturias y en clara línea ascendente.

Texto: David Naves

Crónica: Kruddö + Nicotine Bubblegum + Ms. Missery (Avilés 15/2/2025)

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Velada con reminiscencias a los sonidos metaleros que se forjaron en los años noventa y a los estilos musicales que de ellos nacieron es lo que nos esperaba el pasado 15 de febrero en la Sala Malecón de Avilés con la actuación de tres bandas que tienen el stoner, el grunge, el metal alternativo e incluso el nu metal por bandera. Estilos alejados de mis gustos personales, a los que quise darles la oportunidad sorprenderme. Desde Bermeo llegaban Kruddö, desde Portugalete Ms. Misery, y ambos eran bien acogidos por los locales Nicotine Bubblegum.

El evento no parecía haber suscitado mucha expectación y a la hora prevista para la apertura de la sala pocos éramos los allí congregados. No hubo impedimento para que accediéramos al local en torno a las 20:05 horas y poder contemplar las tribulaciones de los músicos preparando el show, además de tener la oportunidad de disfrutar de precios especiales en cerveza en lo que vinieron a denominar «happy hour«, propuesta que, en cualquier caso, me parece una gran iniciativa.

Con algo de retraso sobre el programa previsto debido a las dificultades técnicas inherentes a la propia sala para lograr un buen sonido, difícil tarea incluso para Nefta Vázquez que estaba a los mandos, pasando veinte de las 21 horas salen al escenario de la Malecón el dúo Kruddö, formado por Jon Ander Santamaria tras los parches y Txaber Miravalles a cargo de guitarra y voces.

Tenía gran curiosidad por ver cómo se defendían en directo con tan solo dos instrumentos y ciertamente me pareció que la potencia que Ander imprime a su batería, la afilada guitarra, a la que doblaba el sonido en tonos más graves mediante su pedalera consiguiendo ofrecer líneas de bajo cuando eran necesarias, y la potente voz de Txaber llenaron el escenario sin mayor complicación para presentar se segundo EP “Nintzen” del 2023.

Empezaron con “Kill Bill /Kill Me” siendo el sonido general poco más que mediocre. Tras saludar a los presentes encaran “Artax” con una guitarra abrasiva, de sonido grueso, como si de un bajo se tratara, en una demostración de la versatilidad de Txaber para exprimir al máximo su instrumento.

Para el tercer tema de la noche, “Lorraine”, el sonido presenta, además, unos molestos acoples que resuelven desconectando uno de los monitores. Con todo y con eso la pegada de Ander hace retumbar la sala. Por algo son Kruddö.

Con un sonido algo mejorado presentan “Deadpool”, (“hablamos de pelis pero dándoles un punto social”, asevera Txaber). La canción fue muy disfrutada por el escaso público presente. Siguen desgranado los temas que componen sus dos EP intercalados con speeches reivindicativos incluso en defensa de la lengua asturiana y su oficialidad que, como mencionó, se consigue con su uso. Y lo dicen unos abanderados del euskera, pues todas sus composiciones versan en ese idioma.

Piden apoyo en redes para que los presentes suban sus fotos y les mencionen en sus publicaciones, desde aquí nuestro granito de arena, con el objeto de poder llegar a más oyentes en este complicado mundo musical, y pasan a presentar “Hammer Boy”. Incluso se atreven con un concurso ofreciendo un disco y una camiseta al que sepa la película en la que aparece el personaje de su siguiente tema, “Dr Shultz”, con un riff de guitarra en solitario antes de explosionar y conseguir uno de los temas más pesados del repertorio. Por cierto, el concurso quedo desierto pues ninguno de los presentes sabia o quiso decir la película en cuestión, no otra que la obra de Tarantino “Django Desencadenado”.

Aunque su carta de presentación afirma que practican stoner rock, lo de Kruddö es mucho más, se mueven con facilidad desde metal potente y con gran pegada al stoner con riffs machacones o al grunge en momentos más ásperos. Una lástima que su actuación se viera empañada por un sonido que no estuvo a la altura.

A las 22:25 horas suben al escenario los avilesinos Nicotine Bubblegum, cuarteto que forman Marco Valera en baterías, Pablo Fernández al bajo, Noé Grigera en guitarras y el hiperactivo Luismi Rose (Colmena y Leather Boys) en voces. Lo hacen para presentar «Twlight Sleep«, su propuesta de rock alternativo con corte grunge. Para su actuación la sala presentaba un mejor aspecto en cuanto a público, haciendo palpable el tirón que suscita incluir una banda local en el cartel.

Empiezan con “Fire In The Hole”, mi curiosidad por ver esa nueva faceta de Luismi quedó satisfecha tras las primeras estrofas en las que Mr. Rose ensucia su registro para ofrecer una voz más rasgada y grave de la que nos tiene acostumbrados en sus otras formaciones.

La calidad del sonido siguió sin permitirnos apreciar con claridad el potencial de la banda en “Space Eyes”, única visita a su EP de debut, o en “Youth Leisure”, con Valera ofreciendo una de las mejores líneas de batería de todo el set.

Con un riff inicial de pulsos cercanos al groove metal comienzan “M.U.I.L.”, que evoluciona a sonidos más grunge en los que la voz de Rose parece recordar al desaparecido Kurt Cobain. Continúan con el tema “123”, uno de los favoritos de este «Twlight Sleep«. En el tiempo necesario para el cambio de afinación, Luismi aprovechó para invitarnos a acompañarle en las labores vocales cantando el estribillo y agradecer la labor de Nefta, que se esforzaba por conseguir sacar lo mejor de los parcos medios con los que cuenta la sala.

Finalizan la descarga con la reivindicativa “War”, recordando la necesidad de paralizar todas las guerras tanto personales, familiares o globales y criticando a esos tecnócratas que quieren acabar con el mundo.

Una actuación que no dejó a nadie indiferente en la que eché en falta algo más de interacción entre los músicos que, sin abandonar su función principal, parecieron descargar todo el peso del espectáculo sobre su frontman.

Tras el oportuno cambio de escenario a las 23:35 horas salen a escena Ms. Misery presentando su último trabajo, «The Suicide Of Butterflies«, un EP, segundo en su discografía, en el que se mueven por los terrenos del grunge aderezado con metal alternativo e incluso nu metal, al que añaden una ambientación en la que los samplers y la electrónica juegan un papel muy importante.

El grupo que se subió a las tablas de la Malecón lo formaron Jon Ander Nane López (guitarra y programación), Jonatan “Toci” Rodríguez Pérez (guitarra), José Antonio “Mogo” Mogollón (batería), Asier Castro (bajo) e Ibon Saez (voz). La formación está en un momento dulce de su breve trayectoria pues recientemente formarán parte de la semifinal norte de la W.O.A. Metal Battle España, que les traerá de nuevo a los escenarios asturianos. Desde aquí les deseamos la mejor de las suertes.

Comienzan con su single “Hey Men, Amen”, tema tranquilo cuyas líneas vocales recuerdan a Pearl Jam, sensación esta que se repetiría durante gran parte de su repertorio. Visitan a continuación su primer EP con el tema “The Life You Live”, pasando a “The Navel Of The World”. El grupo no gozó de mejor sonido que los precedentes. Las limitaciones de la sala son evidentes y no consiguen mostrar todo el potencial de esta banda que suena, en general, algo embarullada, con predominancia del bajo y la batería eclipsando, en parte, la labor de las guitarras.

Retoman, a continuación, su «The Suicide of Butterflies» con los cortes “Get Out Alive” y “Vain Praid”. Esa voz con tintes grunge procesada por diferentes efectos y artilugios como megáfono, teléfono, trémolo, entre otros, consiguen que la banda no deje de sorprender. Todos sus temas cuentan con una introducción de samplers pregrabados que aportan seña de identidad a cada uno de ellos.

Pequeño contratiempo en el escenario donde una bebida derramada obligó a Ibon a parar un momento y limpiar el néctar que se acumulaba bajo los cables de su equipo, “más que nada por no electrocutarme”, aseveró, sirvió de interludio para seguir intercalando temas nuevos ”Do Extintion” con otros registrados en su reciente EP como “Alley-Cop”, corte que va ganando en intensidad con el transcurrir de los acordes. Intensidad que aportan sobre manera “Mogo”, que hace temblar los cimientos de la sala en cada pegada y Asier, que no deja de moverse aportando unas contundentes líneas de bajo.

Retornan a su primer trabajo con “The Urge”, de contundente riff inicial, para pasar, en mi opinión, a una de las mejores composiciones de su último trabajo, “Things That Worth The Pain”, tema de grandes arreglos a mayor gloria de Ibon que impregna toda la melodía de puro sentimiento, recordando, como en otras composiciones del set, a la voz de Eddie Vedder con ese toque melancólico.

Encaran la recta final del concierto con “Never Be Wrong”, “Holy Sinners, Wicked Saints” con voces nuevamente filtradas y estribillos con gancho para cerrar con “My Own Private Hell”, de su primer EP, agradeciendo a los presentes la respuesta recibida.

En su actuación Ms. Misery deja presente que creen firmemente en lo que hacen, y logran, mediante esa amalgama de estilos tan elegantemente combinados, que su propuesta tenga una identidad propia. Desde mi particular perspectiva echo en falta algún solo para mayor lucimiento de los guitarras y alguna pincelada de metal más tradicional, pero no cabe duda que ofrecen un buen espectáculo para los amantes de experiencias alternativas. Tendremos ocasión de verlos de nuevo el próximo 15 de marzo en el Teatro El Llar de Corvera dentro de la semifinal norte de la W.O.A. Metal Battle.

Me gustaría agradecer desde aquí a los grupos por la cercanía mostrada, y en especial a Kruddö por el detalle en forma de EP que nos entregaron, a la organización y a Luismi por acercarnos estas propuestas y por las facilidades para cubrir este evento y saludar a los colegas que nunca fallan. Nos vemos en la siguiente, hasta entonces, salud y rock and roll.

Texto y Fotos: Miguel Rubio