Apenas 130 días para la tercera edición del LION ROCK FEST. El 8 de noviembre la capital leonesa volverá a acoger el llamado paraíso del hard rock melódico en nuestro país, protagonizado este año por STEELHEART, SHIRAZ LANE, CHEZ KANE, REMEDY y PRETTY MAIDS como elenco internacional a falta de confirmación de la habitual banda nacional para completar el cartel.
La cita con el hard rock del más alto nivel tendrá lugar el 8 de noviembre de nuevo en el Palacio de Congresos y Exposiciones de León. El próximo lunes 23 de junio termina el plazo para adquirir entradas a 45 € + gastos a través de lionrockfest.comy Ticketmaster.
Segunda jornada delZ! Live Rock Fest donde nos las prometíamos muy felices gracias a un cartel con Salduie, Morphium, Noctem, Angelus Apatrida, Alestorm, Accept, Saurom y Lujuria. De nuevo con una meteorología que respetó a los zlivers y muchas ganas de pasar un gran día.
Pero empecemos por el principio. La jornada arrancaba al mediodía con los acústicos Kinnia y Débler Eternia, en la Plaza de Viriato a los que lamentablemente no pudimos acudir, cosas de tener nuestra base de operaciones a casi 100 kilómetros del festival. La velada anterior había sido larga con el desplazamiento desde Asturias y tocaba cargar baterías para lo que se avecinaba.
Ya en la tarde azotaba el sol en Zamora cuando los maños Salduie irrumpen en el Silver Stage y la gente tarda nada y menos en subirse a su particular folk metal. Muchos y variados los instrumentos que desplegaron sobre las tablas pero potente y nítido el sonido que emanaba del escenario. Las performances, arriba y abajo del mismo, sumaron a su propuesta. Y entre cortes bien construidos y altas dosis de diversión, resultaron el mejor antídoto al calor reinante.
Del folk metal de Salduie saltaríamos al thrash fulgurante de los cartageneros Injector. Y podríamos decir que el cuarteto fue una de las grandes sorpresas del viernes. No porque inventaran nada sino por la firmeza y a ratos también el feeling que entregó su propuesta. Con el guitarra Dani MVN llevando la voz cantante y Mafy ayudando en coros, enfrentaron a la audiencia del Z! Live sin ningún tipo de miramientos y, a fe mía, sumaron un puñado de nuevos afines a su causa.
Desataron incluso algún circle pit y en general hubo bastante movimiento durante el set. Ellos no se olvidaron de derrochar buenos detalles técnicos, siempre encapsulados en cortes rápidos, a veces violentos, pero siempre con un toque de cierta clase. Puro thrash old school para el día más estatal del Z! Live.
Con Morphium llegaría el tercer giro de tuerca de la jornada. Metal contemporáneo con elementos que iban desde el groove hasta el gothic, todo embalado en composiciones hábiles con Alex Bace al micro como inquieto maestro de ceremonias. Aunque contundentes, curiosamente, me agradaron en sus momentos más melancólicos. El público del Z! Live pareció disfrutar de sus breakdowns más marcados y violentos. Que me agradaran aún practicando un tipo de metal que no acostumbro a consumir, me parece el mejor de los halagos.
Hubo como digo bastante movimiento al frente del Silver Stage. El propio Bace no quiso perder la oportunidad de mezclarse con los suyos y bajó varias veces hasta las vallas, para ya casi al final, ser llevado en volandas por decenas de zlivers. Venían de girar por medio mundo y desde luego se les notaron las tablas y el rodaje. Una banda con un sonido propio y que, a buen seguro, no dejó a nadie indiferente a su paso por Zamora.
Siempre se hace raro un concierto de black metal a pleno sol. De ahí que los valencianos Noctem no lo fueran a tener nada fácil. Apretaba el astro rey cuando la banda, la imagen es lo primero, tomó el Copper Stage. Violentos y rabiosos, como mandan los cánones. Dispuestos a dar una buena ración de metal extremo a los más valientes. Servidor aprovechó entonces para echar un vistazo en los puestos de merchandising. También para estrechar lazos, que es algo para lo que también sirven eventos como este. Para cuando volví frente al escenario, la banda se deshacía en agradecimientos a quienes aún apoyan la escena extrema en nuestro país. Prometo mayor atención la próxima ocasión.
Y de Valencia a Albacete. El cuarteto thrash Angelus Apatrida no necesita de muchas presentaciones. La banda llegaba a Zamora en un gran momento de forma, empañado si acaso por la polémica surgida hace escasas fechas en torno al fondo de inversión KKR. En lo musical se mostraron tan sólidos como siempre. Si, además, el sonido acompaña, como fue el caso, la banda da con la tecla y bien pronto confirma su estatus. Para cuando suena “Indoctrinate”, hay liada una tremenda en Zamora. Guillermo derrochó voz y carisma, como en él viene siendo habitual, y Angelus Apatrida rubricaron otro gran set.
“Cold” nos recordó al mencionado “Aftermath”. El sonido era realmente atronador. Me atrevería a decir que uno de los mejores de la jornada. Ellos sin embargo no perdieron la ocasión de revisitar cortes más antiguos, como ese ya lejano “Give ‘Em War” o la más reciente “Sharpen The Guillotine”, con el mejor Guillermo de la jornada. En mi sincera opinión uno de los mejores estribillos de todo su repertorio y un cuarteto que sonaba todo lo sólido y potente que de él se esperaba. Como diría un clásico, no han inventado el pan pero saben hacer buenas tostadas. Ajenos a polémicas, reivindicaron su posición como punta de lanza del thrash estatal. Atravesando su mejor momento.
Del thrash punzante de Angelus Apatrida al metal pirata y fiestero de Alestorm. La banda llegaba a Zamora a escasas fechas de la edición de “The Thunderfist Chronicles”, su nueva obra de estudio. Y ya de entrada llama la atención su puesta en escena. El fondo verdinegro y los enormes patos inflabes. En definitiva se preveía fiesta y fiesta fue lo que ofrecieron.
No fue poca la gente que se acercó a verles. Pero me sorprendió la buena acogida que tuvo un corte de reciente creación como “Killed To Death By Piracy”. Pegadizos y disfuncionales, todo sea por la fiesta, se percibió tanto movimiento arriba como abajo del escenario. Ellos siguieron desgranando temas sin un segundo que perder. El set, de hecho, había comenzado con cinco minutos de adelanto con respecto al horario marcado. No serían ellos quienes se ahogaran justo en la orilla. “The Sunk’n Norwegian” fue quizá mi favorita de esta primera parte del set…
… pero es verdad que su propuesta corre a veces el riesgo de volverse un tanto repetitiva. No pareció ser el caso de una audiencia, muy joven por cierto, que disfrutó a lo grande de cortes como “Mexico” o “Zombies Ate My Pirate Ship”. Yo por mi parte agradecí alguno de los temas más lentos, por aquello del cambio de dinámica, pero en líneas generales diría que me agradaron. Son la cara más lúdica del género y como tal hay que entenderles.
El choque generacional entre el público de Alestorm y el de Accept fue, de largo, una de las notas más curiosas del viernes. Los más talluditos se plantaron frente al Silver Stage prestos a recibir a la legendaria formación alemana, ya con el espigado Wolf Hoffmann como único superviviente de sus años de gloria. ¿Pero qué importa cuando la banda, Mark Tornillo mediante, parece estar en mejor forma que nunca?
Al show de Accept se le puede achacar lo estudiado / premeditado que resulta todo. Dispusieron una cuidada puesta en escena, correspondiente a la gira de su último álbum “Humanoid”, pero el suyo sin embargo sería un set con la nostalgia como bandera. Con tres guitarras arriba del escenario, son “The Reckoning” y la propia “Humanoid” las que inauguran el set. Tornillo se mostró tan seguro, tan potente, como de él se esperaba. Parco en movimientos, es verdad, pero sin mácula en cuanto a despliegue vocal. Siempre en ese tono raspado que le caracteriza, comandando con mano firme a la bien engrasada maquinaria teutona.
Pero es cuando suenan “Restless And Wild” y “London Leatherboys” que el Z! Live es uno con la banda de Hoffmann. Reconozco que no me esperaba algo como “Straight Up Jack”, corte de su último álbum, pero dueño de un riff de los de toda la vida. La audiencia, claro, recibió de mucha mejor gana el pequeño medley (“Demon’s Night”, “Starlight”, “Losers And Winners” y “Flash Rockin’ Man”) que introdujeron. Mucha clase en riffs, un sonido nítido y potente, quizá eché en falta el sacar un mayor jugo al electrónico de fondo. Pero ya digo que en lo musical apenas cupieron pegas.
Porque eran el cabeza de cartel del viernes y ejercieron como tal. En particular cuando encararon la recta final desgranando un clásico detrás de otro. Todo sin que Tornillo perdiera la voz ni Hoffmann la sonrisa. “Princess Of The Dawn” sería de hecho uno de los cortes más coreados no ya de la jornada en concreto sino que del festival en general. Otro tanto se podría decir de “Metal Heart”. Estribillos que son verdadera historia de esto. La tripleta final, no por esperada, resultó menos gozosa: “Fast As A Shark” representó la nota más trotona del set, mientras que “Balls To The Wall” puso a prueba nuestras gargantas y ya finalmente “I’m A Rebel” cerró con su cara más lúdica y festiva. Un set ágil y diverso, desarrollado apenas sin mácula y en el que Accept, sobre todo, dejaron la sensación de tener cuerda para rato. Pocas bandas de su quinta estarán, a día de hoy a nivel semejante.
Pero al cartel del viernes aún le quedaba mucha guerra que dar. Y es que todos unos Saurom vendrían entonces a tomar posiciones en el Cooper Stage. Acudían los de San Fernando en defensa del aún caliente “El Principito” y no fueron pocos los que se posicionaron prestos a disfrutar de su conocido folk metal.
Y la cosa empieza siguiendo los mandatos del libro de estilo. Esto es, recurriendo al comienzo de su último álbum de estudio. Miguel A. Franco pareció mostrar un buen estado de voz y la banda sonó todo lo redonda que los suyos esperaban. Al menos en las inmediaciones de la mesa de sonido donde me encontraba. Lúdicos sin llegar al desparrame de Alestorm. Heavies sin llegar a la hondura (y en cierto modo) la crudeza de Accept, pero una banda que ha ido forjando su leyenda a base de esfuerzo y buenas canciones.
Y aunque reconozco que nunca me han llegado a enganchar, es encomiable el modo en que conectan con la gente. Una banda con el directo como fin, y no al revés, como tantas veces ocurre con formaciones del género. Sonaron muy redondos y es de agradecer. En el camino de ser verdaderos referentes toda vez los grandes nombres vayan cayendo en el inevitable retiro.
Para el cierre quedaba el particular heavy metal de los segovianos Lujuria. Óscar Sancho, luciendo un abrigo de cuero y tachas que ni Rob Halford, fue una vez más maestro de ceremonias. Nosotros, como quiera que les veremos en la próxima edición del Luarca Metal Days, y teníamos no menos de cincuenta minutos de coche hasta nuestro centro de operaciones, optamos por una pronta retirada. Somos fuego por dentro, corazón de heavy metal, sí, pero de vez en cuando también nos merecemos un descanso. Quedaba aún la jornada del sábado y había que reponer fuerzas. Nos vemos sin falta en Luarca.
La larga disputa legal por los derechos del nombre de Alcatrazz con su ex vocalista Graham Bonnet ha llegado a su fin. La Junta de Apelaciones y Juicios de Marcas de los Estados Unidos ha fallado a favor de los miembros fundadores originales de la banda, Jimmy Waldo y Gary Shea cerrando definitivamente el pleito con Graham Bonnet. Finalmente solo tendrá cabida una sola banda bajo el nombre de Alcatrazz.
La banda y Bonnet estaban enfrascados en esta disputa legal desde 2021. Durante el pleito se reveló el consumo excesivo de alcohol de Graham y el uso habitual de playback en las actuaciones en vivo afirmando una notable afectación a la marca y reputación de la banda. Tras dejar atrás este negro episodio las 2 partes parecen firmar la paz deseando lo mejor para cada uno. La banda formada actualmente por Giles Lavery a la voz, Joe Stump como guitarra, Jimmy Waldo a los teclados, Gary Shea al bajo y Mark Benquechea en baterías continúa su andadura con la reedición a través de Bravewords Records del álbum «Island In The Sun (Re-Opened 2025)» y la publicación del primer sencillo promocional:
En los meses de noviembre y diciembre se enfrascarán en una extensa gira europea junto a Girlschool y David Reeceque en estos momentos carece de fechas en España.
La 21ª edición del festival La Mar de Ruido que tendrá lugar el 15 y 16 de agosto en su habitual ubicación, el escenario situado en el Parque del Muelle de Avilés, desvela su cartel.
La jornada de viernes estará protagonizada por el retorno a los escenarios astures de Kiss Experience, Saratoga y los hard rockeros ovetenses Baja California. Este será el reparto de tiempos de la jornada:
Incidencia Acumulada 20:00 horas Baja California 21:00 horas Kiss Experience 22:30 horas Saratoga 00:30 horas
Como novedad esta edición contará con un segundo escenario, el Menéndez Stage, en el que a partir de las 20 horas actuará una banda local. El viernes Incidencia Acumulada, que cuenta con miembros de Madera Rock en sus filas y El Plan el sábado, que serán los encargados de amenizar el inicio de cada velada.
Una década cumplía el Z! Live Rock Fest en este 2025 y no era esta una cita que Heavy Metal Brigade fuera a dejar pasar. Con un cartel dividido en tres jornadas y un puñado de bandas de lo más diverso, el IFEZA y la ciudad de Zamora volvían a acoger un año más a gentes llegadas de todos los puntos de la península y fuera de ella. A grandes rasgos, nombres ya legendarios como Dream Theater, Accept o Sepultura junto a propuestas emergentes como Dynazty, Kissin’ Dynamite o Alestorm sin olvidar el metal extremo de Nile y Dark Funeral o la cosecha local con Angelus Apatrida, Injector o Ankhara eran aliciente suficiente.
El arranque de un evento de estas características siempre conlleva una pequeña incertidumbre. Un moderado nerviosismo. Pero toda vez recogemos las acreditaciones y accedemos al recinto, gran idea por cierto la de permitir a los medios el uso del parking anexo, hacemos nuestra habitual composición de lugar y accedemos a la que sería nuestra casa por los próximos tres días. Lo primero que uno ve son los habituales puestos de merchandising. El de las bandas, tanto como el oficial del festival, se encontraba sin embargo dentro del recinto cubierto del IFEZA. Fuera de él y bajo los rigores que el cielo zamorano gustara de imponer, se erigían uno junto a otro, ambos escenarios: Copper Stage a la izquierda, Silver Stage a su lado. Frente a ellos un buen número de bancos y mesas donde descansar y recargar fuerzas. Y, al fondo, los habituales food trucks, la zona de emergencias y los aseos. Una disposición muy diáfana, el recinto es lo suficientemente grande como para acoger a unas cuantas más de las diez mil personas diarias que, dijo la organización, llegaron a ocupar su sitio frente a las tablas.
Todo tiene su comienzo y su final. After Lapse, los prog metaleros de origen madrileño, iban a ser los encargados de inaugurar esta décima edición. Ni pronto ni tarde. El cumplimiento de los horarios rozaría lo estricto a lo largo de las tres jornadas. Ellos demostraron tener buen tino a la hora de armar buenos riffs y con ellos canciones entre lo elegante y lo vistoso. Con un voceras de circunstancias, Erik Rayne apenas llevaba dos semanas con ellos, sacaron adelante el set con toda solvencia. Nos agradaron.
Había ganas de ver a los daneses Vola. “Friend Of A Phantom” me parece uno de los discos más frescos de 2024 y su paso por el Copper Stage lo refrendó pero con matices. “We Will Not Disband” enseña ya la mejor cara del guitarra y voz Asger Mygind. Llama la atención la presencia de hasta tres teclados sobre el escenario. La banda haría buen uso de ellos para desarrollar ese prog que a veces roza con el djent. Ahí, en la cara más rota de la banda, Vola dan su verdadera medida. Hicieron un cuidado repaso por toda su discografía, pero me sorprendió que “Break My Lying Tongue”, single de su último largo, no constara entre las elegidas. Confiando en tener mejor suerte la próxima vez que me los encuentre.
Vuelta entonces al Silver Stage para disfrutar de los alemanes Kissin’ Dynamite. Es cierto que el mal sonido desluce “Back With A Bang”. Pero cuando los técnicos llevan a cabo su tarea y todo reconduce hacia posiciones de mejor equilibrio sonoro, los de Burladingen están rayando a gran nivel. En una encrucijada entre hard rok y heavy metal, representan la cara más lúdica del género sin perder fuerza ni eficacia. El pegadizo estribillo de “Monster”, sus a veces cuidadas coreografías, incluso la capa que Hannes Braun lució en uno de los temas. Todo sumó para que el público del Z! Live terminara por entregarse a ellos. Puede que sonaran no tan orgánicos como me esperaba. En cualquier caso, tremenda fiesta la que montaron.
El cartel del viernes iba a dar un giro aún más dramático con la llegada de los norteamericanos Nile. Los de Greenville (Carolina del Sur) no necesitan muchas presentaciones. Leyendas absolutas del death más técnico y brutal, llegaban al Copper Stage dispuestos a no dejar títere con cabeza. Su fama les precede y “Stelae Of Vultures” ya da muestras de su conocida brutalidad. Pero el sonido no llegó nunca a ser del todo redondo y, por ahí, su paso por Zamora resultaría un tanto agridulce. En cualquier caso, George Kollias está dando una masterclass de cómo enfrentar su kit de batería. Siempre tan seguro en la velocidad, por momentos inhumana, que es capaz de desplegar cada noche (tarde en este caso).
Ellos seguirían alternando temas de nuevo cuño, como ese “To Strike With Secret Fang” de su nuevo álbum, con piezas remotas como “Sacrifice Unto Sebek” o la muy coreada “Kafir”. Las voces rotas del también Morbid AngelDan Vadim Von y el OlkothZach Jeter contrastan con la mayor oscuridad de un seguro e incluso tranquilo Karl Sanders, verdadero alma mater del proyecto. “In The Name Of Amun” puede pasar algo inadvertida, de nuevo pequeños problemas técnicos aguaban las evoluciones del cuarteto. Pero cuando cierran con “Black Seeds Of Vengeance” y todos coreamos con ellos, Nile parecen confirmar su estatus pese a los inconvenientes.
Steve “Zetro” Souza abandonaba de nuevo Exodus a principios de este año por lo que el Z! Live iba a ser un buen termómetro de cómo ha caído en el seno de la banda la vuelta de Rob Dukes. El neoyorquino, cincuenta y siete años le contemplan, irrumpió en plena forma en el Silver Stage. El thrash metal más hiriente se haría carne en Zamora gracias a “Bonded By Blood”, que anda cumpliendo cuarenta años en este 2025, y donde ya Gary Holt y Lee Altus dejan claro que la suya sería una de las duplas guitarreras más y mejor compenetradas del evento.
Sorprende la vitalidad de una banda como esta. Porque Tom Hunting esta aporreando el kit de batería con un ímpetu casi adolescente. Y poco importa que “Zetro” ya no esté porque Dukes está dando su mejor nivel en “War Is My Shepherd”. Muy activo, siempre desafiante de lado a lado del escenario y dueño de una voz rotunda y lacerante como pocas. El duelo solista de “Brain Dead” me reafirma el nivel de la dupla Holt & Altus. Era jueves pero no fue poca la gente que se arrimó a disfrutar del mejor thrash metal, algo que habla y no precisamente mal de la salud del festival. Y es que nadie querría perderse a los americanos y acabar en la “Blacklist” de Dukes y los suyos. Aquí se repitió el juego del frontman con la guitarra de Holt mientras Altus soleaba al otro lado. Clásico gimmick ya de los estadounidenses.
Tras las habituales presentaciones llegaría el turno de volver al legendario “Bonded By Blood” para recibir una “A Lesson In Violence” que vino a confirmar su estatus de leyendas absolutas del género. Anthrax, Metallica, Megadeth y Slayer (a donde ha vuelto precisamente Holt) podrán ser el denominado Big Four del thrash, pero Exodus pasaron por Zamora a un nivel que ya quisiera cualquiera de las bandas mencionadas. Lo pensaba mientras caía un pequeño giño al “Raining Blood” de los propios Slayer antes de una brutal “The Toxic Waltz”. El wall of death que detonó “Strike Of The Beast” fue el broche perfecto a una descarga en la que Exodus no hicieron prisioneros. Con la vitalidad de unos adolescentes pero las tablas y la confianza que les otorga su ya dilatada trayectoria. Uno de los grandes shows del jueves.
A nadie se le escapa que la de Meshuggah iba a ser una historia bien distinta. La banda más sui generis del jueves. De todo el cartel, me atrevería a decir, padres putativos de lo que algunos dieron en llamar djent y que en Zamora establecieron, una vez más, su curioso estatus de banda de culto con reconocimiento masivo. Su propuesta a la vez monolítica e intrincada, su llamativa puesta en escena, los poderosos juegos de luces que desplegaron
… pero sobre todo la forma y el modo en que sonaron. Cerca, o en las inmediaciones mismas de la mesa de sonido, pocas veces he visto a una banda de este calibre sonar del modo en que lo hicieron los suecos. Pocos ajustes hicieron falta. Desde que desatan a la bestia con “Broken Cog”, de aquél “Immutable” de 2022, no queda otra que rendirse a la gran paradoja nórdica. Los solos de guitarra resultan extraños. Casi contraintuitivos. Pero cuando el ya poco menos que legendario Tomas Haake enfrenta ritmos más vivos, pocas cosas en este mundo rozan siquiera los niveles de furia e intensidad que desatan Jens Kidman y compañía.
Caía la noche en Zamora y de forma exponencial se magnificaba su puesta en escena. El humo, las llamativas, casi cegadoras luces. Y al frente, por muchos momentos inmóvil, Jens Kidman, cincuenta y nueve años recién cumplidos, comandaba a los suyos sin que su garganta pareciera acusar el esfuerzo. En contra suya se puede argüir su quietud arriba de las tablas. Que a ratos todo parezca en exceso premeditado y medido. Poco importa cuando redirigen a ese clásico ya ineludible que es “ObZen” y entregan una “Combustion” llevada a unas cotas de intensidad y precisión por momentos inmensurable. Una experiencia, y aquí cobra especial importancia el cómo, envuelta en un cierto halo trascendental. Casi místico.
Por ahí, claro, uno entiende que su propuesta no resulte del gusto de una amplia mayoría. Pero “if you know, you know” que diría aquél. Porque “Born In Dissonance”, ya caída la noche en Zamora, aún parece añadir unas cuantas décimas en lo que a magnitud se refiere. Serio, impertérrito Haake tras el kit, con la seguridad que da ser una de los baterías más influyentes y respetados a nivel mundial. Maestro indiscutible en una jornada en la que el Z! Live había conseguido reunir a tres de los bateristas más icónicos del metal mundial. El doble cierre, que no por habitual pierde un grado de eficacia, correspondió una noche más a la dupla “Bleed” más “Demiurge”. La primera, dueña con uno de los riffs más emblemáticos y celebrados del género, eleva el grado de trascendencia de la descarga para después desembocar en uno de esos cierres que quedarán para siempre en nuestras retinas. Colosales.
La cabeza de cartel del jueves correspondía a la vuelta de Mike Portnoy al seno de Dream Theater. Banda clave en el desarrollo y posterior establecimiento del metal progresivo como fenómeno de masas, el teatro de los sueños acudía a Zamora inmerso en los fastos de celebración de su cuarenta aniversario. Se dice pronto.
Banda fetiche del abajo firmante, acudí a la cita con sentimientos encontrados: feliz por la vuelta del hijo pródigo a las baquetas, inseguro con respecto a qué cara iba a ofrecer esta vez un James LaBrie quien, a su paso por Avilés en 2023 (crónica), había sembrado un mar de dudas. Suena la pieza que el gigante Bernard Herrmann compuso para la banda sonora de “Psicosis” y la sola irrupción de la banda provoca una de las mayores ovaciones del jueves. Ellos atacan con la reciente “Night Terror” y Portnoy no tarda en deshacerse en gestos y saludos al público. Petrucci dejaría ya aquí muestras de la inmensa clase y maestría que acumula en sus dedos.
En estos primeros compases LaBrie, si bien lejos ya de sus mejores años, pareció ser consciente tanto de sus virtudes como de sus debilidades. Su timbre nunca ha sido del agrado de muchos, pero me da la sensación de que supo defenderse mejor que en anteriores ocasiones. Con eso y con todo, no seré yo quien niegue que ciertos momentos de la dupla “Act I: Scene Two: II. Strange Déjà Vu” & “Act I: Scene Three: II. Fatal Tragedy” le vengan un tanto grandes al canadiense. De la sobria puesta en escena llaman mi atención los leds que adornan el (a veces inclinado) teclado de Jordan Rudess. El impasible teclista dio su mejor versión en la no poco icónica “Under A Glass Moon”, del legendario ya “Images And Words”. Ni cerca de lo vivido con Meshuggah, este es un animal bien diferente, pero sí que la tensión aumentó gracias a “Panic Attack”, con John Myung de repente altísimo en la mezcla (y ya es raro).
Portnoy se iría entonces al lado derecho del (inmenso) kit de batería para, desde allí, enfrentar una “The Enemy Inside” con LaBrie muy seguro en estrofas y no tanto en estribillos. El de Penetanguishene sigue con su recién adquirido hábito de irse al backstage durante los solos y, por ahí, la banda pierde uno de su mayores activos durante no pocas fases del show. Sea como fuere, Mike volvería al lado natural para una “A Rite Of Passage” de la que me sorprendió el caluroso recibimiento que tuvo por parte del público. Como celebrado fue también el solo de Petrucci en “The Dark Eternal Night”, uno de los cortes más contundentes del set, acompañado por ese doble juego vocal entre LaBrie & Portnoy y rematado por la buena outro de Rudess.
Portnoy volvería a cambiar su posición tras el kit para “Peruvian Skies” donde, una vez más insertarían dos pequeños escorzos de Pink Floyd y Metallica (Wish You Were Here y Wherever I May Roam respectivamente). Rudess echó mano entonces de su teclado portátil y añadió algo de color al set. En “As I Am” y, curiosamente cuando mejor estaba sonando, el micro le jugó una mala pasada a LaBrie. A perro flaco. Fue otro de los picos de intensidad de la jornada, tremendo una vez más Petrucci, y el broche soldado a fuego que supone la siempre exigente “Pull Me Under”. Ni cerca del nivel que me gustaría pero mucho mejor que en mi anterior encuentro con ellos.
La descarga de Rotting Christ era poco más que una incógnita para servidor. Banda que, pese a su dilatada trayectoria, nunca me ha llegado a enganchar, pero que congregó a un nutrido número de fans frente al Copper Stage. “35 years of evil existence” rezaba el electrónico de fondo. Su puesta en escena, sobria y oscura, casó con el dark metal que vinieron a desarrollar.
Dark metal, sí, porque si bien hay momentos en que la velocidad se dispara y las revoluciones aumentan, pienso esta banda poco tiene que ver con nombres como Noctem o Dark Funeral. Sea como fuere, los griegos se empecinaron desde el primer momento en buscar el enganche con su público mediante esos coros marca de la casa. El sonido acompañó. Y si bien sobre las tablas la quietud durante muchos momentos era casi total, abajo no dejó de haber movimiento. No era aún muy tarde y en el Z! Live aún quedaban ganas de pasarlo bien.
“Like Father, Like Son” acrecenta ese enganche con la audiencia. Sakis Tolis, guitarra y voz de los atenienses, demostró tanta seguridad como carisma. “Non Serviam” nos retrotrajo al disco homónimo de 1994 y la versión de Thou Art Lord “Societas Satanas” incluso desencadenó un wall of death frente al Copper Stage. El cierre, no obstante, fue para “The Raven”, que acrecentó la épica más oscura de los griegos. Sólidos, serios y sin mayor mácula. No me enganchan pero pocas pegas caben sobre su desempeño.
Si complicada es la tarea de abrir un festival, tanto o más lo es la de cerrarlo. El nutrido combo madrileño Vita Imana acudía a Zamora tres años después de entregar su último álbum de estudio, aquél “VI” de 2022, presta y más que dispuesta a no dejar títere con cabeza. Banda con poca rima dentro del cartel (Sepultura al margen), vino a poner la nota groove al cierre del jueves.
Intensos como demonios pero con el color que dan siempre las percusiones de Miriam Baz. El Cuernos De ChivoMero Mero no ceja en su empeño de mantener bien despierta a la audiencia. Y entre riffs contundentes y mucho mal café, cerraron la primera jornada como de ellos se esperaba. Vibrantes y concisos. Un martillo pilón que sabe perfectamente cuál es su lugar y obra en consecuencia. Un buen final de jornada.
Entrega homónima para los hard rockeros valencianos de Jolly Joker, de seguro una de las grandes realidades del género en nuestro territorio. Ellos son Daniele Panucci en baterías, Andreas Siegl “Andy” al bajo, Yannick Bonora en guitarras y Lazy Lane en voces. Compuesto por una decena de temas, adornado por el arte de Kako Navarro y puesto en circulación por la gente de On Fire Records.
La pequeña, vivaracha y pegadiza “World Collapse” se encarga de inaugurar las hostilidades. Siempre bajo el reconocible timbre de Lane, la banda pone todos sus cilindros a funcionar en un corte con todos los visos de funcionar como un tiro en sus directos. La producción se las compone para discernir entre todas las líneas presentes, atención especial al bajo de Andy y su buen hacer a lo largo de todo el álbum, y todo alcanza a un estribillo clásico, de los de puño en alto, con Lane en su versión más explosiva. Con él rivaliza, es un decir, el buen solo dispuesto por Bonora. Más que eficaz opener al homónimo de los Joker.
Me gusta la chulería que desprende “Shotgun” ya desde su mismo arranque. Un prólogo apoyado en un riff cuyo gancho parece residir en su propia sencillez. Aquello de “es solo rock and roll pero me gusta” que habré escrito en decenas de reseñas. El corte, claro, adquiere una mayor pegada toda vez alcanza las primeras estrofas e irrumpen alguno de los guitarrazos más contundentes de todo el álbum. Buenos detalles, adornos si lo prefierís, los que dibuja aquí y allá el propio Bonora y un estribillo que, a ratos, me recuerda a mis paisanos de Leather Boys. Formaciones ambas más que afines. Hay un estupendo duelo solista aquí. También cierta sensación de que la banda está más a gusto que nunca.
“I Just Wanna (Kiss You)” abandona ese mayor nervio para virar hacia territorios más ligeros y acomodados. Un tema bien cargado de feeling, algo a lo que contribuyen las buenas líneas de guitarra que ha dibujado Bonora. También esa interpretación un tanto más leve por parte de Lane. Uno del trío de temas por encima de los cuatro minutos dentro de este “Jolly Joker”, porta un buen solo de guitarra como anticipo del mayor nervio final. Un epílogo que vendrá a añadir algo más de picante a la mezcla, conformando un cierre tan clásico como eficaz.
Jolly Joker sorprenden no obstante con la más pesada “What The Hell”, un corte donde los valencianos se permiten el lujo de arrastrar su habitual hard rock, amplificando así el rango sónico del tracklist. Y sin que, a estas alturas, me parezca el corte más redondo del álbum, Lane parece más que cómodo a lo largo de su particular línea de voz. El solo de Bonora, nada comedido, casa a la perfección con ese aura más oscuro de la composición. Otro tanto podría decir de una producción que desde luego entiende la clase de tema que tiene entre las manos. Sin desagradar, ni mucho menos, lo cierto es que hay días en que me cuesta llegar a conectar del todo.
Caso contrario de la más tranquila y muy sentida “Broken Glass”. Jolly Joker en su faceta más tierna, sin caer en lo meloso o autocomplaciente, componiendo un corte en el que todo me funciona: la construcción de las estrofas, que van desde una cierta desnudez hacia el mayor nervio de los estribillos de la forma más cuidada y natural posible. Es el corte más extenso de la decena y, por ahí, se vislumbra el cariño con el que el cuarteto ha cuidado cada detalle. El solo de Bonora se adhiere con sumo cuidado al propio espíritu de la composición y fluye sin traicionar ni faltar ese alma tan marcada. Nada de manifestaciones egocéntricas o fuera de lugar. Estupendo desempeño de toda la banda aquí. Allá donde estén, Rob Turner y John Coleman, a cuya memoria dedican esta quinta entrega, tienen motivos de sobra para sentirse más que orgullosos.
“Demons Dance”, que puede tal vez engañar con un prólogo un tanto disociado del resto del álbum, hace por regresar hacia la cara más chulesca, hedonista incluso, de los hard rockeros valencianos. La banda recupera un mayor nervio aquí. Y lo hace sin excesos, tramando buenas estrofas primero y procurando una mayor pegada en estribillos después. Después hay llamativos coros, también un tono algo disociado de la propia composición. Un brevísimo puente y un Bonora que aprovecha para trazar uno de mis solos favoritos del álbum. Aún siendo como es uno de los temas más extensos de este “Jolly Joker”, pienso a veces que el epílogo bien merecía algo más de desarrollo. Otra de mis preferidas en cualquier caso.
Ruge la guitarra de Bonora en “Enough”. También Lane, que vendrá a situar aquí su registro más árido y gritón. Todo ello contribuye a que asome la cabeza la cara más metálica del cuarteto. En estribillos y aunque sea de forma tímida, hay detalles que les acercan incluso al rock alternativo más casual. Por ahí una de las composiciones con más personalidad de este “Jolly Joker” y una muestra más de la propia versatilidad de la banda.
“My Little Cadillac” ahonda en esa misma idea. El disco pega otro volantazo y la banda profundiza en sonidos cercanos ahora al rockabilly más seminal. Aquí no obstante lo que me sorprende es el cambio de ritmo que se produce en el puente central y el llamativo solo que Bonora dispone sobre él. Tan curiosa como escueta.
Otro corte que sucede en poco más que un suspiro es “Sweet Pleasure Pie”, donde la banda recupera un tono más habitual para entregar un rock nunca carente de feeling. Particularmente en estribillos. El tono por el que Lane opta ahí, así como los hábiles riffs de Bonora vendrán a contrastar con el mayor nervio hacia el que se conducen más adelante… y a una pequeña sección solista que, siento con cada escucha, me deja con ganas de más. Con mucho el corte del álbum que más acusa lo escueto de su duración.
En cualquier caso “Sweet Addiction” supone un corte final en el que los valencianos parecen dar su mejor versión. Lane está fantástico tras el micro, la producción acierta con esos coros que revisten los estribillos y Bonora parece habérselo pasado en grande componiendo y a falta de un solo más protagonista, bien está ese mayor nervio que el corte acoge en su tramo final. Trazo clásico y por ahí de lo más eficaz.
No diré que me decepciona la que vendría a ser la cara B del álbum pero cierto es que, al menos a día de hoy, cortes de comienzo del disco me agradan (o me enganchan) en mayor medida. “World Collapse” es un gran tema apertura y “What The Hell” sorprende con ese tono árido y contundente. “Broken Glass” es uno de los grandes hallazgos de este nuevo trabajo, reluce todo el cariño que parecen haber puesto en esa composición, y “Demons Dance”, aunque se me quede algo coja al final, me parece otra de las más redondas. Luego hay cosas como “Enough” o “My Little Cadillac” , que me gustan más por lo que tienen de refractario al resto del álbum pero algo menos en cuanto a composición. “Sweet Pleasure Pie” de hecho creo que daba para un desarrollo algo mayor (al fin y al cabo, el disco apenas supera la media hora) y “Sweet Addiction” cierra abrazando orgullosa el libro de estilo del género. Y todo esto, al final, da un poco igual pues estamos ante un animal de directo como habrá pocos en nuestro país. Así nos lo han hecho saber en alguna ocasión y del mismo modo esperamos ser testigos en la próxima edición del Luarca Metal Days. Os citamos a todos allí.
El próximo jueves 19 y el viernes 20 de junio el avilesino Santa Cecilia y la ovetense Sala TribecaLive serán el epicentro de los dos conciertos con los que se rendirá merecido homenaje al histórico locutor y periodista musical Alberto Toyos, fallecido el pasado 12 de abril.
Dos docenas de bandas y más de treinta músicos protagonizarán las 2 jornadas que contarán con acceso libre hasta completar aforo. Stormy Mondays, José Manuel Tejedor, Alexandra In Grey, AC Soul, Pico & Kike Lusquiños, Tete Bonilla, Toni «Marvel» Bustamante, Luis Núñez, Javi Savoy, Boby Pronorte, Felipe Del Campo, Rafa Laviada y Carlos Martagón se pasarán por el escenario avilesino. El viernes en Oviedo actuarán Jorge Martínez (Ilegales) , Los Berrones, Alberto & García, Vaudí, The Electric Buffalo, Muñeco Vudú, Los Ruidos, El Bueno, El Feo y El Malo, Johnny Penicilina y Los Frixuelos Eléctricos, Alto Volto, Luís Dada y La M de Matilde.
Se hacen llamar Ethiva, vienen de Asturias y son Javi Lorenzo en guitarras, Camil Cinnamon en voces, Ramón Fernández en baterías e Iván Muñoz al bajo. La música de este “Beaten Track” que hoy nos presentan vino al mundo los OVNI Estudio con Sergio Díaz (Firu) a los mandos, mientras que las voces serían registradas por Sergio Rodríguez, quien se encargó igualmente de mezcla y master, en los Tutu Estudios. El arte de la portada recayó en el Ossobüko Studio y todo el conjunto sería editado por Clostridium Records el pasado 13 de mayo.
El prólogo de “Rolling Freeze” pone de relieve a los Ethiva más entusiastas. Y, desde ahí, construye un ida y vuelta entre ese mayor vigor y una tensión más apaciguada y psicodélica. El trabajo en cuanto a mezcla y producción es excelente, algo que se deja notar aún con auriculares y cuando esta reseña se está realizando a través del propio bandcamp de la banda y no sobre una copia física del álbum. Todo llegará. Camil traza estrofas precisas, bien apoyadas en su registro hábil y juguetón. Luego hay ecos floydianos en los solos de guitarra y siempre un bajo en constante movimiento, trazando siempre líneas interesantes y pegadizas. Un corte extenso, por apenas un segundo el que más de entre los seis, y que ya da muestras de por dónde van los tiros en esta nueva obra de los asturianos.
Camil Cinnamon comanda tras el micrófono una “Cut The Top” que sirvió como anticipo de este “Beaten Track”. Aquí las guitarras recorren contornos más ligeros, envueltos siempre en esa bruma casi onírica que propician las afinaciones por un lado, la propia producción por el otro. Me agrada cómo se conducen a lo largo de las estrofas. Cómo todo desemboca en inteligentes escorzos técnicos. Estos van medidos con suma precisión. Engrasados con el propio tono de la composición, dispuestos en favor de ésta y no del ego de cada cual. Me gusta la pesadez más alucinada del puente central, así como el solo que desarrolla Javi Lorenzo. A caballo siempre entre el prog y la psicodelia, Camil Cinnamon mediante, la banda deriva entonces hacia su vertiente más amable y soñadora. Ecos de la Grace Slick de Jefferson Airplane antes del epílogo. Algo que considero es siempre buena señal. Para el cierre queda esa encarnación más ruidosa y directa. Con un gancho de mil demonios, por cierto. Estupenda, y fíjate que en primeras escuchas me parecía algo enrevesada de más. Ahora y en cambio, no puedo dejar de escucharla. Cuestión de darle a las cosas la importancia y el tiempo que realmente merecen.
“Run Far Away” parece acogerse a esa vertiente más ruidosa y vivaracha. Ramón Fernández está trazando una cuidadísima línea de batería en estos primeros compases. Para cuando irrumpen las primeras estrofas y regresa la calma, Kayo Dot (y alguno que otro de los proyectos de Toby Driver) no tardan en acudir a mi subconsciente. Es un corte más comprimido en cuanto a tiempo. Algo que se deja notar en una construcción que, aún con sus idas y venidas, resulta un tanto menos ambiciosa en comparación con sus compañeras de disco. Pero Camil Cinnamon está fantástica al micro. Derrochando por igual rango y carisma. Pese al mordisco en cuanto a duración no pienso que caiga en saco roto. Al contrario.
De una belleza profunda y arrebatada, el tranquilo prólogo de “Mountain Claim” es todo lo que está bien. Ethiva lo rompen en bloque para que, un poco a trompicones, Camil Cinnamon vuelva a ejercer de maestra de ceremonias. Su registro se dobla con la guitarra de Javi Lorenzo y, por pura colisión, surge uno de mis momentos favoritos de todo el largo. De guitarras reverberantes en el solo primero, y de tonos más misteriosos después, la composición va atravesando recodos y contornos siempre llamativos y atractivos. Y es que Ethiva vuelven a otra de esas escrituras diversas por retorcidas, que confluyen ahora en un tronco central descosido y ruidoso. Y no quisiera decir que todo el largo epílogo podría caber bajo el paraguas del rock experimental, pero ciertamente se deja sentir un leve aire a jam improvisada que le sienta como anillo al dedo. El juego entre Cinnamon y Lorenzo aquí es, sin pensarlo mucho, otro de mis (varios) momentos favoritos de este “Beaten Track”.
“Red Lights” propone ya de entrada un prólogo atrevido y lleno de personalidad. En él, Cinnamon está desarrollando notas realmente altas. Los riffs que entrega después Lorenzo pueden no resultar tan atrevidos, pero vienen apoyados por una base rítmica tan desatada como concisa, por contradictorio que ésto pueda sonar. Brilla Iván Muñoz al bajo en el brío pero también en la calma. Que la hay. Otra escritura en montaña rusa, plagada de cambios de ritmo y donde el juego entre las distintas intensidades que proponen nunca suena artificial o deslabazado. Muchas líneas confluyen aquí. Y, sin embargo, la mezcla no se resiente ni lo más mínimo. Prueba una vez más del cuidado con el que la banda y técnicos han tratado a estas canciones. Estupendo ese epílogo y los tonos, de nuevo altísimos, que Cinnamon imprime en ese tramo final. Estupenda.
Libre y de nuevo entusiasta Lorenzo durante el prólogo de esta “Summertime”. Aquí surgen unos Ethiva un tanto más bailables y pegadizos. Siempre sin perder la conexión con su habitual rock psicodélico pero aportando una pizca más de personalidad a este corte final. Hay cambios de ritmo que me recuerdan a ciertos momentos de King Crimson. También a los ahora desaparecidos Acid Mess, quizá la banda de la región con la que más puntos tengan en común. Largos solos de guitarra primero y una Cinnamon erigida en total protagonista después. La mezcla introduce luego un curioso juego entre canales, desplazando la voz a izquierda y la guitarra a derecha, integrando la base rítmica con toda precisión y procurando todo el espacio posible al buen desarrollo técnico de los asturianos. Oníricos y elegantes. Un cierre de disco de una marcada espacialidad, a caballo entre lo alucinatorio y lo improvisado, para un curioso y personal abroche final.
No es el tipo de música que más acostumbramos a tratar por aquí y, sin embargo, qué agradable sorpresa la vuelta de Ethiva. Rock psicodélico de primero orden, acompañado de una voz llena de fuerza y carisma, unos trazos cuidados con todo cariño y unas producción y mezcla a la altura de cualquier banda foránea. Que es lo que tiene fundir dos de los mejores estudios de la región en un solo álbum. El resultado salta al oído. Un disco más que adecuado para sobrellevar los rigores del verano en ciernes. De esos que, reza el tópico, ganan una barbaridad con las escuchas, cocinado en el punto justo entre la ambición y la elegancia. Sin sobresalir del género ni romper fronteras pero mimado cada detalle hasta las últimas consecuencias. Agradable y estupenda sorpresa.
HEAVY METAL BRIGADE 