01 Inner Flame 02 Sons Of The Serpent 03 Marrow Of The Soul 04 The Architect 05 Beyond The Veil Part I: Mirrors Of Doom 06 Beyond The Veil Part II: Necromancer 07 The Golden Crest (The Ritual, The Curse, The Path, The Light)
La grabación cuenta con mezcla de Javi Felez, guitarra en Graveyard, Balmog y Korgull The Exterminator, realizadas en los Moontower Studios (Balmog, Altarage, Crisix…). El proceso de masterizado a tenido lugar en Orgone Studios por Jaime Gómez Arellano (Ghost, Opeth, Behemoth, Solstafir….). La preventa arrancará a finales de este mismo mes de abril y el primer tema de adelanto llegará en mayo.
Presentado por todo lo alto en Gijón mediado el mes de marzo (crónica), “Electricidad” trae de vuelta a los chicos de Baja California seis años más tarde de aquél “Horizontes” de 2018. Han intervenido en este nuevo trabajo Manu Roz en voces, Javi Monge y Aarón Galindo en guitarras, Javi Hernández “Cete” en bajo, Pablo Viña en baterías y Marco A. Guardado en percusiones. Producido por el propio Viña en conjunción con Dani Sevillano, los nueve cortes que componen este tercer largo de los asturianos fueron grabados a caballo entre Piedramuñiz y el Ovni Estudio para ser posteriormente masterizados por Brad Backwood de Euphonic Masters. Con fotos y diseño de Tigre Limón y Laura Estrada, ha sido editado por El Dromedario Records.
Arranca “Caída Libre” haciendo honores a su propio nombre. Baja California despliegan un hard plagado de buenas maneras y mejores ideas. Las más en lo tocante al fino trabajo de producción, pero también a unas líneas de guitarra repletas de detalles. Por contra, he de admitir que no me conquista el sonido de la caja durante este primer corte. Pero Manu Roz vuelve a descolgarse como un frontman de gran clase. Sin grandes excesos ni mayores alardes, sabiendo mostrarse ágil dentro de la cierta contención con la que afronta las distintas estrofas. Una escritura menos plana de lo esperado y el buen solo de su tronco central rematan un arranque breve, de hecho el más rácano de todo “Electricidad«, pero de lo más eficaz.
“Tiempo Suicida”, por su parte, se mueve en ritmos más pesados y también chulescos. “No hay más vida que enseñarme a morir” declama Roz sobre alguno de mis riffs favoritos de todo el álbum, acompañado con gusto por unos coros cristalinos a la par que potentes. Aquí sale a relucir, claro, la buena producción que portan estas canciones. El empaque que da ahora “Cete” desde las cuatro cuerdas, el deje más alucinado que aportan las voces filtradas de Roz o la inteligente construcción del solo y lo muy juguetón del epílogo terminan por conformar una de las ofertas más redondas de todo el largo.
El tema título “Electricidad” lo hace todo por devolvernos a Baja California en su encarnación más febril en una composición que me recuerda a los Uzzhuaïa más vibrantes. Aquellos de cortes como el poderoso “Desde Septiembre” del eternamente reivindicable “Destino Perdición” de 2008. Aquí, claro, sobresale Viña tras los parches, mientras que las guitarras de Monge y Galindo juegan a encontrarse sobre unos riffs lo suficientemente hábiles como para no palidecer ante la mayor vibración que desprende la banda aquí. Hábiles desde luego a la hora de alimentar a estos Baja en su versión más adrenalítica. Fenomenal sección solista, por cierto.
Así las cosas, “Dueños De La Noche” nos regresa a la banda en una piel mucho más apaciguada que termina por revertir en uno de los cortes con más gancho de todo “Electricidad”. El talk box le da a la línea de guitarra un inequívoco sabor a Richie Sambora y, desde luego, los coros que acompañan al estribillo no podrían recordar más al hard de los ochenta en general y a los mejores Bon Jovi en particular. En el debe lo predecible que resulta a ratos. Single adelanto para lo bueno y también para lo malo.
Sobresale “El Mago” por el exquisito cuidado con el que Monge y Galindo han trazado sus correspondientes líneas de guitarra, por el tratamiento que la producción otorga a la voz de Roz y diría incluso que por el aspecto lírico de la misma. Sus contrapuntos entre estrofas y estribillos no podrían estar más conseguidos ni el cierto aroma a The Cult que desprende a veces resultar más irresistible. La estupenda línea de batería remata otra de las composiciones que, al menos en lo que a servidor concierne, más han ido ganando con las sucesivas re escuchas del álbum.
“Indomable” opta por un avanzar más arrastrado en estrofas, que culmina en otro de esos estribillos a coro tan pegadizos, tan marca de la casa. Me agrada la desnudez que muestran algunas estrofas, la mayor vehemencia de Roz tras el micro y, si bien vuelve a resultar uno de esos trazos fácilmente predecibles, lo cierto es no deja de ser un corte con gancho y pegada, rematado por otra estupenda sección solista en anticipo del epílogo. Más pasional que cerebral.
“A66”, quiero pensar que en referencia a la autovía que cubre el trayecto entre las ciudades de Gijón y Sevilla, le sirve a Baja California para entregar ahora su cara más equilibrada. Sus riffs dibujan un deje más sureño. Leve, sí, pero lo suficiente como para, por ahí, disociar a este corte del resto de composiciones dentro del disco. Su letra, sí, puede resultar algo recurrente y/o dejar cierta sensación de déjà vu. Incluso siento los solos algo por debajo de la media de casi todos los que pueblan el álbum. Sí me agrada, por contra, el mayor nervio que el corte adquiere camino del epílogo. A la contra de “El Mago”, una canción que se me ha ido desinflado con las distintas vueltas al CD.
Todo lo contrario que “Grita”, quizá porque en el fondo resulta una composición algo diferente para ellos. Por lo ágil y diverso de su construcción. También por esas guitarras más potentes y por el fino, finísimo trabajo de producción que ésta ofrece, particularmente en estribillos. El crescendo que conduce hasta los solos de guitarra está tejido con las dosis justas de gusto y precisión. Y finalmente, el aseado epílogo termina por redondear otro corte de esos que levantan el ánimo de cualquiera. Fíjate que este tipo de letras me suelen dar urticaria y, por alguna razón, no llega a ser el caso aquí. Algo tendrá.
El cierre es para “20 Monedas”, composición más extensa del álbum y un corte con un inicio sin rima alguna con cualquier homólogo dentro del tracklist. Ahí aparece Roz casi desde las profundidades para acompañar otro trazo que viene a mostrar la cara más chulesca de los asturianos. La estrofa….
Dónde se esconden los locos
que hilan canciones para ocultar
que ayer el asfalto venció a Superman
el hombre de acero ha olvidado como pelear
puede ser fácilmente mi favorita de las muchas que pueblan este “Electricidad”. Vitalista a su manera, bien trenzada, con Roz, ahora sí, en tonos muy altos y desde luego eficaz a la hora de cerrar este tercer trabajo con un cierto toque de distinción y elegancia sin por ello abandonar el pulso más decididamente hard rockero. Gran broche.
Los chicos tienen motivos más que de sobra para estar satisfechos. Hay canciones aquí dentro que apuntan a fijas en sus setlists durante largo tiempo. De algunas ya pudimos comprobar su efectividad sobre las tablas de la Acapulco el pasado dieciséis de marzo. Por contra, cierto es que el álbum no alcanza siquiera los cuarenta minutos, algo extraño en estos tiempos de trabajos maratonianos o directamente interminables. Echo en falta de igual modo un corte con la profundidad y casi diría el corazón de la fenomenal “Años Atrás”, pero con eso y con todo, cortes como “Caída Libre”, “El Mago” o “Tiempo Suicida” me parecen de lo más disfrutables. A seguir por esa senda.
Sorprendieron a propios y extraños a su paso por el Kuivi PopUp allá por el verano de 2022 (crónica) y vuelven ahora con nuevo trabajo bajo el brazo. Vienen del País Vasco, se hacen llamar Elizabeltz y en su seno encontramos a “Anarkangela y los señores de la plaga roja”. Ekaitz Garmendia se encargó de grabar este “Alabaren” en los Blackstormstudios, que contó con Jon Fonda para el apartado fotográfico y ha visto la luz vía On Fire Records.
“Levitico 15” emerge desde las profundidades cual criatura abisal mientras recubre su enrevesada estructura de una potente carga sinfónica y atmosférica. Hay riffs muy simples aquí, colisionando con secciones más retorcidas y casi dementes. La peculiaridad que les otorga el cantar en euskera, la colisión entre géneros de la que hacen gala y una serie casi inacabable de influencias se dan cita en un primer corte que he aprendido a apreciar sólo con el correr de las distintas escuchas. Los más clásicos apreciarán la mayor elegancia que dibujan en su tronco central, así como el cuidado solo que lo remata. Un arranque que ya deja pistas de la propia y peculiar idiosincrasia del álbum.
Ghost aparecen citados de manera explícita en el kit de prensa que nos ha hecho llegar la buena gente de On Fire Records y ciertamente “Amaon” carga con influencias fácilmente asimilables a discos como “Opus Eponymous” o “Infestissumam”. Hay una cierta oscuridad, compensada no obstante por una escritura más directa, huérfana de aquél mayor retorcimiento del que hiciera gala el tema apertura, hábil a la hora de descubrir el lado más clásico de Elizabeltz. Blue Öyster Cult podría ser una rima recurrente en ciertos momentos. También Coven, toda vez el corte transita hacia una mayor intensidad en su tronco central. Estupendo el solo que colocan aquí y la forma en que termina imbuido del propio espíritu de la composición y sale, finalmente, victorioso ante la adversidad. Menor riesgo, mayor solidez. Un temazo si me preguntan.
Me gusta “Mantra Berri” con ese avanzar casi marcial que propone y los ágiles dibujos melódicos de su prólogo. Elizabeltz discurren después hacia un metal más nervudo, coronado por alguna de las voces más graves de todo “Alabaren”. Surge ahí un interesante contrapunto con unos estribillos más ligeros, aunque igualmente dramáticos. Pegadizos, no os extrañe que os asalten al subconsciente a lo largo del día. A servidor le ha pasado. En su segunda mitad, Elizabeltz acometen un rock más alucinado, no quisiera decir que rozan la psicodelia, pero que desde luego descubre su cara más lisérgica:
Por eso quizá que sorprenda tanto algo como “Gabriel Ala Deabru”, con la banda derivando sin complejo alguno hacia el hard rock más acomodaticio. Al menos en lo que a su prólogo se refiere. Tras ese arranque que, sin ir más lejos, podría haber firmado un joven y lozano Bon Jovi, surge otro corte marca de la casa: tozudamente diverso, que vuelve a recordar en cierto modo a la banda de Tobias Forge y que guarda en su seno no pocos destellos de calidad. El principal, al menos en lo que a servidor respecta, es el gran trabajo llevado a cabo en lo que a voces se refiere. Tanto en las líneas principales, duales y a la vez solidarias, como en los coros que las acompañan.
“Kurtzio Udazkenean” quiebra ahora hacia tesituras más arcanas y misteriosas. Monacales incluso. Baste oír las llamativas estrofas y la levedad en que se apoyan. La mayor tensión de su tronco central, así como el alucinado arreglo de viento, siempre traen a King Crimson a mi subconsciente. Es un corte que se atreve a romper con la tónica del álbum. Si es que en “Alabaren” cabe cosa tal. La manera en que vuelve aquella primera línea de voz, apoyada ahora por tenues líneas de guitarra eléctrica, es magnífica. Un corte alejado de casi cualquier cosa que tenga que ver con el heavy metal pero que confirma a Elizabeltz como un ente despreocupado ante las barreras del género. Diferente, enfadará a unos en la misma medida en que fascine a otros tantos.
Así las cosas, “Zin” nos devuelve a la banda en su encarnación más vibrante y directa. Es el corte más rácano del tracklist, poco más de tres minutos y medio. Un híbrido entre ciertos ambientes que bien podrían recordar a Urge Overkill y el nervio proto-metálico de unos Blue Cheer. Construida, quiero pensar, con el directo en mente, deja entrever una estructura más clásica y acomodada, rota únicamente por lo alucinado, y nuevamente lisérgico, de su tronco central. El solo que disponen en el epílogo, resulta tan sorprendente y llamativo como otros tantos dentro del tracklist.
Algo más contemporánea resulta “Ergastula”, que aún sin abandonar el fuerte influjo clásico que rodea al disco, ofrece ahora un metal nervudo aunque igualmente dramático, donde oigo ecos que me recuerdan a los rockeros de Bergen Major Parkinson. Sin embargo resulta una composición más fácilmente digerible por audiencias como puedan ser la de esta misma página. Hay riffs e incluso estrofas que me recuerdan a los Borknagar más recientes. Pero si por algo destaca esta penúltima entrega es por la ardua labor en cuanto a solos y melodías de guitarra se refiere. Omnipresentes, dotan de un aura extraña tanto a estrofas como a estribillos. Una coctelera donde la banda exuda personalidad, por contradictorio que esto pueda parecer. Incluso cuando el corte supera su tronco central y acometen un mayor dramatismo, personificado en la prominente carga atmosférica, Elizabeltz siguen sonando orgullosos y personales.
“Hellend” pega el último giro de timón de “Alabaren” apostando por un prólogo cristalino y tranquilo, en cierta aunque lejana rima con unos Ulver del “Shadows Of The Sun”, para después moverse por unos territorios tenues y misteriosos, en cierto modo solidarios aunque nunca iguales a los que ya dibujaran en la anterior “Kurtzio Udazkenean”. Se produce no obstante aquí un último volantazo. Un último truco, al convertir la curiosa calma inicial en un hard rock acompasado, bellamente arreglado, que vuelve a apostar por un sonido clásico mientras las guitarras dibujan una melodía redonda por pegadiza. La buena dupla vocal del puente pero, sobre todo, la mayor grandiosidad que ofrece el epílogo, termina por rematar un desbordante broche final.
Un álbum muy agradecido de reseñar. Por la diversidad de sus composiciones pero sobre todo por su deslenguada variedad, los muchos nombres que irrumpen como influencia más o menos directa y también el buen sonido que entrega la producción de Ekaitz Garmendia. Justo cuando teníamos a Elizabeltz por una banda de directo, los vascos se destapan con un disco sugerente, ambicioso incluso, que pasa en un suspiro y presenta las huestes de Anarkangela rebosantes de atrevimiento y buenas ideas. Bienvenidos sean.
“While Passion Lasts” es el quinto trabajo ya para las huestes hard rockeras murcianas Hitten. La banda continúa así aquél magnífico “Triumph & Tragedy” de hace tres años con una formación que integra al italiano Alexx Panza en voces, Dani Meseguer y Johnny Lorca en guitarras y la base rítmica del bajista Satan y el batería Willy Medina. El quinteto, que tan buen sabor de boca dejara a su paso por el Rock Nalón de dos mil veintidós, ofrece esta vez nueve cortes más una introducción grabados en los Terror Twins Studios (bajos y guitarras por Marco Panzanaro), el Nebula Studio (voces) y finalmente los Aenima Studios (baterías por Pepe Marsilla). Las pistas resultantes serían posteriormente mezcladas en los Moontower Studios por el BalmogJavier Félez y masterizadas por el EclipseErik Mårtensson en los Mass Destruction Studios de su Suecia natal. Con arte de Marc Schoenbach y diseño de Monica Torasso y Dani Meseguer, el álbum vio la luz vía High Roller Recordsel pasado mes de noviembre.
Puede que la intro “Prelude To Passion” suene algo ajena a una banda como esta. Un tanto artificiosa y engolada. No obstante su pulso, literalmente hablando en este caso, nos conduce con prontitud y acecho al acostumbrado hard / heavy de los murcianos con renovadas energías. Es en el crescendo final cuando asoman las primeras guitarras y, al fin, se materializa una “While Passion Lasts” de inicio calmo, con Panza en tesituras amables que pronto tornarán a los tonos altos a los que nos tiene acostumbrados el turinés. Me agrada la construcción de estas estrofas. Ese crescendo tan clásico como bien resuelto, y la forma en que el bajo hace suyas las partes más calmas. Llegado el estribillo, el gancho de siempre parece seguir prendiendo con el ardor de antaño. La sección solista, primero heróica y después elegante, me resulta de lo más certera. También ese final más acendrado y metálico. Un arranque en la más pura tradición de la banda en particular y el hard en general.
Pero por si alguien echaba en falta algo más de nervio, “Blood From A Stone” viene para destapar a los Hitten más lindantes con el heavy metal de sus inicios. Una batería que gana peso y unas guitarras de una mayor gravedad colisionan en unas estrofas sencillas pero con un gancho de mil demonios. Composición directa y sin cortapisas. Firme Willy Medina con el doble bombo y otra melodía de voz, cortesía de Panza, con el buen gusto de siempre. Las buenas guitarras dobladas en el solo, el clásico riff en que se apoyan y ese patrón bombo caja tan recurrente y a la vez pegadizo. Corte además que pondrá de relieve el buen sonido que, en líneas generales, atraviesa a este nuevo trabajo. Particularmente llegada la hora de los distintos desarrollos solistas. Equilibrada, con gancho, gana una barbaridad con las sucesivas escuchas y desde luego da la razón a quien pensó en ella como anticipo de este nuevo álbum.
Y aunque en líneas generales “Mr. Know It All” no me funciona en la forma en que lo hacen sus dos predecesoras, sigue siendo una oferta en la que encuentro asideros suficientes a los que agarrarme. Empezando por el tono tan deslenguado y chulesco que le aporta la despreocupada línea de voz de Panza. También en lo bien que empasta la base rítmica aquí y lo sencillo pero ¿jovial? del estribillo. Pero en líneas generales observo una construcción más lineal y quizá al tema en su conjunto le pese su condición de single adelanto.
Más rocosa, rotunda y pesada, “Unholy Games” parece guiñar al bueno de Zakk Wylde con el inconfundible grosor del riff inicial. Acude raudo el estribillo a la cita y si bien este no me termina de enganchar del todo, sí que lo hace la mayor personalidad que exhibe ahora la banda. Apostados en las fronteras de su acostumbrado hard rock de raíces orgullosamente ochenteras pero a la vez caminando por una senda más apaciguada que termina por separar a este quinto corte del resto del tracklist. Medio tiempo construido con sumo cuidado y adornado con no poco gusto. Aquí la producción juega un papel importante, que no principal. Equilibrio es la palabra clave. Ahí, los arreglos suman sin opacar. De igual forma estupendo el solo (asumo que) de Lorca y la manera tan hábil en que pasa de la elegancia inicial a al pura floritura final. Estupenda no solo por lo diferente que resulta sino también por lo acertado de sus distintas ejecuciones.
“Dark Stalker” parece haber nacido con la intención de convertirse en abanderada de este nuevo “While Passion Lasts”. Ya no es su mayor duración, que también. Es la forma en que parte peras con ese tranquilo prólogo al piano para devolvernos a los Hitten más metálicos e intensos. Por ahí sorprende la tranquila línea de voz de Panza y la forma en que se contrapone al mayor nervio que transmiten tanto guitarras como base rítmica. Que conduce a un estribillo donde las tornas cambian y la menor intensidad contrasta con una línea de voz ahora poderosa por elevada. El juego de contrastes que proponen aquí funciona cual reloj suizo. También una sección solista que, a ratos, me recuerda a unos Iron Maiden de finales de los ochenta. Con mucho una de mis favoritas tanto por composición como por ejecuciones. Hábil, reconocible, potente y con gancho. Deseando desde ya que sea una fija en futuros setlists.
Así las cosas, “Truthful Lies” resulta mucho más acomodada. Tanto por composición como parece que también por intenciones. Llega incluso a bordear el AOR en estribillos. Siempre con un inspirado Panza al micro, y ejerciendo un gran contraste con su inmediata predecesora. Así la banda pone de relieve la cintura que posee aún manejándose siempre dentro de la férrea linde del hard heavy de corte melódico. Se eleva gracias a una certera sección solista pero es cierto que ha habido según qué escuchas al disco en que me ha costado llegar a conectar. El final en fade out, con el prometedor acelerón del epílogo perdiéndose finalmente entre la bruma, no ayuda precisamente a mejorar su nota final.
Un arranque como el de “Hold Up The Night” te lo firma la pareja Matthias Jabs & Rudolf Schenker en cualquier día tonto. No es que el corte asuma por completo el ideario del escorpión germano pero uno no puede por menos que palpar y sentir la inevitable comparación entre unos y otros. Los chicos no parecen querer esconder sus influencias aquí y, de resultas de ello surge un corte tan agradable como previsible. El más escueto, de hecho, de todo el tracklist. Introducción al margen. Coros agradables y algún que otro riff de innegable peso y carisma salvan la fiesta en cualquier caso.
El riff en que apoyan “Where It All Begins” puede resultar algo recurrente. Ese clásico cabalgar a medio gas. Pero este es un medio tiempo orgulloso. De nuevo construido con cuidado y adornado por una vistosa y muy presente línea de bajo. Ni que decir tiene que Panza, acompañado en tareas vocales por Rox Robles, se encuentra como pez en el agua en estas aguas más remansadas, entregando una interpretación en la que vuelve a rebosar carisma y clase. El solo que sitúan en el mismo tronco central de la composición eleva igualmente a esta penúltima entrega funcionando en favor del corte al que adorna y no en virtud de un ego específico. El pequeño impulso que adquiere camino del epílogo culmina un corte que funciona en la más pura tradición del género.
“Crimetime” cierra “While Passion Lasts” mientras nos devuelve a los Hitten más heavies y trotones. Despreocupada pero sin perder de todo el foco, intensa sin llegar a lo amenazante. De solos tan nerviosos como electrizantes. En definitiva sencilla sobre el papel pero lo suficientemente bien resuelta como para sobreponerse a su trazo tan recurrente.
Es un álbum que pierde duración con respecto al estupendo “Triumph & Tragedy” y por ahí habrá quien piense que la banda ha estado desaprovechando el tiempo transcurrido desde noviembre de dos mil veintiuno. Nada más lejos. “While Passion Lasts” puede no ser aún el disco definitivo de Hitten, el que les transporte al reconocimiento del que ya gozan otras bandas de su misma generación, pero desde luego cortes como “Unholy Games”, “Blood From A Stone” o la que viene a dar título al álbum no deberían ser para nada desdeñadas. También la más diferente “Dark Stalker”, que abre un horizonte quien sabe si nuevo para ellos. Deseando verles de nuevo por estas frías tierras del norte.
Bajo el nombre de «Beyond The Veil» verá la luz en el mes de julio el tercer álbum de estudio de Totengott, primero con la discográfica Hammerheart Records, hogar de bandas como Master, Trouble, Entrails, Ereb Altor, Blind Illusion, Phlebotomized o Sear Bliss.
Calificados por su nuevo sello como los hijos bastardos de Celtic Frost, el próximo trabajo del combo asturiano ofrecerá un nuevo episodio dentro de la guía espiritual escrita por Tom G. Warrior. La grabación navegará por dicho modelo aportando ecos a Voivod, Bathory, Winter, Conan u Obituary y nuevos detalles para crear una nueva obra inquietante y oscura. «Beyond The Veil» será el resultado de más de cuatro años de trabajo para elevar el sonido de la banda a un nuevo nivel y verá la luz a través del histórico sello que ayudó a dar forma al metal extremo durante casi 30 años.
Nuevo Ep y ya van tres para los speed metaleros zaragozanos Alacrán: Christian Oliva “Oli” en guitarras, Diego Lafuente “Petroski” al bajo, Roberto Monforte “RK” en baterías y Sergio Lasmarías “Cachorro” al micro. Formados allá por 2012, debutarían dos años más tarde con un Ep homónimo al que seguiría “Siempre En La Brecha” ya en 2016. Ahora por fin nos traen nuevo material bajo el título “Luzifer” y con los propios Petroski en tareas de producción y master y Oliva en lo tocante a grabación y mezcla. Con arte del HittenDani Meseguer, el trabajo se encuentra ya en la calle vía Thundersteel Records.
“Luzifer”, que arranca directa y sin contemplaciones, ya muestra la clase de metal tan rugoso como ágil del que gustan los zaragozanos. Baterías de sonido muy años ochenta, voces inundadas de reverb y riffs sacrificados a la propia velocidad de la composición. Speed metal en una onda que bien podría recordar a gente como Agent Steel, primeros Paradox o los Metal Church menos thrash. Pocas fisuras derivan de ese trazo tan elemental. La banda cita a Muro como influencia y algo de la banda de Silver se deja notar en los coros que acompañan a los estribillos. Para nada un mal solo el que ocupa el tronco central, si bien conecto en mayor medida con la parte más melódica del mismo y no tanto con esa segunda parte, algo más rutinaria. Más atinado el que emerge camino al prólogo y que anticipa ese final de corte más épico. Con sus más y sus menos, un más que digno arranque.
El riff de “Halcones De La Noche” tiende más al power primigenio. Aquél de los primeros Helloween, Rage, incluso Grave Digger. RK está firme al doble bombo y Petroski emerge para redondear la buena base rítmica de un interesante segundo corte. Y es que la banda suena ahora más compacta y entera. Ayuda el fondo, pero también la forma, que resulta por un lado menos predecible en escritura y por el otro más atractiva en lo que a puro desempeño técnico se refiere. Equilibrado el solo que Oli desliza aquí, hábil a la hora de conjugar melodía y rapidez. Finiquitan con un epílogo a la Maiden, que si bien algo recurrente, dudo escame a nadie que tenga a bien acercarse a una propuesta como esta. Cierto es también que Cachorro no es un dechado en contención precisamente. Género y estilo obligan, claro.
Alacrán habrán de echar el resto en “Síndrome”, corte más extenso del Ep y gran emblema del mismo. Todo arranca desde un prólogo empeñado en cambiarle el pie a las altas revoluciones que arrastraba hasta ahora el tracklist. Apenas un espejismo pues una vez alcanzamos las primeras estrofas, todo reconduce hacia el nervio habitual en los maños. Hay sin embargo una mayor dedicación en la construcción de estas, ahí donde nombres como el de los propios Hitten acuden rápido a mi subconsciente. Pero es interesante cómo la banda transige aquí hacia un tono algo más melancólico, imbricado no obstante en su habitual heavy metal enfebrecido y trotón. Algo que viene a jugar en favor de un Cachorro, a grandes rasgos, más comedido / menos chillón que en otros cortes más al uso. Puede que ciertos riffs me suenen un tanto manidos. Incluso el solo de Oli me resulta un tanto recurrente. La banda sin embargo suple carencias con actitud, lo cual tampoco parece mal síntoma.
“Corre”, versión en directo de los asturianos Antídoto, palidece por el sonido un tanto lejano al tiempo que muestra una reinterpretación marcada por el aumento en las revoluciones. La cabra tira al monte. El sonido, un tanto lejano y hasta encajonado podría ser mejor, sí. Otro tanto se podría decir del otro corte en directo del Ep, este trallazo directo y sin contemplaciones que es “Kamikaze”, con un RK que apenas dará descanso a lo largo de estos tres minutos largos de metal ardiente y trotón.
Ni mucho menos el Ep más original de todos cuantos han pasado por estas líneas en lo que llevamos de año pero sí tal vez aquél que demuestra una mayor pasión por el glorioso heavy/speed metal de los años ochenta. Que si es precisamente lo que uno anda buscando y si se le perdonan las mencionadas carencias en lo que a sonido se refiere, no dudo propicie buenos ratos a más de uno.
Pues ya tenemos de vuelta a los chicos de Sylvania. La banda, que pasara por nuestros escenarios el pasado mes de septiembre dentro del marco del Karma Fest, regresa ahora con un cuarto álbum de nombre “Purgatorium” y en el que encontramos a Álvaro Chillarón bajo, Sergio Pinar en baterías, Sergio Garay y Alberto Montoya en guitarras y Alberto Sÿmon en voces, amén de las colaboraciones del SaratogaTete Novoa y el Opera MagnaNacho Sánchez Soler.
A excepción hecha de las baterías, que vendrían al mundo en los Novo Estudios, serían los Fireworks Estudios quienes registrarían el resto de elementos bajo supervisión y posterior mezcla de Fernando Asensi (Lethargus, Zarpa, Dragonfly…). El material resultante sería masterizado finalmente por el propio Alberto Montoya y adornado por el arte de JM Design (Amadeüs, Dünedain, Daeria…). En la calle desde el pasado veintidós de diciembre vía Art Gates Records.
Pocas sorpresas con la introducción “Entre La Vida y La Muerte” y el tono casi cinemático en el que se desarrolla, con ecos que oscilan entre Danny Elfman y James Newton Howard. Que en cualquier caso me gusta por el crescendo que plantea pero sobre todo por la forma en que se introduce en una “Purgatorium” que terminara por dar nombre al disco. Corte de power metal clásico, casi señorial, con unas más que dignas guitarras dobladas durante el prólogo. Acierta la producción a la hora de mantener el equilibrio entre la cara propiamente metálica de la banda valenciana y todo el aparataje sinfónico con el que lo acompañan. El ex NocturniaAlberto Sÿmon traza aquí un estribillo que me recuerda, y no poco, a la buena gente de Argion. Sencilla, directa, con gancho y, da la impresión de muy pensada con el directo en mente.
“El Río De Los Lamentos” baja las revoluciones para apoyarse ahora en un riff a ratos cabalgante al que acompañan ahora unos arreglos que adquieren un mayor protagonismo con respecto al corte precedente. Colabora aquí Nacho Sánchez Soler al teclado pero si por algo sorprende esta tercera entrega es por el doble juego vocal que plantea durante estrofas. No es nueva esa dualidad en cuanto a voces pero tampoco puedo decir que me parezca mal resuelta. Sylvania ofrecen aquí un tono más oscuro. Sin excesos, siempre dentro de las barreras del género, pero que termina por contribuir a dotar de una mayor versatilidad a este cuarto trabajo. Mayor brío el que entregan durante la extensa ración solista, que termina eso sí de manera un tanto naíf. En cualquier caso bien está esa calma antes del llamativo groove que anticipa al estupendo epílogo. Pequeños detalles al margen, uno de los cortes que más ha ido ganando con el correr de las escuchas.
Mucho es el gancho que posee la no obstante tímida línea de piano que introduce “Tu Calor Será Mi Voz”. Mejor aún el riff que conduce hacia las estrofas y ese trazo ambivalente en el que se desarrollan. El estribillo hace mucho por encontrar un gancho que unifique a banda y público en los directos. Por ahí surge una cierta autoconsciencia con la que conecto solo a ratos. También un bajo, el de Álvaro Chillarón, que dará vistoso apoyo durante las partes más desnudas. Muy Helloween la ración de solos que despachan aquí y juguetona la manera en que la banda transita hasta el epílogo. No caben sorpresas esta vez. Sÿmon parece de hecho más que cómodo en estos tonos medios y el corte, sin alardes gramáticos de ningún tipo, termina por funcionar.
Corría el mes de mayo del año pasado cuando la banda anticipó este nuevo álbum con el single “Aunque Mi Alma Se Desgarre”. Composición riquísima en cuanto a arreglos, trazada a un tiempo con gusto clásico y al otro con la suficiente inteligencia y agilidad para que su escucha enganche al oyente a la primera. Al menos si este es de los que disfrutan del metal más amable y melódico. Valga la redundancia. Su línea de voz, en particular durante las partes más desnudas de las estrofas, trae a mi mente a los Mägo De Oz más “populistas”, mientras que después hay ideas que me recuerdan a Freedom Call, Edguy, Axxis… Sin parecerme el corte más redondo de los diez, sí que posee una de las secciones solistas más llamativas y vibrantes de todo “Purgatorium”.
El disco encuentra ahora una nueva instrumental. En este caso una muy apaciguada “Canto De Luna” donde las guitarras acústicas toman el mando sobre un tímido colchón ornamental. Discreta por duración, aún más por trazo, donde apenas se divisa un pequeño up tempo sinfónico en su recta final, y que introduce una “Hechizo De Invierno” cuyo arranque siempre me transporta a los Avalanch de “El Ángel Caído” o “Llanto De Un Héroe”. En lo que atañe a las estrofas, diría que son estos los Sylvania más guerreros de todo el disco, trayendo de vuelta incluso aquél contrapunto vocal que ya planteaba “El Río De Los Lamentos”. Sorprende por ahí ese estribillo en tonos mucho más amables y cercanos al tono general de este cuarto disco, componiendo así un corte un tanto bipolar, que no fallido.
“Mar De Agosto” es una balada de tranquilo inicio al piano donde Sÿmon, claro, ofrecerá la cara más amable de su registro. Pocas sorpresas en cuanto a trazo con ese muy clásico crescendo que conduce hasta el elegante solo de guitarra. No puede decirse que se hayan liado la manta a la cabeza, baladas así hemos escuchado ya unas cuantas, pero los valencianos al menos parecen haberse preocupado de arreglarla en condiciones. Posee además buenas ejecuciones y a un Sÿmon que ofrecerá su mejor cara en el más elevado tramo final. Lo dicho, de las de toda la vida.
“El Juicio De Las Almas”, primero del par de cortes con Tete Novoa a bordo, recupera a aquellos Sylvania más oscuros de “El Río De Los Lamentos”, contrapuestos una vez más a un estribillo, con la actual voz de Saratoga tan torrencial como acostumbra. Luminoso y radiante. Sin que su trazo me resulte en exceso brillante, sí que resulta atravesada por algunos de mis riffs favoritos de todo el álbum. También por una a ratos vibrante sección solista. Desde luego parece haber muy buena química entre ambos músicos. También entre ambos vocalistas, si bien no me parece esta la letra más redonda del álbum. Opinión esta profundamente subjetiva, claro.
“Hacia La Eternidad” cierra “Purgatorium” yéndose hasta los doce minutos. Y lo hace planteando de inicio un power metal a la alemana, deudor directo de los Gamma Ray más vivarachos. Ahí se produce un descenso hacia una calma que acogerá a las primeras estrofas. Vistosos arreglos de viento aquí y otra buena línea de bajo de Chillarón. Tete Novoa regresa para enfrascarse en un duelo con Sÿmon y, en cierta manera, recuerdo “Las Ruinas Del Edén” de Avalanch, si bien es más una sensación que un parecido empíricamente demostrable. El puente central, que desciende a una calma sinfónica, de nuevo casi cinemática, puede recordar al power metal de principios de este siglo. Y es que mientras que tras él surgen los Sylvania más amables, me agrada lo diverso del trazo en este tercio final aunque quizá no tanto los riffs en que se apoyan. Pero la producción acierta de nuevo a amalgamar las distintas líneas en un perfecto equilibrio entre lo que es heavy / power metal y lo que no deja de ser puro ornamento. Dejes folkies anticiparán uno de los epílogos mejor resueltos del álbum. La banda nunca ha sido ajena a los cortes largos pero este desde luego puede ser el más redondo que hayan trazado nunca. Gran cierre.
Notable trabajo el de los valencianos. Por lo sólido de muchos temas y lo diverso de otros. Al final el disco parece conversar consigo mismo en lugar de agarrarse a una única carta ganadora. Por ahí surgen composiciones con gancho, la propia “Purgatorium”, junto a cortes más extensos e igualmente eficaces como “El Río De Los Lamentos” o en especial la final “Hacia La Eternidad”. Y puede que la aportación de Nacho Sánchez en la primera peque de discreta. Todo lo contrario puede decirse no obstante de Tete Novoa en la segunda. Al final un álbum que, si bien no me resulta del todo perfecto, ha ido ganando lo suyo con el paso de los días y las escuchas. Ya me contaréis si también ha sido vuestro caso.
Los hard heavies vigueses Cherokee tienen cita con el público astur el sábado nueve de marzo de 2024, por lo que echarle un vistazo a su más reciente obra “III” resultaba de lo más pertinente. Ellos son Fran Gómez y Gerardo Fernández en guitarras, Fran Vázquez a la voz, Carlos Delgado en baterías y Edu Mateos al bajo. Con José Pineda como productor, el trabajo ha sido grabado en los estudios Área 51 y ha contado con las colaboraciones de Hugo Bistolfi (Galilea, ex-Rata Blanca, ex-Alianza), Javi Oliva y Niko del Hierro (Saratoga). Con portada de F.J., “III” se encuentra en la calle vía Demons Records desde el pasado dieciséis de octubre.
“Quimera” ejerció como carta de presentación de este “III”. Y un poco también como piedra de toque del mismo. Porque es un hard / heavy directo y sin ambages, con Fran Vázquez moviéndose en tonos altísimos, revelando un registro a medio camino entre Juan Gallardo (Ángeles del Infierno) y Adrián Barilari (Rata Blanca) con el que conecto solo a ratos. Para más inri, aquí las guitarras revelan un tono que no alcanza tampoco a conquistarme. Otra cosa es el uso que Gómez y Fernández hacen de ellas, que vendrá a revelarse tan clásico como eficaz durante el obligado despliegue solista del puente. Un arranque correcto.
“Las Puertas Del Cielo” hace por atemperar el brío de su predecesora. Por retorcer la escritura incluso. Es más chulesca, más pretendidamente sensual. Como unos Whitesnake de finales de los ochenta puestos al día. Todo le sirve a Carlos Delgado para tramar una línea de batería llena de buenos detalles. Pero es Fran Vázquez al micro quien, a fuerza de sonar más natural y no tan excesivo, gana no pocos enteros con respecto a otros desempeños más exigentes dentro de “III”. El crescendo final, clásico hasta la médula, resulta bien resuelto. Adornado incluso. Insisto, no me conquista el tono de estas guitarras pero sí lo que los chicos están haciendo con ellas.
“Siéntelo”, que cuenta con todo un Niko del Hierro al bajo, puede ser fácilmente el corte con el que más me cuesta conectar de todo el álbum. Ni con el aspecto lírico, recurrente y con cierta sensación de déjà vu, ni tampoco con los tonos más bajos y aguardentosos de Fran Vázquez en estrofas. Y es una pena porque en su tronco central habita un buen crescendo y pequeños destellos técnicos que hablan, y no precisamente mal, del nivel técnico que poseen Cherokee. Pero un poco por los detalles que comento y otro por la corta duración de la composición en sí, al final no puedo sino situarla en el vagón de cola dentro de las once que componen este “III”.
Trazada con gusto clásico, adornada con sumo cuidado y afrontada por el Fran Vázquez más neutro, centrado y sólido, “Nada Es Para Siempre” funciona a la hora de revelar el lado más elegante y ampuloso de los vigueses. Medio tiempo con la debida carga melancólica, gana enteros en producción, si bien el bajo de Mateos se sobrepone a ratos al resto de elementos. Pero culmina en un buen estribillo y cuenta con grandes detalles toda vez la composición encara su recta final y emerge la obligada sección solista. Lo dicho, clásica y nada original pero resuelta de manera impecable, no le puedo poner pegas más allá de su propia autoconsciencia.
“Déjame” transige, y lo hace de manera más que orgullosa, hacia un AOR acomodado y grandilocuente. Valga la redundancia. Con Fran Vázquez más cómodo que nunca y la producción brillando en lo que a equilibrio se refiere, deriva en un estribillo sin sorpresas ni tampoco dobleces. Ni inventa la rueda ni lo pretende, pero funciona, que es lo importante, y entiendo los motivos por los que fue elegida como otro de los adelantos de este “III”. Parece casi el negativo de aquella “Quimera” y por ahí viene a colarse el amplio rango de influencias que manejan.
Quien echase de menos aquellos pulsos más heavies y musculosos, podrá darse un festín con esta “Sí o No”. Pero lejos del nervio de los temas más potentes, Vázquez arrastra un deje chulesco en sus líneas de voz que la convierten en una de las piezas más curiosas de todo “III”. Posee una idiosincrasia muy a la española, donde se traslucen varios de los grandes nombres patrios de los ochenta. Entre Bella Bestia, no obstante el propio Vázquez llegó a ocupar el cargo en la ya desaparecida banda madrileña, hasta los Obús más clásicos, todo funciona para confeccionar el que puede ser fácilmente mi corte favorito de los once. Lo que son las cosas.
“No Mires Atrás” funciona mientras trae al frente un hard de finales de los ochenta al que adornan varios de los riffs más redondos y mejor definidos de todo el álbum. Con Vázquez trazando una contenida pero elegante línea de voz y una producción nítida pero potente, parece uno de esas entregas nacidas con el directo como principio y fin. Lo mejor es que ello no quita para que la banda opte por una sección solista primero llamativa y después clásica. Acomodada incluso. Quien sea habitual de mis reseñas sabrá de sobra que no acostumbro a conectar con letras tan descaradamente vitalistas como esta. Pero quién soy yo para negar el buen rendimiento que líricas de este perfil han dado a bandas de todo pelaje a lo largo de la historia de nuestro rock & roll.
“Fuiste Mía”, traslación a nuestro idioma del “Angelia” de Richard Marx, continúa en los mismos tonos amables y distinguidos de la original, añadiendo claro guitarras más presentes y una línea de voz más cercana a espectros debidamente rockeros. Culminada con un notable solo de guitarra en su tronco central, conduce hasta otra versión, en este caso “El Guardián De Tu Piel”, de la ya desaparecida banda madrileña Beethoven R., donde Cherokee cuentan con Javi Oliva para el solo de guitarra. Una de esas versiones que lejos de reproducir palmo a palmo al original, sabe aportar su propio granito de arena en búsqueda (y hallazgo) de un tono que aporte la debida savia nueva sin faltar al espíritu de lo que uno está adaptando y reproduciendo.
Pero qué duda cabe que conecto en mayor medida con esta “No Hay Perdón” donde la banda cuenta con la colaboración del ex teclista de Rata Blanca Hugo Bistolfi. Y ciertamente parece un corte con hechuras de ocupar algún viejo disco de los argentinos, con esa distinción tan significativa que aporta el buen hacer del músico bonaerense. Tal vez no disponga del estribillo más lúcido de todo “III”, pero brilla sin aburrir en términos técnicos y funciona a la hora de aportar una mayor intensidad al conjunto durante su parte final.
Para el cierre queda una última versión, esta “Entender El Amor” original de la vocalista figuerense Mónica Naranjo. Difícil, no ya por los habituales tonos altos de la catalana, sino también por los muchos requiebros que tenía aquella línea de voz, amén de lo profano del propio empaque musical, sito a mil millas del conocido hard heavy de los gallegos. Cherokee realizan una aproximación que rezuma heavy metal por los cuatro costados, con el Vázquez más filtrado de todo el disco y un inteligente uso de las armonías. Quizá por el propio riesgo que conlleva la idea, no puedo decir que me desagrade. Al contrario.
En resumidas cuentas y tras las sucesivas escuchas de “III” lo más que acierto a entrever es que se trata, al menos a mis ojos, de un álbum un tanto desigual. Cortes que disfruto en gran medida (“Las Puertas Del Cielo”, “Sí o No”, “Déjame”) junto a ofertas, dicho sea con todo el cariño, que encuentro un tanto prescindibles (“Siéntelo”). Y como ya apunté por ahí atrás, puede que el tono de estas guitarras no alcance a conquistarme pero, insisto, el desempeño de la pareja GerardoFernández y Fran Gómez es ordenado las más de las veces, operando siempre en favor de las propias canciones y nunca en favor de sus propios egos como músicos. Luego está la figura de Fran Vázquez. El sevillano es uno de esos vocalistas excesivos, volcánicos incluso, al que disfruto en mayor medida durante sus tonos medios y no tanto cuando su voz registra tonos imposibles, si bien a lo largo y ancho del álbum se suceden varias excepciones a este hecho. En cualquier caso un álbum que debería de hacer las delicias de todo fan del buen hard / heavy estatal.
HEAVY METAL BRIGADE 